面對十幾年輝煌、坎坷的中國搖滾史，我們不僅僅有感動和激情，還有更多的思考和困惑。我們現在不是做不出好的音樂，而是這些能做出好的音樂的樂隊或個人都只能曇花一現，他們成功後也迅速被商業化所侵害，至今還未有人百毒不侵，一種可悲也是一種無奈！ 我們在這裡介紹新近出現的優秀樂隊或個人和新近推出的優秀專輯。當然，在這裡還有過去十幾年中優秀樂隊或個人和優秀專輯的介紹，一些很舊但很優秀的東西。音樂與衣服不同，它實在難以用新舊來劃分。 我們希望大家能真真體會到搖滾文化卓絕的感召力和內涵，也希望國內能出現象 Sex Pistols、The Doors、Metallica、Nirvana 一個時代的代表，能出現象 Aerosmith、The Rolling Stone 這樣的常青樹，能出現象 Ash、Silverchair 這樣優秀的生力軍，更希望能出現象 Patti Smith、Janis Joplin、PJ Harvey、Hole、Babes In Toyland 這樣優秀的女子樂隊或歌手。
1987年組成樂隊，1991 年初參加《深圳之春現代音樂》演唱會1991年首先在香港、台灣發表了初次問世的專輯《黑豹》〈Don'l Break My Hearl]、《無地自容》等曲目，成為華人青年熱唱的名曲。黑豹樂隊成為華人在世界上專輯銷量最多的搖滾樂隊。
李彤（吉它）
1964年11月28日生於北京樂隊中心人物，多數作品出自李彤之手，中學時代開始學習吉它。帶有感情色彩的彈奏方式及獨特的味道、個性、是一個聞名中外的吉它手。
秦勇（主唱）
1968年7月13日生於北京，中國搖滾史上傳奇人物之一，曾任《五月天》樂隊、《一九八九》樂隊的主唱，1994年加入黑豹。他那坦率的表現，強有力的歌唱力，為搖滾樂迷所傾倒。
王文傑（貝司）
1965年5月11日生於北京和李彤一樣是黑豹樂隊最早的成員，中學時代開始接觸搖滾音樂，多年來對搖滾藝術的追求使他形成了自己獨特的貝司樂感，巧妙的結合FUNK的要素，奠基了黑豹音樂的節奏。
趙明義（鼓手）
1967年10月7日出生於黑龍江牡丹江市畢業於《解放軍藝術學院》，有著高超的樂感，認識黑豹以後迷上搖滾樂，用他在軍樂團所積累的超人節奏感及打奏技巧，鋪墊了現在的黑豹音樂的節葳。他把握的每一首作品都有獨到之處。
馮小波 （鍵盤）
1968年8月6日生於四川成都市中學畢業後，在《四川音樂學院》學習作曲，後來組建了《指南針》樂隊的前身黑馬樂隊。音樂學院退學後，接觸到JAZZ、FUSTION，來京後開始接觸搖滾樂。1993年加入黑豹樂隊，用他那音樂性強的鍵盤音色，使現在黑豹音樂的鍵盤音色大放異彩。
1987年 組成樂隊
1991年 初參加《深圳之春現代音樂》演唱會
1991年 首先在香港、台灣發表了初次問世的專輯《黑豹》〈Don'l Break My Hearl]、《無地自容》等曲目，成為華人青年熱唱的名曲。黑豹樂隊成為華在世界上專輯銷量最多的搖滾樂隊。
1991年 參加在香港舉行的[嘉士伯音樂節]演唱會。1992年12月 在中國大陸正式發行了首張專輯《 黑豹》。創下了150萬盒的發行記錄。
1993年 以「穿刺行動」為題的全國三十個大小城市的巡演，受到了數以百萬計聽眾的傾慕。在中國大陸燃起「搖滾之火」。8月 第二張專輯《黑豹II－光芒之神》在中國大陸發行。
1994年 簽約於日本JVC唱片公司Rolling Sound搖音場。6月 Rolling Sound搖音場重新對第二張專輯進行了混音及封面設計。並在日本、香港、台灣、大陸等亞洲地區，推出了世界版《黑豹II－－光芒之神》引起世界上的重大反響。
1995年 在全國舉行了30場以上的演唱會，同年夏季，成功地實現了西藏有史以來的第一次搖滾樂演唱會。1996年2月 第三張專輯《無是無非》在亞洲同步發行。不滿一個月就創下了45萬的發行記錄。3月 作為中國樂隊第一次上日本的舞台，在東京舉行了專場演唱會，引起日本音樂界的極大關注。3月 在香港棉花俱樂部舉行專場演唱會。5月 在香港紅勘體育館與大陸、香港、台灣著名藝術家協手共同參加「我愛普通人」演唱會。8月 代表中國參加以日、中、韓、台著名藝術家為中心的，在日本大阪舉行的《相約在七百年前》為題的中央電視台、日本富士電視台、大韓民國文化放送電視台聯合主辦的國際文化交流演唱會。
1、首張專輯《黑豹》1991年在香港、台灣發表。I st Album 專輯中的收錄的歌曲有：無地自容、TAKE CARE、體會、別來糾纏我、靠近我 、DON'T BREAK MYHEART、臉譜、怕你為自己流淚、眼光裡、別去糟蹋。
2、1993年8月第二張專輯《黑豹2－光芒之神》在大陸發行。94年6月Rolling Sound（搖音場）重新對此專輯進行混音及封面設計並在國內及亞洲地區發行。引起世界上的反響。2nd Album 專輯收錄的歌曲有：光芒之神、同在一片天空下、我問、你就是你、美麗的天空沒有悲傷、海市蜃樓、渴望的地方、我不想說、綠色劫難。
3、為紀念已故著名的台灣歌星鄧麗君，日本JVC唱片公司96年推出了一張翻唱歌曲集《告別的搖滾》，黑豹樂隊翻唱了其中的兩首《愛的箴言》和《愛人》，此張專輯的推出在流行音樂界引起了不小的爭議。
4、自1993年底黑豹推出了他們的第二張專輯以後，經過兩年的調整與融合，1996年2月第三張專輯《無是無非》終於推出了。新主唱秦勇及鍵盤手馮小波的加盟使樂隊的實力又有提高。樂隊的創作技巧及整體配合越加成熟。黑豹樂隊作為亞洲新音樂的先鋒在國際舞台上已嶄露頭角並愈發受到關注。他們想為愛好中國音樂的朋友們認真地做一些事情，通過精良的，現代化的製作，使大家恢復對同胞的樂隊，音樂人的信心，最終使中國人能擁有自己的世界級音樂家而自豪，勇猛的黑豹願為此奮鬥，再創輝煌！
新褲子樂隊
第一次與「新褲子」成員碰面還是在96 年夏天，我從西安回到北京，淪落在跳蚤市場上繼續賣打口帶維生。「新褲子」的三位成員來到我的「攤位」前，我問他們喜歡什麼音樂，他們說喜歡PUNK，尤其是RAMONES，我們相互留了個電話。再次見到他們是96年底，我已經到「麥田音樂」做了企劃，其時還與朋友組建了一支翻唱THE CURE作品的樂隊「毛毛蟲」。在「亞夢」酒吧演出的時候，碰見了貝斯手劉葆。很匆忙地聊了幾句，他說他們的樂隊名字叫「金屬車間的形象師傅」。後來我們在KEEP IN TOUCH酒吧演出，他們曾經給我們暖過場，當時他們的音樂特別噪，旋律不是很好，但是味道真的有點像RAMONES。那次演出之後很久沒有他們的消息，「毛毛蟲」也解散了。98年我在「忙蜂」酒吧做演出的時候又碰到了劉葆，他說他們樂隊改名叫「新褲子」了，已經簽在「摩登天空」旗下準備發專輯。
「新褲子」的專輯上市，我格外興奮。我喜歡他們的簡單直白，雖說歌詞除了《我們的時代》之外沒有上乘佳作，但是音樂語言卻毫無保留地表達了他們樂觀的處世態度和隱藏在憨厚笑容背後的小小的感傷。泛愛主義的情緒在專輯中肆意宣洩著，在RAMONES式的精緻編配中加上懷舊復古的新浪潮鍵盤音色，聽起來會有點不一樣。整張專輯旋律比較流暢，像《新的戀愛》和《每一天》都是朗朗上口的好作品。主唱彭磊有點大舌頭的唱腔也是十足的RAMONES作風，不過我更喜歡彭磊在舞台上的造型，很難說清那種感染力。在專輯中，有一首電子版的作品，聽上去就沒有他們自己做的那首演奏曲《新褲子》有意思。「新褲子」的專輯包裝充滿了卡通味道，VIDEO也採用了大量的卡通片。這是一張快樂的專輯，他們對生活的達觀態度用嚮往戀愛做為途徑來表達。其實這個時代真的已經到來，一些不求上進的老牌樂隊也該提高警惕了。
歐美搖滾
911
AC/DC
太空人 （Aerosmith）
ANTHRAX炭疽樂隊
Blur
Bon Jovi
Bush
Dead Can Dance
恐怖海峽（Dire straits )
老鷹樂隊 （Eagles）
槍炮與玫瑰(GUNS N' ROSES)
Led Zeppelin
Oasis
"平克.弗洛伊德"(Pink Floyd)
"警察"樂隊 (Police)
Public Enemy
R.E.M
性手槍(Sex Pistols)
"甲殼蟲"樂隊 (The Beatles)
The Clash---永遠的朋克
門(THE DOORS)
The YardBirds
范.哈倫（Van Halen）
Yes
草根隱士（Toad The Wet Sprocket）
FOO FIGHTERS
小酸莓樂隊（The Cranberries）
Radiohead
The Offspring
Metallic
Silverchair
Suede
神童（THE PRODIGY）
Gene
911
英國樂隊911成立於1995年，初期由Spike Dawbarn 和Jimmy Constable兩人組成，當時談們因為在一部電視系列劇《The Hitman and Her》相識而形成組合。稍後,樂隊又有第三個成員加盟，他是Lee Breennan 。1996年，樂隊發佈的單曲唱片《Night to Remembe》迅速攀上英國流行歌曲排行榜前40名。接下來的一張唱片《Love Sensation》更是獲得成功，"Don't Make Me Wait"以及另一首
"Bodyshakin」連續幾周登上英國流行歌曲榜前10名。1998年，他們又推出了新專輯《 Moving On》。1999年初，又推出了精選集《There It Is》，大獲成功！
前幾天，911樂隊在上海逗留了幾天，並開了演唱會，可惜反響並不熱烈！不知道是票價的原因還是廣告沒有做好。
專輯介紹: 全球唯一金童級偶像團體迎接千禧首選新曲+精選911／『我要我的911 青春紀錄全精選GREATEST HITS & A LITTLE BIT MORE』。
全新火力收錄WONDERLAND及IF YOU'D ONLY LOVE ME兩首全球矚目搶播創作新曲「A LITTLE BIT MORE」、「ALL I WANT IS YOU」、「THE DAY WE FIND LOVE」、「LOVE SENSATION」、「BODYSHAKIN」、「THE JOURNEY」等歷年最紅排行主打全數收錄好歌多一點 全球獨一無二超級豪華版 超值加收PRIVATE NUMBER 911與範文芳深情對唱版。
專輯花絮: 10月底即將發行的『我要我的911 青春紀錄全精選』精選輯，除了收錄了911的排行榜暢銷金曲外，台灣版中還特別收錄了911和範文芳的深情對唱曲「Private Number」，李在電話中談到這合作案時，表示：「很好玩，因為這首歌，所以可以和亞洲的女歌手有合作的機會，雖然是「虛擬合作」，不過我已經聽到這首歌的成品，覺得很棒，但是就是還沒有機會看到音樂錄影帶。」911送給歌迷的千禧大禮『我要我的911 青春紀錄全精選』精選輯，本週四（10/28）就可在各大唱片行911了！
最近911每個人都輪流染了金髮，那麼誰染金髮比較好看的問題，李在越洋電話的那一頭尷尬的笑說：「這應該問歌迷吧！」，不過李還是偷偷表示他覺得史派克比較不適合金髮，吉米就再看吧！而且李表示去年聖誕節時，他還曾把頭髮染成白色，因為要參加一個派對，所以好玩就把頭髮變成白色，讓大家嚇一跳，也製造一下派對上的話題。那麼對於即將來臨的千禧年，911有何特別的計劃？李表示他們都很希望能在舞台上和歌迷一起倒數計時，不過現在還沒有具體的計劃，不過應該很快就能確定了，要不然和家人朋友一起渡過，也是不錯的慶祝方式。
曲目:
編號 曲目
1 1.Wonderland
2 If You'd Only Love Me
3 A Little Bit More (Radio Mix)
4 More Than A Woman
5 Private Number
6 All I Want Is You (Radio Edit)1
7 Party People… Friday Night
8 The Day We Find Love
9 Don't Make Me Wait
10 How Do You Want Me To Love You?
11 Love Sensation
12 A Night To Remember
13 Bodyshakin' (Radio Mix)
14 The Journey (Radio Edit)
15 Private Number (911& Fann Wong)
AC/DC
澳大利亞小組AC/DC實際上是用他們激進的，對質的音樂，狂野的舞台效果和搖滾的生活方式創立了hard rock。 AC/DC穿著私立學校的校服。 他們的陣容一直在改變，這引起了對樂隊的形象和曲風的爭論，先鋒人物Bon Scott的悲劇性的死亡，業績一直在改變的音樂風格。在過去的25年中，AC/DC成為世界頂尖搖滾樂隊之一。到90年代末，小組的在全球已售出超過8千萬張專輯。
AC/DC1973年底成立與悉尼。在1974年推出的首張專輯 High Voltage 是AC/DC 受到舉國關注。在1976年推出的 TNT 鞏固了他們在澳大利亞的地位。同時這張專輯也使他們贏得了第一批歐洲和美洲的歌迷。隨後Dirty Deeds Done Dirt Cheap推出了。
隨著1977年單曲 Let There Be Rock 的推出， AC/DC 開始了他們第一次美國巡迴演出。他們充滿活力的演出為他們帶來了更多歌迷。在1978年推出了專輯 Powerage 。同樣在1978年，他們推出了現場版的If You Want Blood (You've Got It) ，這張專輯使他們的歌迷大增。
憑借樂隊頻繁的巡迴演出以及電台播放單曲 "Highway to Hell" ，AC/DC在1979年推出的專輯 "Highway to Hell" 取得了突破性的成功。 這張專輯在美國登上了Top 20，在英國登上了Top 10。 就在這時，小組的核心人物 Bon Scot 死於飲酒過量。面對不幸，小組繼續前進。前 Geordie 的主唱 Brian Johnson 在1980年加入進來並共同錄製了專輯 Back in Black 。這張專輯在英國排名第一，在美國排名第三，並捧出金曲 "You Shook Me All Night Long" 。在１９８１年 AC/DC 帶著他們的金曲 Those About to Rock-We Salute You 重新回來了！
隨著１９８３年Top 10 金曲 Flick of the Switch 的推出， ＡＣ／ＤＣ 進入了困難時期．唱片銷路不佳，小組因其 Religious Right在美國引起爭議而受到抵制．在１９９０年，小組的The Razor's Edge使他們恢復了一些元氣．這張專輯在美國登上了全美排行榜第二名，並獲得格萊美獎最佳重金屬搖滾的提名．１９９５年的專輯Ballbreaker登上美國排行榜的第四名，售出數百萬張拷貝，這證明雖然歷經２０年，AC/DC仍然受到世界的歡迎．
在１９９７年１１月，AC/DC推出了他們的第一個套曲(Box set)．這是名為Bonfire的五碟CD，用來感謝最新的主唱 Bon Scott。
加盟唱片公司站點: AC/DC at Elektra Records
太空人（Aerosmith）
70年代中期馳騁於美國流行樂壇的重金屬組合「Aerosmith」演唱組是當時美國最著名的樂隊之一。他們的足跡遍佈全美國，所到之處，人們擁擠在巨大的露天廣場，爭先恐後的急於一睹「Aerosmith」的令人興奮的精彩表演。
「Aerosmith」成立於1970年夏天的波士頓，樂隊創立初期的主要成員是史蒂夫.泰勒（Steve Tyler,1948/3- ),喬.佩利（Joe Perry,1950/10- ),不拉德.惠特福德（Brad Whitford,1952/6- ),湯姆.漢米爾頓（Tom Hamilton,1951/12- )和喬.克雷摩爾（Joey Kramer,1950/6- )開始他們主要在大學和夜總會演出。直到1972年他們推出唱片《Aerosmith》之後才逐漸引起人們的注意並逐漸成為一支著名的流行搖滾樂隊。
1976年他們的作品《Walk This Way》名列當年度10首最佳流行歌曲第二名。80年代，「Aerosmith」銳氣不減，曾赴加拿大和其他國家進行巡迴演出，頗受流行樂愛好者的鍾愛。
附：「Aerosmith」的歷年唱片:
01----《Aerosmith》 1973
02----《Get Your Wings》 1974
03----《Toys In The Attic》 1975
04----《Rocks》 1976
05----《Draw The Line》 1977
06----《Live Bootleg》 1978
07----《Night In The Ruts》 1979
08----《Greatest Hits》 1980
09----《Rock In A Hard Place》 1982
10----《Done With Mirrors》 1985
11----《Classics Live》 1986
12----《Classics Live 2》 1987
13----《Permanent Vacation》 1987
14----《Gems》 1988
15----《Pump》 1989
16----《Pandora's Box》 1991
17----《Get A Grip》 1993
18----《Big Ones》 1994
19----《Nine Lives》 1997
20----《Little South Of Sanity》 1998
ANTHRAX
"炭疽"樂隊1981年6月成立於紐約。在8０年代的速度／鞭笞金屬（Speed/ThrashMetal）浪潮中，"炭疽"樂隊是在過去的5年裡持並適應著搖滾樂壇這一瘋狂時尚的為數不多的幾支樂隊之一。他將硬核朋克的速度、狂暴與重金屬的卓越的吉他技法和演唱結合在起，以其早期專輯參與創立了重金屬音樂的一個分支。與METALLICAMEGADETH不同的是，他們具有一種良好的意識，可以用幽默和現實義來調節常常過於嚴肅緊張的音樂。
樂隊最初的成員是，主要作曲者斯科特·伊恩（ScottIan，吉他手）、丹尼·斯皮茨（DannySpitz，吉他手）、丹·利爾克（DanLilker，貝司手）、尼爾·特賓（NeilTurbin，主唱）和查利·貝南特（CharlieBenante,鼓手）。他們幾人對滑板、連環畫和紐約的核朋克音樂有共同的愛好，這使他們的早期作品受受影響。
1982年，樂隊在一些小城鎮裡進行了一次激動人心的巡演，之後，他們遇到了鞭笞金屬教父約翰尼·Ｚ(JohnnyZ)，他的Megaforce(Soldiers of Metal)，迎合了當時搖流樂迷們的口味。在約翰尼·Ｚ的介紹下,樂隊為Manowar和當時剛出道的"金屬"做暖場。1984年，樂隊發行了首張專輯《金屬拳頭》（FisfulofMetal）。其中的吉他演奏速野蠻兇惡，歌曲名稱也駭人聽聞，但專輯未引起多大的注意。與"炭疽"同時，伊恩、利爾克和貝南特還自組了the Stormtro opers of Death（ＳＯＤ）樂隊，1984年發行了具有鮮明硬核風格的專輯《說英語，否則就死》（Speak EnglishorDie）。不久以後，利爾克離開"炭疽"組建了"核襲擊"（Nuclear Assault）樂隊，弗蘭克·貝洛（Frank Bello）加入。這樣的成員沒有穩定幾天，特賓被開除，先由馬特·法倫（MattFallon）接替，而後又換為前"黑聖經"（Bible Black）樂隊的成員喬伊·貝拉多納（Joey Belladonna）。
貝拉多納強有力的、歌劇式的演唱風格使"炭疽"以後的作品具有前所未有的深度和光彩。1985年，發行了現場版的小ＬＰ專輯《武的和危險的》（Armedand Dangerous）。其中改變自"性手槍"THE SEX PISTOLS）樂隊的名曲《神祐我王》（God Save the Queen）成為樂隊最受歡迎的現場演出作品。被大唱片公司注意到後，1986年隊為Island 唱片公司錄製了下一張專輯《疾病在蔓延》(Spreadinghe Disease)。該專輯使樂隊步入主流，並實際上奠定了此後5年間音樂基調。其中有些歌曲是金屬音樂常用的題材，如核戰爭〔《余》（After shock）〕、神話裡的怪物〔《水母》（Medusa）〕，而《瘋人院》（Mad house）、《孤獨的正義之神》（Lone Justice）樣的歌曲使樂隊獲得了大批歌迷。
樂隊的形象還成為當時的流行時尚，使衝浪短褲、棒球帽和滑板為最新的搖滾時尚。當然，後來他們不得不為擺脫這一形象付出巨的代價。但1986年時，他們正忙於和"金屬"這樣的樂隊一起巡演，大錢呢。
在1987年的專輯《在活人之中》（Among the Living）裡，"炭"的風格有了改變。在富有傳奇色彩的製作人埃迪·克雷默（Eddieramer）的指導下，他們製作了許多傑出的作品，如《印第安人》Indians）、《壁櫥裡的骷髏》（Skeleton in the Closet）、我就是法律》（IAmtheLaw）等，這些歌曲許多取材於真人真事該專輯在美國成為金唱片，在英國登上排行榜第18名，其中熱門單曲《我就是這個人》(I'm the Man)登上英國榜第2０名，其說唱風格運用得非常成功。
翌年，樂隊在"多寧頓搖滾怪物音樂節"（The Doningt on Monsters of RockFestival）上的表演和新專輯《快樂之國》（State of Euphoria）使他們鞏固了已有的商業成功。其中單曲《讓我笑》（MakeMeLaugh）登上英國排行榜第26名，但翻唱"信任"(Trust)樂隊的歌曲《反社會》(Anti-Social)卻顯得不協調。
一場發生於樂隊Yonkers錄音棚的大火使他們放慢了前進的腳步,這次事故毀壞了1０萬美元的設備。199０年，專輯《持續的時代》(PersistenceofTime)輕而易舉地登上排行榜第13名，其中又有一首翻唱歌曲，喬·傑克遜(JOEJACKSON)的《把握時間》(Got the Time)成為單曲榜上的熱門歌曲。由於樂隊一直在進行說唱樂的嘗試，他們同"人民公敵"（ENEMY PUBLIC）樂隊的查克·Ｄ（ChuckD）一起創作了歌曲《帶來噪音》（Bring the Noise），並於1991年發行了專輯《殺手Bs的襲擊》（Attack of the Killer Bs）。該專輯混合了說唱歌曲、早期ＳＯＤ樂隊的歌曲和Ｂ面單曲。
這些跡象表明，樂隊開始不再是一個整體了。199０年初的Grunge風潮使搖滾音樂經歷著一個巨大的轉變，同時重金屬音樂也趨於流行化。在這種局面下，貝拉多納搞起了Grunge風潮使搖滾音樂經歷著一個巨大的轉變，同時重金屬音樂也趨於流行化。在這種局面下，貝拉多納搞起了Grunge，繼而同他人合作。他最終離隊，代之以技藝稍遜但作風硬朗的約翰·布什（JohnBush）。
到1993年Warner公司發行專輯《白噪音之聲》(The Sound of WhiteNoise)時，樂隊已經做出了最大限度的努力，以求吉他演奏更具當代風味。但是要想趕走自己多年的卡通形象是很困難的，儘管該專輯登上《公告牌》排行榜第7名，但它並未達到在以前的努力下應得的高度。樂隊想有所改變，但丹尼·斯皮茨的演奏風格和缺乏激情的舞台表現拖了其他人的後腿。他對樂隊創作少有貢獻，並且把自己排斥於樂隊活動之外，這導致了他1995年離開樂隊。
儘管1995年"炭疽"為Warner公司出的第2張專輯《爵士舞曲442》(Stomp442)中的吉他分別由貝南特、伊恩·迪姆巴格（IanDimebag）、達雷爾〔Darrell，"潘特拉"（Pantera）樂隊成員〕和保羅·克魯克（PaulCrook，曾在貝拉多納以前的樂隊裡彈吉他）彈奏，但這是他們迄今為止最好的專輯。在Grunge甚囂塵上之時，他們仍舊保持著重金屬的本色。"炭疽"是最不妥協的樂隊之一。
Blur
Heavy metal似乎在一夜之間消失的無影無蹤，之所以這樣說是因為90年代這些Heavy metal樂隊似都只能將他們的輝煌歷史追溯到80年代或者更遠，人們不禁要問，Heavy metal真的消亡了嗎？
對於這個問題答案很多，我不能像先知一樣孤獨地站蒼野上對於將來的事作出一番預見，所能做的只能是回憶過去，以及對現狀的不滿，既然Heavy metal的革命性在90年代不再適合，那麼維持現狀無疑是自掘墳墓，改變是必然的，關鍵在於如何去改，在繼1991年專輯Metallica推出後，沉寂5年後，又推出了Load專輯，這支以編典與旋律優美，表演健長的樂隊似乎給了媒體操作的素材，人們難道可以以專輯的熱銷藉此來說明已經復甦等等沒有真正事實依據的事，在Load14首歌我們並沒有看到事實所能依靠的跡象，而事實上，挽救Heavy Metal並不是哪一支樂隊所能完成，對於這些老Heavy Metal樂隊來說，他們總是非常小心，決不敢冒然嘗試，而另一些事實也說明復甦之事純粹空穴來風，主唱兼吉它Jamcs Hetfield公開承認他們並不想去充當什麼救世主，換句話說他們只注重專輯的熱銷。
Bon Jovi
Bon Jovi 是起步於新澤西的一隻四人組合，屬於主流硬搖滾和重金屬的風格，年輕人和家庭婦女對他們同樣喜愛。他們還製作一些簡潔的表演錄影帶，突出主音 Jon Bon Jovi 的搶眼外表，這些錄影帶使86年發行的《 Slippery When Wet 》和88年 的《 New Jersey 》在全世界獲得多白金的成績。此二專輯都因趨近流行背離重金屬而遭非議，但樂隊逐漸成功轉變了他們在90年代的重金屬形象，而致力於直接的舞台表演搖滾。此變化使 Bon Jovi 成為唯一在90年代仍擁有廣大觀眾的80年代流行-重金屬樂隊。
Bon Jovi 年青時代大部分時間都花在搖滾樂上，他經常與 David Rashbaum 一起在一些本地樂隊演出。他在紐約著名的錄音棚「 Power Station 」找到了一份門衛的工作，不久就開始和一些知名藝人，如 E Street Band 和 Aldo Nova 合作錄音。其中一首《 Runaway 》成為新澤西當地的電台金曲，於是 Bon Jovi 組建了 Bon Jovi 樂隊，吸收了 Rashbaum ，吉他手 Dave Sabo ，貝斯手 Alec John Such 和鼓手 Tico Torres ，於83年與 Polygram/Mercury 唱片公司簽約。
Bon Jovi 的命名作品《 Runaway 》84年發行，進入前40名。第二年，《 7800 Fahrenheit 》發行並獲白金銷量。他們在其後的專輯 《 Slippery When Wet 》中改變了風格，在美國售出九百萬張，樂隊進入了流行-重金屬時代。單曲《 You Give Love A Bad Name 》和 《 Livin' On A Prayer 》到達榜首，《 Wanted Dead or Alive 》進入前十。
88年的《 New Jersey 》發行時， Bon Jovi 套用了《 Slippery When Wet 》的公式，售出五百萬張。單曲《 Bad Medicine 》和《 I'll Be There for You 》達到榜首，《 Born to Be My Baby 》，《 Lay Your Hands on Me 》和 《 Living In Sin 》進入前十。89年樂隊幫助 Cher 製作了專輯, 《 Heart of Stone 》，此時 Cher 是 Sambora 的女友，而樂隊正在為期18個月的國際巡演當中。之後，樂隊休假，期間 Jon Bon Jovi 為《 Young Guns II 》譜曲, 於1990在專輯《 Blaze of Glory 》中發行。專輯中兩首單曲到達榜首，《 Miracle 》獲第12位，並獲格萊美和奧斯卡提名。後一年， Bon Jovi 製作了第五張專集《 Keeping the Faith 》，92年發行，其中《 Bed of Roses 》上榜。金曲合集《 Cross Road 》於94年發行, 95秋,《 These Days 》發行。1996 年 Jon Bon Jovi 在電影《 Moonlight and Valentino 》中客串，並於97夏年發行了首張獨唱專輯。
樂隊官方網站：http://www.bonjovi.com/
樂隊唱片公司網站：http://www.mercuryrecords.com/
Bush 於1992年組建，由吉他/主唱 Gavin Rossdale 領導，是繼 Nirvana 後第一支在美國走紅的英國樂隊。
樂隊的第一張專輯《 Sixteen Stone 》由 Interscope 唱片公司於1993年發行。同年10月底，單曲《 Everything Zen 》在 MTV 播出，專輯也開始熱銷。1995時樂隊已在美國取得很大成功，但在英國的成績卻略遜一籌。
1995全年《 Sixteen Stone 》在美國都十分熱門，單曲《 Little Things 》在春天達到現代搖滾樂排行榜榜首第4名，同年晚些時候《 Comedown 》和《 Glycerine 》都達到此榜榜首，並進入Top 40 。
但很快 Bush 遭到新聞界和非主流搖滾圈內人士的白眼，他們認為樂隊是拼湊起來的。為反擊此種指控，樂隊邀請了曾為 Pixies , Nirvana 和 PJ Harvey 等擔任製作的 Steve Albini 指導新專輯。
《 Razorblade Suitcase 》於1996年聖誕節發行，登上美國榜首，並在英國小有作為。《 Razorblade Suitcase 》受到的評論眾口不一，但好於《 Sixteen Stone 》，1997年春，達雙白金銷量。電子合成的翻版單曲合集《 Deconstucted》於1997年下半年發行。
樂隊官方網站：http://www.bushnet.com/
樂隊唱片公司網站：http://www.traumarecords.com/
Dead Can Dance
Dead Can Dance的兩位成員Brendan Perry和Lisa Gerrard都是愛爾蘭後裔，1980年他們在澳洲墨爾本相遇後，共同開發並分享著彼此對音樂、文學和視覺藝術的熱愛，第一首作品"Fast Forward"被澳洲的一家小公司收錄在一張聖誕節合 輯裡，算是D.C.D.初試啼聲的佳作。1982年，D.C.D.前往倫敦，尋求澳洲市場外的成功機會，經過一年的摸索，終於被4AD相中籤約，在隔年3月為他們出版首張同名專輯，紀錄D.C.D.成軍4年間的心血創作。
1984年底4AD計畫發行This Mortal Coil第一張合輯，D.C.D.有兩首作品入選，分別是"Dream Made Flesh"和"Waves Become Wings"，緊接著他們以個人名 義推出的另兩首新曲"It'll End In Tears"和"Garden Of The Delights"也迅速的問 市，其中在單曲內頁裡發表了Brendan Perry的繪畫作品，是D.C.D.多面向才華的一次成功表現。
1985年D.C.D.第二張大碟"Spleen And Ideal"出版，在英國獨立排行榜上一路攀升到第2名，86年年初，因為廣大 樂迷的催促，D.C.D.排出量少質精的演唱會場次，與聽眾直接溝通，同年並藉 4AD合輯"Lonely Is An Eyesore"發表兩首新作 "Frontier"和"TheProtagonist"。
在1987年發表第3張專輯"The Realm Of A Dying"後，D.C.D.搬入英國政府配給的國宅中，過著近乎是城市隱士的生活，為下一張專輯"The Steppents Egg" 撰寫詞曲，並運用自己的錄音器材錄製完成整張專輯，期間幾乎沒有和外界有任何往來，使樂迷對他們的神秘更為敬畏。就當全世界都以為D.C.D.已經決心脫離塵世時，他們卻又走出來和大眾媒體見面，不但為西班牙名導Augustin Villaronga的坎城開幕片"Moon Child"做配樂，女主唱Lisa Gerrard還在電影中稱 職的出飾一角，使很多人留下深刻的印象。
自90年代起，D.C.D.這個有10年歷史的老牌樂團活動更加頻繁，第5張專輯"Aion"，真誠表達出D.C.D.一向根本溯源的立場，作品裡透露了自中古世紀至文藝復興時期，宗教音樂和美學觀念的影響。肇始於89年和電影媒體愉快的合作經驗，91年Lisa更積極的拓寬藝術領域，她承諾為Temeno製作的希臘名劇「伊底帕斯王」譜寫配樂，並且參與多次藝術季活動，得到英國劇評們的認同。
1992年，美國唱片界紛紛向D.C.D.招手，於是4AD整理出所有錄音作品中的精華，加入兩支口味清淡的新曲"Bird"和"Spirit"，在新大陸發行了題名為"A Passage InTime"的精選輯，向美國對D.C.D.樂風不熟悉的聽者投石問路，吸引了大批包容力較強的消費者，其中包括許多學術、文化界的人士，也為D.C.D.帶來很多意想不到的合作關係，例如美國製片Mark Magidson和導演Ron Frilke在開 拍新片"Baraka"時就選上D.C.D.的舊作"The Steppents Egg"做主題曲，另外法國音 樂家Hector Zazou製作紀念魔鬼詩人韓波逝世一百週年的概念專輯時，也慕名邀請D.C.D.撰寫兩首作品，在這張經典專輯裡跨刀的藝人還有John Cale，David Sylvian，Bill Laswell和板本龍一等人。
1993年，D.C.D.最暢銷的專輯"Into The Labyrith"出世，這是他們在4AD旗下發行的第6張專輯，錄音和製作的過程全都是在Brendan隱居的愛爾蘭修道院裡完成。Lisa則在工作告一段落後，回到澳洲維多莉亞山中的老家和父母團圓，這張大碟就在兩位主角缺席，幾乎完全不做宣傳的情形下，神奇的賣出了50萬 張。同年9月至11月間D.C.D.展開第一次世界性的巡迴演唱，和許多優秀樂手一起在舞台上不斷探索自己作品的可能性。
1994年，D.C.D.在加州一間歷史悠久的劇院舉行多場演出，同時在現場收音，拍攝影片和專輯"Toward The Within"，導演工作由舊識 Mark Magidson 擔任，影片還沒拍完就已受邀到加拿大蒙特婁影展做首映，同名專輯中發表的新作，仍然保留了一貫的樂風，塞爾特民歌，中世紀音樂，文藝復興的詩歌吟唱和來自中東、北非的音樂素材，讓"Toward The Within"非常的「世界音樂」，至於專輯中收錄的舊作現場演繹版本，呈現了不俗的新鮮感。隔年Lisa Gerrard推出他的第一張個人專輯"Mirror Pool"，與澳洲維多利亞交響樂團共同合作將中古世紀的詩歌與古樂融入現代的編曲中，是一張音樂史上少有的發燒鉅作，不過在此同時，D.C.D.解散的傳說頓時也成為樂壇注目的焦點。
其實D.C.D.的新片發行計畫一直都列於4AD的發行時間表中，只是從專輯"Into The Labyrith"開始，Lisa和Brendan兩人在創作和演出上已經形成個自的風 格，加上"Mirror Pool"的發行，自然造成外界對於兩人關係的疑忌，不過在96 年的新作"Spiritchaser"發行後，謠言不攻自破，兩人以近乎心靈相通的方式，將概念集中於南美洲的古音樂文化，詮釋出D.C.D.另一種不為人熟悉的音樂領域，從古印地安詩歌的吟唱到秘魯、智利、阿根廷的原始打擊樂，從古樂器的使用到電腦sampling，全在愛爾蘭的修道院裡完成，內涵上它可視為"Into The Labyrith" 的延伸，變的是兩人相互吟唱對方的創作，不管是或合或離，呈現出聽覺的最高美感。
「我們尋找的是讓我們興奮的素材，尋找精神，獵取它，思考它.... 這張專輯你聽到的便是精神，它在說話！
恐怖海峽（Dire straits )
Dire straits 我把它譯作恐怖海峽，這支樂隊的成員Mark Knopfler(Vocals/Guitar)DavidKnopfler(Guitar,1980由Hal Lindes代替）Pick Withers (drums,1982由TerryWillians取代)。
說它是支樂隊，其實它只是樂團靈魂人物Mark Knopter個人情感的宣洩，它們音樂背景都是出自於英國吉它大師EricClapton和PeterGreen,再溶入了已讓人遺忘的早期搖滾樂和清新 脫俗的民謠，由吉它緩緩倒出慵懶而恬靜的氣氛，這在第一張專輯《 Dire Straits》表現的尤為突出。
Eagles的歌大都出自於Don Henley,Glen Frey之手,他們兩人是樂團的核心人物,也是自始至終唯一堅守自己崗位的老團員.Don Henley曾是Shiloh的一員,1970年發行了一張同名專輯,為他們製作唱片的正是大名鼎鼎的Kenny Rogers.來自底特律的 Glen Frey是為了追求J.D.Souther的妹妹,才來到加州闖天下的.1968年他於Souther組成了一個二重唱,此時關係於他們很接近的還有Jackson Brownne,因為這層情誼的關係,所以我們可以發現不少Eagles的作品,有J.D. Souther和Jackson Brownne名字出現. 組成Eagles的構想人是Don Henley和Glen Frey,他們在吟遊詩人俱樂部裡相識,隨即他們加入Linda Lansday的樂團裡.除了Henley和Frey之外,Randy Meisner和Bernie Leadon以"客座"的身份也被邀請在Linda的班底,他們四人在此風雲際會,短短四個月時間,竟在小伙子們滿腔熱血的促動下,Eagles應運而生了!
早期作品略帶灰色
成立之後的Eagles有幾項特色,每位團員都擅長寫曲,又都能勝任主唱一職,這自然在聲效及合聲方面技高一籌,這就是為什麼Eagles能在一開始就受到許多歌迷的愛戴而一飛沖天了.Eagles的團員實力都不錯,但要他們發揮的淋漓盡致,還需要一位有經驗的製作人.他們找來了Glyn Johns,他是一位名唱片製作人,曾為Rolling Stone,The Who,Faces,Eric Clapton製作過唱片.1972年他把Eagles帶到London,在聞名的Olympic Studio完成了第一張專輯,這是一首典型鄉村風格的作品,推出發行的第一支代表作<<Take it Easy>>便是一個例子.該曲是Jackson Brownnie與Frey和寫的,Brownnie還為Eagles寫了<<Nightinggale>>,那也是一首相當好聽的歌.<<Desperado>>是Glyn Johns在倫敦為Eagles錄製的第二張專輯,雖然它的銷售狀況最不理想,可是它在概念上所表現出的整體性,使一幫老樂迷無不承認這張唱片的價值.僅從"Desperado"字面上看,可知整張專輯所敘述的大意:一位年僅21歲的亡命之徒誤入歧途而觸犯法律的故事.Dooling Dalton是劇中人物,故事發生在1880年的美國西部.
不可否認的是Eagles早期的作品稍微帶了點灰色,他們常靠著各種刺激來尋求內心的平靜,最常看到他們在歌曲中所引用的方式,便是在異性中尋找自我.
進身超級樂隊行列
1974年對Eagles來說是變化最大的一年.這一年他們會到洛杉機錄製唱片.Don Felder的加入使得Eagles陣容更為強大,該團成了名副其實的"五重奏".同年四月當<<On The Border>>推出之後,Eagles更往前邁進了一步,進入了超級樂隊的行列:這張專輯為他們在格萊美獎中獲得兩項提名. Donn Felder與Bernie Leadon過去是佛羅里達州的同學,因為這層關係,他加入了Eagles的行列,何況Felder本身在吉他上的造詣也非比尋常,他的加入可禰補Eagles在樂器伴奏上的不足,同時也可提升Eagles創作上的素質,從此Bernie Leadon就專注於他拿手的班諾琴及節奏吉他,而主奏吉他的角色就繫於Felder一個人身上了.
頂峰之際元老求去
為了促銷<<On The Border>>,Eagles參加了一系列的演唱活動,其中一場是在1974年的4月6日.與幾個著名樂團共同參加的.除了Eagles是大家集中的焦點外,其他像Deep Purple,Black Sabbath,..也是備受矚目的樂團.
Don Felder在錄製<<On The Border>>的時候,僅在幾首歌裡擔任重要的角色,但是在下一張專輯<<One of These Nights>>有精湛的表現.從這張專輯可以看出,Eagles正在向搖滾化方向發展,但也不可否認這是Eagles後期作品中,最後一張鄉村氣息較濃的專輯.那首非常輕快好聽的中板歌曲<<Lying Eyes>>就是例子.這首歌得到了格萊美最佳流行歌曲獎.
正值Eagles頂峰時期,Bernie Leadon突然下堂求去.Ealges組團之初,Bernie Leadon,Randy Meisner一直是被看好的兩為台柱,<<Desperado>>以後,Glen Frey和Don Henley表現的愈來愈稱職,逐漸成為樂團的發言人.後來Leadon因為與其他團員不睦,甚至於有被忽視的感覺,所以才會造成這種局面.
創下一連串佳績
1976年,Eagles寫下一個歷史記錄,他們的集錦專輯<<Greatest Hits>>,成了唱片史上第三張未發行就有100萬張訂單的專輯. 接替Leadon位置的是James Gang的吉他手Joe Walsh,由於他的加入,Eagles的樂風更加搖滾化了.<<Hotel Califonia>>可說是Eagles在最佳狀態,最佳組合之下所完成的一張曠世之作,它的銷售量在80年代初就已突破1500萬張! 70年代中期,Eagles發行的三張專輯都榮登排行的榜首.分別是1975年7月26日得到5周冠軍的<<One of These Night>>,1976年3月31日也得到5周冠軍的<<Greatest Hits>>,及1977年1月15日得到8周冠軍的<<Hotel California>>.
這裡不得不提一下Eagles獲得評價與呼聲最高的那首"Hotel California"了.它的特殊之處在於Don Felder與Joe Walsh所搭配出的雙吉他效果,另外,歌曲故事本身也很玄,字裡行間洋溢著神秘的氣氛,歌中唱到:任何人來到加州旅館沒有不受歡迎的,但是這裡卻有個規矩,只收旅客,不放走客人,任何時間你都可以結帳,只是你出不了大門.主唱Don Henley在這張唱片中的表現讓人不得不刮目相看,8首歌Don Henley就主唱了5首,他在樂團中的份量可想而知了.
"老鷹"折翼,團員單飛
Don Henley與Glen Frey愈是搶眼,Randy Meisner這位創團元老就愈顯得黯然失色,1977年Meisner也決意離去.1978年12月23日,Eagles在第20屆格萊美獎中獲兩項獎,但是Eagles卻沒有參加這個盛會,原因是他們認為此獎不夠真實而有虛偽之感,他們的才華不需要格萊美獎來認定,唱片銷路好,演唱會賣座就已經得到大家的肯定了. 花了18個月的時間才完成了專輯<<The Long Run>>的工作.Eagles真可說是跑了很長一段時間才有新作推出,但誰又知道錄製的工作是在團員爭論不休的情形下進行的,所以從這張專輯的氣勢看,的確比以往幾張遜色了許多,喜歡他們的歌迷依然主動去接受這張新作,因此受歡迎程度亦不比以往差.<<The Long Run>>於1979年11月3日蟬聯專輯榜達8周之久,節奏感非常強烈的單曲<<Heartache Tonight>>也非常流行.於1977年9月才加入的新手Tebothy B. Schmit,以前曾在Poco呆了7年之久,這次與Eagles合作唱了一首慢板抒情佳作<<I Can't Tell You Why>>,果然給歌迷另一種清新的感受.
<<The Long Run>>推出後,Eagles因為Don Henley與Glen Frey的不合而名存實亡了.他們的製作人Bill Szymcz於1980年7月在長堤體育場為他們舉辦了一場演唱會,沒想到這真的成了Eagles散席前的最後一次聚合,Bill很感慨地對那個夜晚說了一句"Long Night at Wrong Beach"!
Hell Freeze Over
合久必分,分久必合.94年Don Henley,Glen Frey,Don Felder,Joe Walsh,Tebothy B. Schmit又走到了一起,全球的鷹迷興奮不已,終於等到了期待已久的聲音. 看過他們Hell Freeze Over演唱會的朋友,一定領略到了這只超級樂隊的風采.除了幾首新歌,他們的一些經典之作,如 "Hotel California","Desperado"...也都經過重新編曲,旋律更加優美動聽.給人印象最深的便是5位團員輪流作主唱,每個嗓音都獨具魅力,大家能否分辨出這張專輯中5種不同的聲音?
●THE EAGLES現任成員
Don Felder／吉他，1947年9月21日生於加州，1974年加入
Glenn Frey／吉他、鋼琴、鍵盤樂器，1948年11月6日生於底特律
Don Henley／鼓、打擊樂器，1947年7月22日生於美國德州
Timothy B．Schmit／貝斯，1947年10月30日生於加州，1977年加入
Joe walsh／吉他、風琴，1947年11月20日生於肯薩斯州，1975年加入
●THE EAGLES歷年專輯
1972／《The Eagles》
1973／《Desperado》
1974／《On The Border》
1975／《Their Greatest Hitsl971——1975》
1975／《One Of These Nights》
1976／《Hotel California》
1979／《The Long Run》
1980／《Eagles Live》
1982/ 《Greatest Hits VO1ume 2》
1985/ 《Best Of》
1994/ 《The Very Best Of The Eagles》
GUNS N' ROSES (槍炮與玫瑰)
1962/2/6 W. AXL ROSE出生
1962/4/8 IZZY STRADLIN出生
1965/1/22 STEVEN ADLER出生
1965/2/5 DUFF McKAGAN出生
1965/7/22 SLASH出生
1972 STEVEN ADLER搬到洛杉基
1980 IZZY搬到洛杉基
1982 AXL搬到洛杉基
1983 AXL和IZZY在洛杉基組團,本來團名叫"ROSE",後來改為
"HOLLYWOOD ROSE"
1984 DUFF和朋友GREG GILLMORE由西雅圖搬到洛杉基,並在廣告上得知
有樂團要徵人於是就前往一試,而要徵人的正好是SLASH和
STEVEN,結果大家一拍即合便組了個叫"ROAD CREW"的樂團
1984 IZZY加入了個叫"LONDON"的樂團,而AXL則加入了重金屬搖滾名
團"L.A.GUNS" 其吉他手為大名頂頂的"TRACII GUN" 此時"ROAD
CREW"在英國倫敦演唱
1985/3 AXL,IZZY,DUFF和TRACII GUN正式組成"GUNS N' ROSES",其
中"GUN"是取 "TRACII GUN"的姓,而"ROSE"則是取"AXL ROSE"的
姓,這是最早的槍炮與玫瑰
團員:
W. AXL ROSE 主唱
IZZY STRADLIN 吉他手
TRACII GUNS 吉他手
DUFF McKAGAN 貝斯手
ROB GARDNER 鼓手
1985/6 由於DUFF在西雅圖有朋友開酒吧,因此邀請GUNS N' ROSES去西
雅圖演唱，但是TRACII GUNS和ROB不同意,於是DUFF就找了
SLASH和STEVEN前來助陣，這就是槍炮與玫瑰的第二代成員
W. AXL ROSE 主唱
IZZY STRADLIN 節奏吉他手
SLASH 主吉他手
DUFF McKAGAN 貝斯手
STEVEN ADLER 鼓手
1985 秋, 槍炮與玫瑰開始在洛杉基的酒吧演唱及錄製DEMO,他們除了演
唱自己的作品如 "DON'T CRY"和"WELCOME TO THE JUNGLE"外還
常常演唱AEROSMITH的"MAMA KIN",貓王的"HEARTBREAK
HOTEL",及ROLLING STONES的"JUMPING JACK FLASH"等名曲
1986/3/5 GUNS N' ROSES和GEFFEN簽約,進行錄製第一張專輯的工作
,但是此時SLASH的毒癮太重,導致專輯錄製的工作延後
1986/8 GUNS N' ROSES找了Alan Niren為經紀人
1986/12 GUNS N' ROSES的"Appetite For Destruction"終於錄製完
成，GEFFEN推出了一萬張只有4首歌的EP"Live?!@Like A
Suicide"
1987/6 GUNS N' ROSES在歐洲巡迴,常常演唱AC/DC的"WHOLE LOTTA
ROSIE"和BOB DYLAN 的"KNOCKIN' ON HEAVEN'S DOOR"
1987/7/31 第一張專輯"Appetite For Destruction"發行,由Mike
Clink擔任製作人
1987/8-9 GUNS N' ROSES替The Cult暖場
1987/12 GUNS N' ROSES替Motley Crue暖場
1988/3-4 GUNS N' ROSES展開全美巡迴演唱,AXL曾離團3天,但隨後又
再加入...
1988/5-6 GUNS N' ROSES替Iron Maiden暖場,但是倆團似乎處的不愉
快..
1988/5 DUFF和女友MANDY結婚
1988/7 "Appetite For Destruction"登上BILLBOARD排行榜第一名
1988/8 GUNS N' ROSES替AEROSMITH暖場,使的AEROSMITH從原來是
GUNS N'ROSES們心目中遙不可及的偶像便成了一起演唱的"朋
友"了!!
1988/8/20 在一場由Helloween開場的"The Monsters of Rock at
Castle Donington" 的搖滾盛會中,GUNS N' ROSES的出場引起樂
迷們的暴亂,因而發生了歌迷不幸死亡的意外事件...
1989/1/26 第二張專輯"GN'R Lies"發行,達到排行榜第二名,此時因
GUNS N' ROSES的第一張專輯"Appetite For Destruction"還在
排行榜的前五名,所以創下BILLBOARD排行榜80年代"兩張專輯唱片
同時在排行榜前五名"的記錄!!
1989/9 GUNS N' ROSES的"Sweet Child O' Mine"拿到MTV最佳重金屬
的MUSIC VIDEO獎
1989/10 替THE ROLLING STONES暖場
1990/4 鍵盤手DIZZY REED加入GUNS N' ROSES
1990/4/28 主唱AXL ROSE與女友ERIN結婚,但不到一年便離婚
1990/7 鼓手STEVEN ADLER因毒癮太重,無法打鼓,因此被"開除"了 取
代他的是"The Cult"鼓手Matt Sorum 1990/9 36首歌的專輯錄製
完成,原本取名為"GN'R SUCKS"和"BUY PRODUCT", 但後來經過幾
次變更後,終於決定命名為"USE YOUR ILLUSION I&II"
1990/10/30 AXL因用酒瓶毆打鄰居而被警方逮捕
1991/1 新團員MATT和DIZZY展開他們加入槍炮與玫瑰後的第一場演出,
在巴西的"ROCK IN RIOLL"音樂祭,共有14萬聽眾!!
1991/5 槍炮與玫瑰展開首次世界巡迴演唱會,由SKID ROW為他們開場
1991/7/2 在美國ST. LOUIS演唱時,AXL因不滿台下有樂迷擅自攝影,
因而跳下台去"解決",並隨後離開舞台拒唱,結果造成台下樂迷暴
動演唱會也因此而中斷!
1991/7 新單曲"YOU COULD BE MINE"收錄在電影魔鬼終結者2中,阿諾
並在 "YOU COULD BE MINE"的MUSIC VIDEO中演出
1991 8-12 槍炮與玫瑰在歐洲巡迴演唱
91/9/16,17 樂迷期待以久的新專輯"USE YOUR ILLUSION I&II"終於推
出,分別到達BILLBOARD排行榜第一,二名,創下了記錄!
1991/11/7 節奏吉他手IZZY STRADLIN離團,由"KILL FOR THRILLS"吉
他手GILBY CLARK取代 *AXL說:當我知道IZZY已離團,我不敢相信
..我的眼淚流了下來.... 我十五年的好友竟然離我而去....
1991/12/5 - 1992/2/1 展開全美巡迴演唱會
1992/2/19-22 東京演唱會(後來被製成錄影帶發行)
1992/4/20 在一場紀念QUEEN以故主唱FREDDIE的"THE FREDDIE
MERCURY TRIBUTE CONCERT" 演唱會裡,AXL和他心目中的英雄
ELTON JOHN合唱了QUEEN的經典歌劇搖滾-- "BOHEMIAN
RHAPSODY"(波西米亞狂想曲)
1992/7/17 GUNS N' ROSES和METALLICA兩大當紅重金屬搖滾樂團一起
展開世界巡迴演唱會!!
1992/10/6 上述演唱會結束
1992/12 東京演唱會實況製成錄影帶發行
1993/4/29 由於GILBY左腳受傷無法三加演唱,AXL又號召前節奏吉他手
IZZY入團但精彩的"團圓"演唱只有五場,GILBY腳傷痊癒後IZZY又
退出了
1993/5 和MOTORHEAD的主唱LEMMY一起登台並演唱LED ZEPPELIN的
"COMMUNICATION BREAKDOWN"和ROLLING STONES的"DEAD
FLOWERS"
1993/6 發行錄影帶"DON'T CRY-MAKING FUCKING VIDEOS PART I"
和"NOVEMBER RAIN-MAKING FUCKIN' VIDEOS PART II"
1993/7/17 "USE YOUR ILLUSION"世界巡迴演唱會結束,這是史上為期
最久的巡迴演唱會,共演出192場,到27個國家,和全球超過7百萬的
聽眾
93/9 AXL以美金250萬和前鼓手STEVEN ADLER達成庭外和解
93/10 DUFF推出個人專輯"BELIEVE IN ME"
1993/11 原本要以EP型式推出而後改為唱片型式推出的龐克專輯"THE
SPAGHETTI INCIDENT?"推出
94夏 GILBY CLARK推出個人專輯"PAWNSHOP GUITARS"
94/12 槍炮與玫瑰為電影"夜訪吸血鬼"翻唱ROLLING STONES的經
典"SYMPATHY FOR THE DEVIL"
95/2 SLASH'S SNAKEPIT推出專輯"IT'S FIVE O'CLOCK SOMEWHERE"
95/2 GILBY CLARK被AXL開除
96/10/30 主吉他手SLASH離團,主要原因為SLASH和AXL對音樂理念上的
不和,SLASH想要保持以往槍炮與玫瑰的硬式藍調搖滾樂風,但
AXL卻想改變成 Industrial(工業式)樂風,在別無選擇下SLASH只
好離團....
97/1 AXL買下"GUNS N' ROSES"所有權利
1998/2/11 AXL因恐嚇機場工作人員而被警方逮捕
1998/3/9 IZZY STRADLIN推出新專輯"177度" 1995-1998 在這幾年來
,槍炮與玫瑰的謠言四處都有,不過,在下一張專輯推出前,誰也不
敢保證會發生甚麼事！！！
Led Zeppelin
Led Zeppelin破除了傳統搖滾樂的所有界限，為重金屬和硬搖滾描繪了定義，是音樂史上最偉大的樂隊之一。
樂隊Yardbirds在1967年解散後，Jimmy Page和貝斯手Chris Dreja 擁有了樂隊的名字，他們還繼承了一些現場演出的合同。1968年Robert Plant加入，而John Paul Jones代替Dreja的位置。Page在經過了一個月的勸說之後，使鼓手John Bonham加入樂隊。
這個四人組合用New Yardbirds的名字完成了演出合同，於1968年10月在30個小時之內錄製了第一張命名專輯。年底，樂隊以Led Zeppelin名字簽約Atlantic Records公司，並開始在美國巡迴演出。
Led Zeppelin於1969年1月亮相，兩個月內風靡一時。專輯直登榜首，Led Zeppelin也如日中天。第二張專輯《Led Zeppelin II》是在一年的巡迴演出當中錄製完成的，在榜首停留7周之久。
在第三張專輯《Led Zeppelin III》中樂隊偏離硬搖滾，致力於英國民歌的神秘方面。但直到1971年11月被稱為《Led Zeppelin IV》的專輯發行時，樂隊才掌握了民歌的靈魂。此專輯在25年中共售出一千六百萬張，包括最成功的單曲《Stairway To Heaven》，《Rock & Roll》和《When The Levee Breaks》。
1973年春樂隊發行專輯《Houses of the Holy》，放棄了傳統的專輯命名方法，Funk和reggae風格的嘗試與以往rock和folk風格並存，在英美都登上榜首。在其後的巡迴演出中Led Zeppelin為1976年專輯《The Song Remains The Same》做好了準備工作。
為更好適應樂隊的錄音需要，Led Zeppelin於1974年組建了自己的公司Swan Song，並錄製了雙專輯《Physical Graffiti, Presence》和《In Through The Out Door》--第8張，也是最後一張專輯。 成功發行專輯《In Through The Out Door》後，Zeppelin進行了最後一次歐洲巡迴演出。1980年9月25日，John Bonham被發行死於醉酒後造成的窒息。同年10月，樂隊解散。
歌手官方站點：http://www.led-zeppelin.com/
加盟唱片公司站點:http://soft1.gz168.com/lelf/band/ http://www.zoso.com/
Oasis
Oasis 是近十年來英國最受歡迎和最受評論家承認的樂隊之一；他們在將英國的guitar-pop 推向頂峰的過程中起了不小的作用。這個來自曼徹斯特的演唱組沿襲了 Stones 和 the Who 的粗糙灰暗的形象，融合了 Beatles 的曲調並帶有明顯的英國抒情色彩的主題。他們將這一切用吉他的吼叫聲串起來。而他們的挑釁式的譏笑可以和 Sex Pistols 的叛逆與 Stone Rose 的傲慢自大媲美。
起初，組合是由 Liam Gallagher , Paul "Bonehead" Arthurs , Paul McGuigan , 和 Tony McCaroll 幾個同學組成的. 他們最初是為 Stone Roses 做吉他伴奏。當 Noel Gallagher 回到曼徹斯特是發現他的兄弟成立了一個樂隊後便提出要加入。但是前提是他能夠完全的控制這個組合，其中包括創作所有的歌曲；樂隊的其他成員同意了他的提議並將樂隊更名為 Oasis 。
在經歷了大量的俱樂部演出之後，樂隊引起了 Creation 唱片的老闆 Alan McGee 的注意並聆聽了他們的樣帶。在與 Creation 唱片簽約後，小組在1994年推出了第一張單曲 " Supersonic "。歌曲 " Shakermaker " 成為了初夏的熱門歌曲。在首張專輯出版前一個月推出的單曲 " Live Forever "成為英格蘭的熱門單曲。 小組的首張唱片 Definitely Maybe 成為英國歷史上賣的最快的處女碟。Oasis 熱持續了整整一個1994年，小組開始在更大的劇場中演出，每一首新歌都是演出的壓軸戲。但是小組內部的關係開始變的緊張。當 「 Supersonic 」 開始在美國打榜時，non-LP, String-laden 的「 Whatever 」登上了英國聖誕節期間的排行榜第二名。
在１９９５年初，小組著眼與美國，推出單曲 " Live Forever "。這首歌成為MTV，album rock 和 modern rock 電台的熱門歌曲並登上排行榜第二名。Definitely Maybe 在美國售得金唱片。回到英格蘭後，小組錄製了新的單曲 " Some Might Say "。在發佈的前夜，鼓手 Tony McCaroll 與樂隊分道揚鑣了，Alan White 頂替了他的位置。" Some Might Say " 在五月一經推出即高居排行榜的榜首。它的成功使小組以前的單曲又重新走紅起來。Oasis 在那個夏天完成了他們的第二張專輯 ( What's the Story ) Morning Glory? 並在１９９５年十月推出。一經推出，這張專輯即急躥至排行榜榜首，並成為既 Michael Jackson的 Bad 之後賣的最快的專輯。
在１９９６年，Oasis 熱成了世界現象。憑藉著單曲 " Wonderwall "，Morning Glory 成為美國十大專輯之一，並最終獲得五白金唱片；它也登上了歐洲和亞洲的 Top Ten .在１９９６年，Gallaghers 的關係不和成為八卦新聞的熱門。在Oasis 取消了美國之行後，他們集中精力錄製第三張專輯。Be Here Now 在１９９７年秋推出，單曲 " D'You Know What I Mean " 大獲全勝。
加盟唱片公司站點: Oasis at Epic Records
官方站點: The Official Oasis Homepage
「平克.弗洛伊德」 (Pink Floyd)
「平克.弗洛伊德」演唱組從誕生起，就是一支有爭議的搖滾樂隊，愛之者稱其代表了搖滾音樂的新潮流，恨之者抱怨說他們的音樂枯燥乏味。但是不管喜歡與否，他們的那 種搖滾，新型爵士，鄉村音樂，布魯斯以及電子音樂的混合風格，使人無法無動於衷。
這個樂隊的成員都是英國人。作曲者和主歌手羅傑.沃特斯（Roger Waters)，生於劍橋，60年代初赴倫敦學習建築,同時仍然對音樂和電子技術懷有強烈的興趣。在學校裡這種愛好廣泛的情況並不少見，志同道合者經常相聚；加上他們的朋友，一個活躍的離經叛道者西德.巴瑞特（Syd Barrett)的努 力，「平克.弗洛伊德」於1964年誕生了。當時倫敦的搖滾樂正是風起雲湧之際,「平克.弗洛伊德」以其較重的旋律，富有「英國氣息」的風格迅速擁有了一批樂迷。這使樂隊能夠在推出慢轉唱片的同時，進行他們所熱衷的音樂實驗，改革了傳統的舞台演出的音樂會的形式，起用360度立體聲系統，讓聽眾圍繞樂隊，這在當時是新鮮之舉。他們向美國樂迷展示了這一新奇的形式，獲得了良好的反應。
1973年，「平克.弗洛伊德」的一首《月亮的北面》（Dark Side Of The Moon)開始在《公告牌》中上榜，並歷久不衰700多個星期，直到1988年（1987年獲得金唱片獎）。從70年代到如今，樂隊的受歡迎程度一直不錯，評論家們承認這是一支有創意的組合。但有些方面卻不盡人如意:1968年，巴瑞特因為藥物癮離開了樂隊,吉默(Gilmour)接替了他,新的合作很成功，但到了80年代，樂隊中不斷有人進退交替，或許連誰有權使用「平克.弗洛伊德」這一名字，美國人現在也已經躊躇不定了。 1979年，「平克.弗洛伊德」的新專輯《牆》（The Wall)推出，其單曲《牆上的另一塊磚》（Another Brick on The Wall)在美國單曲排行榜上連續奪得4周的冠軍。1985年，羅傑.沃特斯由於和吉默意見不合離開了樂隊，但「平克.弗洛伊德」並沒有就此結束，1987年出版了專輯《瞬間的失誤》（ A Momentany Lapse of Reason),並開始了為期兩周的世界巡迴演出。
1990年7月，羅傑.沃特斯在德國柏林牆舊址，波茨坦舉行的名為「牆」的世紀演唱會獲得了巨大 的成功，許多著名的搖滾歌星前來助陣，使演唱會盛況空前。
附：平克.弗洛伊德歷史 :
六十年代英國產生了不少經得起歷史考驗的樂隊，我們已作過回憶的有The Beatles、The Rolling Stones、The Who、Yes樂隊，而能與 The Beatles和The Rolling Stones樂隊抗衡，並稱三大樂隊的就屬今天要介紹的Pink Floyd樂隊了。Pink Floyd與Yes 樂隊都屬於藝術搖滾，二者都對「太空搖滾(space rock)」做出了探索。但這不等於說它們是兩支雷同或部分雷同的樂隊，Pink Floyd在許多方面表現出的特色為它投下了耀目的不朽的光環。Pink Floyd樂隊的幾位樂手：吉他手Syd Barrett(席德·波瑞特)、貝司手 Roger Waters(羅格·沃特斯)、鼓手Nick Mason(尼克·曼森)、鍵盤手Rick Wright (瑞克·瑞特)聚首在該樂隊名下開始演出時，適逢1965年，天才青年、21歲的Syd Barrett掌握著這個年輕樂隊的大部分職權(其餘成員均不超於20歲)，他能文能武，寫歌、彈唱樣樣拿手。Pink Floyd這個隊名是他將兩位古老的布魯斯藝人的名字Pink Anderson和Floyd Council結合起來組成的。起初，他們演奏那種司空見慣的節奏布魯斯，在多如牛毛的樂隊中間還顯得相當平庸。 不過這種狀況第二年即得到初步改觀，Pink Floyd挖空心思在吉他和效果器上大作文章。尖叫的吉他經過效果器混響延時處理再經過放大器放大雖然還處在實驗階段，但已為樂隊招來一小批歌迷。更為可喜的是Syd Barrett寫出了一系列讓人易於接受的迷幻樂段，配上迷幻的吉他和神聖的風琴(有靈魂入天堂的作用)實踐起來效果不俗。Syd Barrett詞作筆鋒犀利、曲式閑雅，其作品流露出詩人的敏感和孩子般的好奇心。
1967年Pink Floyd簽約EMI公司，一路暢行，首張單曲和首張專輯輕鬆上榜。首張專輯《The Piper at the Gates Of Dawn》(黎明之門前的風笛手)可與The Beatles的《Sgt．Pepper'S》(帕波軍士)一爭高下。要評出英國迷幻專輯之最佳，《The Piper at the Gates of Dawn》當仁不讓，一定要與《Sgt．Pepper』s》比肩同行。這張專輯既是首張也是Pink Floyd 最後一張類似的專輯。 1967年後半年，Syd Barrett的天才頭腦終於碰到了最大的敵人。他患上了進行性的精神緊張症，一上台他的症狀就發作，這位吉他手剛一開始是跟不上趟兒，再後來簡直就不知道該演奏些什麼。一場美國之行也因吉他手的職能癱瘓而草草結束。 1968年樂隊收吉他手Dave Gilmour為第五位成員，讓他在演出中擔任Barrett 的角色，Barrett仍堅持寫作和參加錄音，這樣維持了幾個月後、他徹底離隊了。Barrett，樂隊的吉他手、歌手、詞曲作者和領袖的離去將Pink Floyd的藝術生涯分成了明顯的兩個階段。Barrett帶走了輕鬆閑雅、友好幽默的視角，樂隊再也沒有創作出一個類似〈The Piper at the Gates of Dawn〉的專輯。處住這樣一種不可逾越的窘界，百分之百的樂隊都束手無策，制定遊戲規則的人走了，遊戲還能持續下力嗎？彷彿只有奇跡才能拯救Pink Floyd。
種種難以至信的事實適時適地地巧合在一起，也許這就是我們所說的奇跡。Royer Waters——貝司手兼主唱，Pink Floyd具有雄才偉略的新舵手以及新上任不久的吉他手Dave Gilmour構成了Pink Floyd再生之後的創作陣線。Roger Waters寫出的作品不辱Syd Barrett先前奠定下的水準，很快將Syd Barrett驅出英國人的記憶，佔據了歌迷心中第—偶像的位置。其時樂隊在美國尚不知名、這倒使Pink Floyd因禍得福，美國聽眾對Syd Barrett不存在先入為主的印象。
往後的若干年裡Pink Floyd潛心打磨著他們實驗搖滾的招牌。實驗搖滾為迷幻風格與音樂歌劇聯姻的產物，那玄妙的布魯斯帶著討巧的流行風味在吉他與風琴的掩映下變得非常容易為人接受，再加上 Pink Floyd領領什返於歐洲勺北艾各地參與地下演出活動，這些因素使Pink Floyd的聽眾群無形中擴大了不少。這一點Pink Floyd樂隊在1973年發行專輯《Dark Side of the Moon》時並沒有完整的認識。 《Dark Side of the Moon》（月亮的暗面）初次從Roger Waters手中脫搞時，包括作曲家在內的樂隊成員即使作最大膽的猜想也無法想像出它未來的份量，起初它只不過是Waters寫出的一組諷喻現代生活陰暗之處的歌曲。當它經過仔細的配器和效果處理之後，逐建射出難以至信的影響力。迷幻的不落風塵的吉他講述著最真的事實，從容不迫的旋律正帶你滑向最深的恐懼。《Dark Side of the Moon》塑造了Pink Floyd超級巨星的形像。它在公告牌排行榜冠軍的位置上不可思議的停留了741周。從誕生那天起到現在它一直都是全世界範圍內流行最廣的搖滾專輯之一。
超越《Dark Side of the Moon》的成功是極端的事，Pink Floyd卻及時跟進，於1975年發行了專輯《Wish You Were Here》(希望你在這兒)，再度奪下專輯榜冠軍，其中「Shine On You Crazy Diamond」(映著你——瘋狂的鑽石閃光)專為獻給離隊已久、已遭淡忘的樂隊締造者前吉他手Syd Barrett。如果說《Dark Side of the Moon》在表達現實的可怕、不安全和令人絕望時還帶有某些掩飾，那麼《Wish You Were Here》和1977年專輯《Animals》(動物)則將這陰鬱的主題毫無保留地合盤托出。Roger Waters的思想和音樂正在逐步控制Pink Floyd樂隊，這一作用由於1979年專輯《The Wall》(牆)而進一步加強了。 《The Wall》，一套兩張的概念唱片，意境籠罩在一片愁雲慘霧之中。牆用來諷喻現存生活環境中的種種困難——物質上的和精神上的，就如建築在我們周圍的高牆一樣使人隔絕，使人像囚徒一樣痛苦。《The Wall》取得的成功不是一般意義上的，即便有《Dark Side of the Moon》在前，仍可以這麼說，部分原因在於這次他們除去了電子樂的成分。《The Wall》的主題曲「Another Brick in the Wall」（牆上的另一塊磚）作為單曲單獨發行。該曲由Roger Waters寫成，分為三部分，帶有自傳體三部曲的形式。第一部寫 童年慘缺不全的親情留下的永久的創痛，第二部控訴不良的教育制度對少年心靈的摧殘，第三部描述虛妄的愛情無休止的捉弄著青年絕望的心。Rick Wright感人至深的鍵盤，Nick Mason從容不迫的鼓韻，David Gilmour如泣如訴的吉他深深驗證了他們對Roger Waters作品的理解程度，他們的表現也為他們自身贏得了閃光的榮譽。
Pink Floyd早期就很重視視聽效果，他們在這方面的不少創舉到了九十年代仍不能被超越。《The Wall》就能證明這一點，兩首歌之間立體聲效果極強的直升機螺旋漿似的轟鳴、近距離的槍聲、女性的和聲以及歌曲起始處情緒化的獨白等等，這些均被當作模式延用至今。在《The Wall》發行前後的巡演中，Pink Floyd在每場的舞台上都搭建一堵高牆，這種聲情並茂的表演形式也走在了歷史的前頭。八十年代早期Roger Waters對Pink Floyd的控制終於引起其他成員的反感，從而成為樂隊解散的主要因素。樂隊的部分成員於八、九十年代仍不時推出一些專輯，均獲得了滿意的商業成就，不少歌迷指責Pink Floyd的成員滿足於商業目的而未繼續他們六七十年代的那種藝術創造。畢竟是歲月不饒人啊！
"警察"樂隊 (Police)
從70年代到80年代，在日益喧囂的歐美流行樂壇上，「警察」樂隊以其講究旋律的慢搖滾風格，異軍突起,受到依然緬懷「甲殼蟲」光景樂迷們的擁戴。
「警察」樂隊被看作是一支英國樂隊,主要是因為樂隊的台柱斯汀(Sting)是一個英國人。斯汀原名叫戈登.塞納，1952年出生於英格蘭一個工人家庭，上大學和朋友組織了一個爵士樂組合，常在公共酒館演出。事有湊巧，另兩個年輕的流行樂手科浦蘭（Copeland)和帕多瓦尼（Padovani)不滿於自己的樂隊組合，正在到處尋找著合作者，他們一眼就看出，酒巴中聽眾的熱情是衝著斯汀來的。儘管斯汀一開始對他們的建議不甚熱心，因為他一心要在爵士樂方面出人頭地，但是最終還是被說動，一個藝人樂隊誕生了。為了給科浦蘭在美國任高官的父親開個玩笑，取了「警察」這個名字。1976年他們靠借貸出了第一張唱片，居然累計賣了一萬多張。帕多瓦尼改換門庭後，樂隊請來了老資格的吉它手安迪.薩默斯。 這其間，樂隊內部關係融洽，氣氛和諧，斯汀的創作決定了樂隊的基調。在西德的演出中，斯汀推出了他的敘事民謠「Roxanne」，這明顯與朋克搖滾不同，更軟，更柔和，旋律更動聽,廣受歡迎。科浦蘭當時正熱衷於牙買加音樂,於是便將兩者加以揉合出版了新唱片,其收益使他們有能力進行一次美國巡迴演出。這次演出不太成功，評論界反應不強烈。1978年，他們又將「Roxanne」收入唱片出版,這一次評論界開始注意這支樂隊的與眾不同之處了。儘管BBC還禁播他們的歌曲,但這首歌還是在英美同時上榜。接下來的幾年幾乎是警察」樂隊的巔峰期,1981年獲得葛萊美獎。
1982年樂隊消失了一年,成員們忙於處理個人事務,但是1983年復出時,依然一舉上榜,尤其是《你的一顰一笑》（Every Breathe You Take)暢銷不衰，是多年少見的盛況，再度獲得葛萊美獎，證明了他們的雄厚實力和忠實,廣泛的聽眾群。1986年，「警察」為大赦國際義演三場，按照斯汀的說法，他們用這種有意義的形式，向大家告別了！
Public Enemy
Public Enemy重書了hip-hop的規則,成為80年代末最有影響力和最富爭議的說唱組合.他們領導了hardcore rap在音樂上和政治上革命性的變革.
說唱手Chuck D用他那有力的男低音唱出所有的社會問題, 特別時那些折磨著黑人社會的問題. 在這個過程中，他將hip-hop引向自我覺醒，贊成黑人意識。這已成為延續至下一個世紀的標誌。
Flav那超大的太陽鏡，掛在脖子上的表已經使他成為組合的視覺焦點。雖然他們80年代末和90年代初的專輯中有大量的rap和rock critics，但是Public Enemy經常因他們的好戰的姿態和歌詞引起爭論。特別是他們在1988年推出了專輯It Takes A Nation of Millions to Hold Us Back後，變的更加出名。當90年代初所有的爭論都塵埃落定後，小組解散了。無庸質疑的是，Public Enemy是當時最有影響力和最激進的樂隊。Chuck D在1982年創立了Public Enemy. 當時他還在長島的Adelphi大學學習。在那裡，他遇到了Hank Shocklee和Bill Stepheny. 對hip-hop和政治的熱愛使他們成為了好朋友。
Public Enemy的首張專輯Yo!Bum Rush the Show在1987年出版。這張專輯得到了hip-hop樂評人的承認，但是並未引起rock和R&B主流的主意。但他們的第二張專輯It Takes A Nation of Millions to Hold Us Back是不容忽視的。
A Nation of Millions被rap 和rock樂評人歡呼為革命性的專輯。它使得hip-hop一下子成為了社會變革的力量。隨著Public Enemy的走紅，他們成為了爭論的中心。
由於Griff過於偏激的言論，Chuck D不得不解雇了他。Public Enemy在1989年著手準備第三張專輯，並在1990年推出了首張單曲"Welcome to the Terrordome"。這首熱門歌曲再一次引起了爭論。無視爭議，1990年春他們又推出了專輯Fear of A Black Planet。其中單曲「911 Is A Joke"打入Top-10, "Brothers Gonna Work It Out"和 "Can't Do Nuttin' For Ya Man"打入Top 40 R&B. 在隨後的專輯 Apocalypse 91中，首次出現了想要吸引白人聽眾的跡象。在1992年，他們推出了重新混音的精選集Greatest Misses。Public Enemy在1993年開始走向解體。
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R.E.M.成立於1980年，他們是在美國的Georgia州的Athens城組建的，當時Bill、Mike和Michael都是Georgia州立大學的學生，而Peter則在當地一家名叫Wuxtry唱片店裡工作。當Peter在這家唱片店工作時，認識了經常來買唱片的Michael，他在同他的兩個姐姐（Lynda和Cindy）.
一起時，還顯得很文靜，但在他尋找一些難得見到的vinyl B-sides 唱片時，共同的音樂愛好使他們相識交談並成為了好友，後來他們就搬到Oconee大街上的一個廢棄的教堂裡住在一起，而在此同時，Mike和Bill也收拾好樂器進入Attens的UGA.大學，但可笑的是，他們最初未相識前似乎是兩個截然不同的學生：Bill是一個典型的「壞」孩子──酒鬼兼煙鬼，而Mike是一個誠實的好學生，在一次即興的放學後的舞會演出裡，Mike成了伴奏樂隊裡的Bass手，而Bill幾乎聽到Mike的Bass聲後離開，但最終還是留下來共同演奏，隨後他們二人配合出現在一些小型的現場演出裡，一直到他們在1979年1月去Athens之前。
他們四人初次相識是在Bill女朋友的推薦下，他和Mike來到Athens的Oconee大街的老教堂裡與Michael和Peter見面。在初次見面裡，Michael對Bill的「眉毛」留下了好印象，而對於Mike，Peter和Michael則沒有多少印象，不久他們四人走到了一起，並在這個老教堂裡排練和創作了一些歌曲，但他們一直沒為自己的樂隊起一個名字，直到一次夜裡四人喝酒後，才開始用粉筆在教堂的地板上胡亂寫下幾個隊名，早晨起來時，他們把名字減少到兩個：Negro Eyes和R．E．M．……
當他們居住在教堂裡並沒有自己的正式樂隊名稱，在1980年4月5日夜裡，他們在教堂裡舉行了一個party，三支樂隊出現在節目單上：Turtle Bay，隨後解散了；The Side Effects，這支樂隊不久以後就走紅了；R.E.M.，當時的樂隊名為「Twisted Kites」。
在此後幾個月裡，R.E.M.參於了許多的地下演出，I.R.S.唱片公司的經理Jay Boberg也來到New Orleans觀看R.E.M.的演出，他對這支樂隊留下了好的印象，儘管周圍觀看的人群無動於衷，儘管這支樂隊在技術上還有不少問題，但他依然在1982年的六月31日正式與R.E.M.簽約，並發行了一張已錄製好的EP──Chronic Town，這就是R.E.M.音樂之路的第一步。
在發行了Chronic Town後，R.E.M.便開始在南部為他們的唱片做宣傳，他們從每週的週四到週日，不停巡迴演出，直到他們的歌聲從校園裡飄向了出租車上，接著，他們中斷了自己的大學生涯，繼續巡演，從批薩餅店到三流俱樂部到小型的歌迷會館，奔波不息。直到了1982年的12月，他們中斷巡演三個星期，待在錄音室裡灌制他們的一張有了很大突破的專輯──Murmur，Murmur在1983年4月正式發行了，Rolling Stone雜誌給了這張專輯評價是「無庸置疑的最佳」、「R.E.M.已是Athens最具影響的樂隊」，R.E.M.的歌迷在這過去的一年裡不斷增長著，而且一半以上成了他們的狂熱愛好者，但他們的歌影響還沒達到商業電台播放的歡迎程度。
R.E.M.隨後又開始持續不斷的巡演，並一直到他們的專輯──Reckoning開始灌錄才停止巡演，這張專輯於1984年的4月發行，他們的歌繼續向前走，比起Murmur裡的無方向性顯得更容易理解、更直觀，但是也有一些不同的意見：「It Crawled From The South」的作者Marcus
Gray就批評了Michael在這張專輯裡刻意含混、躲藏的嗓音。
這支樂隊的黑暗時期出現在1985年，在發行了他們的第三張專輯──Fables of The Reconstruction後不久，他們似乎在長時間的巡演後帶來的身心疲憊和繁重的壓力下崩潰了，儘管不是特別嚴重，但是很明顯，正如Michael說的「我們累了」，儘管只是勞累，但似乎看上去Fables是他們的最後一張專輯，但最終，他們彼此共同克服了困難並體現在這張專輯裡，雖然這張專輯讓他們當時的歌迷感到高興，並最大限度地回顧了樂隊本身，但是直到今天，Bill仍然說他討厭這張專輯而Michael卻把它視為自己最喜歡的專輯之一。不管如何，R.E.M.繼續開始他們的巡演，他們的第一首真實、明亮的歌曲出現在了他們1986年專輯──Life』s Rich Pageant裡。
「Life Rich Pageant」同樣是一張精彩的專輯，而對比R.E.M.以往的專輯而言，它的歌曲以往的灰色調變成了一個個明快的火花，「Fall On Me」似乎是他們發表的作品裡最充滿希望的歌，樂評們猜測這也許是為了得到以往他們所不屑的電台的認可而創作的，但是這首歌並未被電台選播，R.E.M.並未因此而大喜大悲，Michael說「我們可以很好地創作出一些讓電台熱烈歡迎的歌曲，但是電台並沒打算接納我們」，但是不管如何，提供了一個R.E.M.在Chronic Town時代後自我發展的一個方向：Michael的聲音從背景樂聲後浮現出來並清晰地飄揚在歌聲中（略帶一些他的傳統的含糊嗓音）。但歌詞仍然是Michael典型的創作手法，其餘的三位成員可能是做到了他們的最好發揮，特別是Peter，他的吉他聲不在是他們以前的專輯裡出現的刺耳的風格，而新的吉他風格我們可以在他們的下一張專輯「Document」完整體會到。
同時，這支樂隊也開始更多地關注政治，無論是他們的歌詞還是他們的行為上。而這也體現在這張「……Pageant」專輯中，並延續到其後的數張專輯裡。如「Swan Swan H」就是描述南北戰爭的歌曲，「Cuyahoga」則是講述美國的建國之史，包括了早期美國的印地安人悲慘遭遇，「Fall On Me」是講述有關酸雨的環境保護問題，R.E.M.在這張專輯帶來的吵鬧聲中繼續巡演，並不時抽出時間創作他們的下一張專輯──他們艱難獲得成功一張專輯：Document。
性手槍(Sex Pistols)
朋克是什麼?僅僅是很容易被眼下一些無能之輩利用來大耍二五零的裝飾品?朋克之父們在七十年代建立the Sex Pistols時本意並不是要給它的衍生代們提供漂亮借口的。他們付出的是毀滅的代價，造就的是完 善和純粹的東西。
1972年，尚未成年的Steve Jones(史蒂夫·瓊斯，吉他手)和Paul Cook(保羅·庫克，鼓手)決定組成一 個樂隊時，絕對沒有意識到他們將要承擔策動搖滾樂史上另一場革命的使命,儘管倫敦青年的視野早已因為 the Beatles和the Rolling Stones的成功而拓寬到世界範圍，但成功的殿堂卻沒有現成的階梯吉他手Stev e Jones和鼓手Paul Cook加上他們的一個同班同學便是the SexPistols樂隊的前身Strand(河濱)樂隊,而後 又有2個小伙子入伙兒，原因大不了是Strand樂隊裝備齊全。樂器由Steven Jones提供，實際上，它們全是 Jones偷來的.Steve Jones給一家商店做週末終點工。這裡必須提到一個人，該商店的擁有者---Malcom Mc Laren(馬爾科姆·麥克萊仁)一位滿腦子反社會、反傳統思想的商人。McLaren開的商店十分賺錢,但他的野心並不在商業上，他一直試圖成為音樂製作人和樂隊經紀人。他和他的店員Steve Jones因此也不是一般的 老闆與僱員關係。Jones纏著McLaren為Strand尋找一塊排練場地時，McLaren爽快地照辦了。在這樣一位老 板的誘導下，另一位店員Glen Matlock(格萊思·邁特羅克)也加入了搖滾行列，作了Strand樂隊的貝司手。 目前首要問題是為Strand找一名歌手。McLaren早留意上來他商店的一位常客，並得知這位染綠發的少年叫 John Lydon(約翰·裡頓)。Lydon用點唱機隨著Alice Cooper演唱為樂隊試音，很令人滿意,幾次綵排之後，McLaren已看出他正是樂隊需要的.樂隊人員已經就位，Malcom McLaren開始按他的思想和生活方式塑造它, 主唱John Lydon牙齒不甚美觀常被隊友中的吉他手Steve Jones戲稱為「爛牙」,McLaren遂為其取名為John ny Rotten(約翰尼.羅頓)Rotten意義為腐朽、爛掉的，McLaren以此來顯示社會本身的病態和既成觀念的腐 朽。他的總店名日「Sex」,店裡出售的時裝上曾有過一淫蕩的標語「Sex Pistols」(性手槍)此刻被籍來做 隊名。 Strand與the Sex Pistols相比的確未免太不夠刺激。單純翻唱一直是小樂隊們的生存手段，但顯然已不再符合雄心勃勃的the Sex Pistols的計劃。
1975年，他們在倫敦聖馬丁學院首次上演自己的作品，剛演了一小會兒,便被一位刻薄的傢伙拔去了電源。這點小意思對一個準備以臉皮公開向社會挑戰的樂隊來說算不了什麼。還是有不少地方願意他們去演出,那次難堪的首場演出也確實沒有阻止他們擁有自己逐漸擴大的樂迷群。Malcom McLaren眼力不差秋毫,他找到的正是幾位反叛專家，倒不是為了回報McLaren投入的財力、物力、精力，the Sex Pistols的幾位成員無需雕琢,本 身就是「熱刺猥」型的人物。人類所處的社會永遠都不是一個令大家都完全滿意的社會,每個人心理處於不平衡狀態時都需要報怨、發牢騷。The Sex Pistols對社會的弊病無孔不入，並且，我敢說從始至終，還沒 有人能超越the Sex Pistols攻擊這些弊病的那種令人驚訝的技巧。他們咒罵墮胎，咒罵八小時工作制，咒 罵人類的互相欺騙，咒罵各種礙手礙腳的條條框框，咒罵憑空而來的壞情緒,甚至不放過對英國人來說最清 白的兩個人——女王和自己。要表達諸如此類的激烈情緒，從埃爾維斯.普萊斯利和披頭士那兒是不會受太 多啟發的。形式為內容服務，他們形成了一種極為嘈雜粗陋的音樂,在此背景上歌者放開嗓門,與其說在唱，不如說是一頓叫罵。你也許懷疑它藝術上的魅力,但你絲毫不懷疑它很適合那種人皆有之的糟糕態度。它貌 似粗鄙,卻能助你達到宣洩自己的目的。他們是風暴中的英雄？回答「是」還需要一些勇氣。這種憤世妒俗 為主導的表演必然煽起人群的惡劣情緒,因此演出與暴力事件牽扯不斷.在the 100俱樂部中的一場演出中一位女孩在瘋狂的玻璃大會戰中雙目失明.演出經常中途被警察驅散.法國的Mont De Marson Punk音樂節懾於 他們的壞名聲將其拒之門外。
1976年，The Sex Pistols參加了在倫敦牛津城 the lOO俱樂部舉行Punk音樂節。the Sex Pistols的演 出全面推動了Punk運動的興起,正因為這次演出the 100俱樂部至今被認為是Punk的誕生之地。EMI唱片公司 先聲奪入,匆匆將the Sex Pistols拉到旗下,The Sex Pistols旋即推出首張單曲「Anarchy in The UK」( 英國的無政府主義)這副要造反的架勢與慣例中藝人們放蕩的小動作不盡相同，正因為在政府官員座椅下點 上一把火而得意的the Sex Pistols隨後接受了一次電視採訪,電視記者誘導他們「來點兒粗的」,吉他手St eve Jones在電視上表演了用文雅些的話描述起來是「足令當今電視機前的觀眾暈倒」的污言穢語，第二天 報紙的頭版刊出了the Sex Pistols的醜態,並極力敦促EMI公司廢止與他們的合同。公眾的怒火是能將頑石 燒成灰燼的,那些預備承接the Sex Pistols巡迴演出的單位像遇見瘟疫一樣唯恐避之而不及.一系列災變不 但使巡演計劃流產,還導致了貝司手Glen Matlock離隊,他的繼任者Sid Vicioue(席德·威捨斯)曾是the Se x Pistols最瘋狂的追隨者,雖然此前他是個鼓手,但他作為the Sex Pistols的貝斯手，後來卻成了最具Pun k特徵的代表性人物。同年,the Sex Pistols與A＆M唱片公司簽約，準備發行單曲「God Save The Queen」(上帝拯救女王)， 這首作品首次向王座開火,並把女王忠實的臣民描述成了白癡，唱片內樂隊的照片背景拍攝地取了白金漢宮 的外牆,它的威力不啻於閃電掣入了不列顛歷來以久的民族主義的心臟。這回他們痛快地給了保皇派一記耳 光,自己也被A＆M公司甩了。幾個月後,這支認為女王不需要拯救的樂隊更換了第三家唱片公司——Virgin， 在Virgin公司旗下「God Save the Queen"終於發行,設計師還在套封裡給女王的鼻子加了支安全別針(刺蝟 頭，破舊衣著和安全別針是他們的標誌)，難怪這張唱片四處遭禁。The Sex Pistols死不悔改,選在女王繼 位紀念日在泰晤士的游輪上狂嚎「God Save the Queen」直到警察把他們抓起來才算完。 稍後的單曲「Pretty Vacant」(美妙的茫然),「Holidays In the Sun」(陽光假日)同專輯《NeverMind the Bullocks——Heve's The Sex Pistols》(別在乎胡言,我是性手槍)儘管廣遭銷售商們的抵制和榜評員 們的大做手腳的干擾仍成為榜上先鋒。這已不是樂隊與保守人士之間的事,它已演進成一部分人同另外一部分人在思維和行為方式上的爭執,the Sex Pistols到此發展到了極至!
1978年的美國之行注定了樂隊沒落的開始。在舊金山演出時，主唱Johnny Rotten咆哮「自己被騙了」,第二天他宣佈離隊,樂隊的經紀人兼締造 者Malcom McLaren至少有三件事做得不妥。1.他解雇了Johnny Rotten，2.他犧牲了樂隊過量的金錢和精力拍攝樂隊的自傳體記錄片「The Great Rock N』Roll Swinple」(偉大的搖該騙術),3.他在這部傳記中忽視了前貝司手Glen Matlock,任意貶低離任主唱Johnny Rotten;他犯的錯誤還有一件是把火車搶劫犯Ronnie B iggs弄來當主唱.這些都不足以稱作毀滅性事件,接下來發生的才是。1978年已成為樂隊核心的貝司手Sid V icious的女友Nancy SpunGen被發現死於Vicious的寓所,Vicious受到謀殺指控,在開庭前的保釋期間他攝入致死量毒品身亡。
Malcom McLaren後來的失策和Sid Vicious之死表象不能概括為the Sex Pistols沒落的原因,究其根源 恐伯仍要歸結到the Sex Pistols的主導思想上,即——與世界徹底的決裂和完全的自我毀滅!這段並不聖潔的傳奇並沒有結束，在它之後的二十多年裡湧現出了數百支類似他們的樂隊,許多非朋克樂隊也紛紛探討和翻唱他們的作品。對於其中夾雜的不少偽朋克樂隊，朋克之父的忠告和語氣十分嚴峻：不要試圖模仿,那樣 形同更改一封適時適地有著適宜主人的舊信件的時間、地址、主人一樣拙劣。
「甲殼蟲」樂隊 (The Beatles)
甲殼蟲」樂隊（或譯為「批頭士」）是世界音樂史上的一個奇跡，從來沒有一個樂隊贏得過如此熱烈持久大來自世界各地的的熱潮，從來沒有一個樂隊在搖滾樂乃至西方社會打下如此深刻的烙印，以至創造了一個時代。
這個樂隊，是來自英國利物浦的四個小伙子發起組成的，他們是：約翰.列儂(J ohn Lennon,1940-1980),保羅麥卡特尼(PaulMcCartney,1942-...),喬治.哈里森(G eorge Harrison,1943-...)和林戈.斯塔爾(Ringo Starr,原名Richard Starkey,1940 -...)。1956年，16歲的列儂結識了14歲的麥卡特尼，當時他們都在練習吉它技藝，以便倣傚那些「節奏-布魯斯」明星，實現自己的夢想。他們又找來了麥卡特尼的同校生 --哈里森。斯塔爾要晚一些加入。 初期，樂隊的名字不斷更換，這也是當時青年樂隊組合的常事.
1960年，他們在德國漢堡的演出開始引起人們的注意，取得了一定的成功，名字也改回了曾經一度用 的Beatles.他們回到英國後，利物浦的一個唱片商的兒子布萊恩.愛潑斯坦(Brian Ep stein)認定他們前途無量,自願成為了他們的經紀人。在以後的歲月裡，愛潑斯坦積極 的策劃，推動了「甲殼蟲」的事業，起了重大的作用，被稱為「甲殼蟲」樂隊的第五 個成員。1962年，「甲殼蟲」的第一張單曲唱片《請愛我》（Love me do)發行後引起了巨大的反響，成為上榜歌曲；緊接著《請使我高興》（Please,please me)成了他們的第一首冠軍歌曲。1963年，他們在英倫三島都受到了狂熱的歡迎，《我想握住你的手》 （I want to hold your hand)等歌曲常年上榜。
1964年的成功更令人陶醉，「甲殼蟲 」不但在歐洲而且在新大陸也獲得了英雄般的歡迎，他們甚至在著名的卡內基音樂廳登台演出。這時候，世界性的甲殼蟲熱潮已經形成。列儂意味深長的歌詞創作和他與 麥卡特尼的成功合作，是「甲殼蟲」非凡成功的關鍵。他們的語言，裝束，生活習慣，到處都被狂熱的追隨和摹仿。他們的歌曲題材廣泛，從愛情到反戰，擴展了搖滾樂的表現力，反映了60年代青年的心聲。1966年後，他們的公開演出減少了，但創作依然活躍，《平裝書作家》（Paper back writer)和《黃色潛水艇》（Yellow submarine) 等都創作於這段時間，《你所需要的就是愛》（All you need is love)等歌曲也一直上榜。但同時樂隊中各人也已熱衷於各自發展，出了一些唱片也很成功。他們終於在 1967年正式宣佈解散了。
「甲殼蟲」雖然已不存在了，但歌聲卻常留於世。樂隊的歌手也都有各自成功的獨唱生涯。1980年，當列儂在一次不幸的崇拜者槍擊事件中去世時，全世界的搖滾樂愛好者又都沉浸在對「甲殼蟲」的往昔的懷念之中，這證實了他們的音樂有多大的魅力！
The Clash是歷史上第一支在歌中加入Rap的英國樂隊，也是第一支進入牙買加音樂名人堂的白人樂隊。當他們於1981年在紐約時代廣場演出時，引發了全城混亂。他們的第三張專輯《London Calling》(倫敦呼聲)被評為80年代美國最佳專輯；而他們的第四張專輯是三唱片，但由於樂隊堅持以單唱片的價格出售，致使The Clash陷入了破產危機。 有一種說法認為，「不看The Clash，不算知道搖滾樂」。的確，The Clash在舞台上全情投入，一下台就倒在化妝間的地板上，連一句話都說不動了。 Mick Jones生於1955年，來自英國工人家庭。其父母早年離異，而Jones從小就迷上搖滾樂，他解釋道，也許是為了逃避生活陰影的緣故吧。他對Mott The Hoople、The Stones、The Faces等樂隊很著迷，但他真正的偶像是一支美國前衛搖滾樂隊The New York Dolls，Mick認為Dolls無所顧忌的音樂態度深深感染了他。
到了1974年，他在一支名為The Delinquent(過失者)的樂隊中彈吉他。後成為Generation X樂隊成員的Tony James回憶The Delinquent時說，「他們清一色長發過肩，奇裝異服。在倫敦各個表演場所出沒。我和Mick很快結識，我們發現了彼此的共同點，即都崇拜The New York Dolls，我懷疑他是我在英國唯一的知音。」 隨後加入The Clash的是Bernie Rhodes，在一家酒吧中，他與Mick相識了。Mick回憶道：「我樂於和看上去有意思的人相識。當時Bernie戴著一頂帽子，我便走上前去說，你是鋼琴家嗎?他說，不是，但你穿的T恤我也有一件。我們就這樣認識了。」 Tony James當時和Mick合組了London SS樂隊，當他們問Bernie是否有意加入時，Bernie爽快地同意了，並想成為樂隊的經理人。他的經營思想很有趣，正如他自己所說的那樣：「你們需要我，因為你們一無所有，你們沒有自己的創意，如果你們想成為The New York Dolls第二，那是在浪費我的時間，我們必須走自己的路。」 到了1978年春天，The London SS解散了。Mick、Paul Simonon和吉他手Keith Levene另組了新樂隊。Paul是個有天賦的畫家，和Mick一樣，他也畢業於倫敦的藝術院校。然而在畢業後他想當一個嚴肅藝術家的理想卻漸漸淡去了。
Paul回憶道：「我當時思維混沌，只是想著不應該呆坐在畫室裡過完我的一生，我想要更刺激的生活。」Paul亦是自小父母離異，缺少關愛。Paul說：「我小時候去什麼地方都沒有人管，在鐵軌上玩也好，小偷小摸也好。」後來，他在倫敦一些風氣欠佳的學校中出沒，又參加了光頭黨，但也初步接觸了各類先鋒音樂。 Paul第一次應徵時，Mick花了一小時教他吉他E調和弦，但仍未奏效。於是Mick決定讓他試試貝司。直到CBS公司簽下樂隊前，Paul的技術才練到了家。Mick回憶說：「Paul後來的貝司技術令人叫絕，但開始時的確很糟糕。」 即將誕生的The Clash現在還缺一個主唱。Bernie認為The 101 ers樂隊的Joe是合適人選。在預先觀看了他的演出後，Joe正式加入。Joe根源搖滾式的吉他技術正是樂隊所要的。他的睿智、樂觀的政治遠見以後都成了樂隊的標誌。The Clash曾有一首歌叫作「I'm So Bored With You」(你真煩人)，Joe提議把標題改為「I'm So Bored With The USA」(美國真煩人)，歌曲的意境就大不一樣了。歌中反映的是美國文化對英國的侵略。一方面Joe的才華得到了充分的認可，另一方面他在創新求變上也漸漸走向了極端。 在1976年時，記者Caroline Coon對The Clash進行了首次採訪，這令她印象深刻。樂隊指出，嬉皮士運動已經失敗了。他們反吸毒，反流行，樂隊的舉止體現了兩代人的思想衝撞。Coon回憶道：「我給他們照了張像，他們緊貼著牆，手臂上舉，在Joe的衣服背面寫著『憎恨與戰爭』，這正是朋克的精神，即不要和平不要愛。The Clash政治主張強硬，充滿憤怒，並嚮往無政府主義，這和傳統搖滾不盡相同。當時成名的樂隊紛紛逃避現實，而The Clash卻勇於直面人生。」 Mick表示，「我認為像Rod Stewart那樣的歌手背棄了搖滾樂的理想。他們脫離了歌迷，對欣賞他們的樂迷來說，歌手的變節，意味著欺騙。」
1977年，The Clash以10萬英鎊的身價簽入CBS唱片公司。在22年後的今天， 他們出版的唱片已成為朋克的經典，快速的節奏，都市化的表達，挫折感與憤怒的情緒無不被人傚尤。而他們的經典歌曲也讓聽眾念念不忘：「Janie Jones」、「I'm So Bored With The USA」、「Garageland」(工地)、「Career Opportunities」(就業機會)、「London's Burning」(倫敦火災)，一曲曲都讓歌迷聽後熱血沸騰。 在首張專輯熱賣之後，Topper Headon加入The Clash擔任鼓手，他的到來改變了樂隊的音樂風格，他能自由游移於瘋克、靈歌和雷鬼音樂之間。「有了他，我們不但有了鼓點，而且有了鮮活的生命力。」Paul如是說，Topper加入後的第一首歌名為「Complete Control」(完全控制)，歌名源自Bernie的一句口頭禪：「我要得到完全控制。」 Rhodes為The Clash的第二張專輯請來了Sandy Pearlman，而他與樂隊合作不愉快。作為製作人，Sand想迎合美國大眾口味，而The Clash卻不以為然。有記者指出，「The Clash嘲笑每個人，得罪了不該得罪的人，如Sandy Pearlman，他們甚至當面取笑CBS的總裁。他們有時真可謂不知好歹。」 樂隊前經理人Johnny Green評論說：「樂隊與Pearlman的音樂理念完全不同。Pearlman的想法在Paul看來一文不值，這對The Clash來說是非常動盪的時期。」 但專輯最終還是完成了，與首張同名專輯相比較，內容更為深刻。碟中「Guns On The Roof」(屋頂上的槍)一曲反映了樂隊的一段經歷： 那年春天，Paul、Topper和另外一些人正在排練場地等Mike來練歌，忽然有人突發奇想帶上槍去屋頂射鴿子。他們並沒有意識到他們所射殺的是私人所有的名貴比賽用信鴿。警察冒了出來，說接到報警有一群流氓在屋頂用槍對準火車。那時正是愛爾蘭共和軍恐怖活動猖獗的時期，所以此舉非同小可。Paul和Topper於是被囚禁了起來，而Bernie似乎認為這對他們有好處。這引起了廣泛的反感，成員們和Bernie的關係從此惡化了。Mike和Bernie之間更是常常針鋒相對。 樂隊面臨解散或是更換經理人的困境，此時Bernie接受了媒體採訪，他表示，「The Clash擅長於表達青少年的想法，但他們卻不這樣做。我苦心經營，卻不料得此結果。Joe太懦弱，Mick是個自大狂，Paul太孩子氣，而Topper卻是個鄉巴佬。現在他們想蹬了我，是唱片公司幕後操縱的，他們受了賄。」 在首次美國巡演後，樂隊開始為下一張專輯尋找素材。在Bernie離開後，大家重新齊心工作。Mick的鄉村曲風，Paul的雷鬼，Topper的迪斯科都完美地融合在了一起。 樂隊的下張專輯請到了一手造就The Who樂隊的大牌製作人Gny Stevens，他工作極其投入，要求也很嚴格。但到了錄音後期，他由於沉溺於酒精而常常誤事，這令此次合作未能善始善終。但Guy的確令《London Calling》專輯到達了新的高度。緊接著，樂隊的第二次美國巡演大獲成功，在42天時間內橫掃美利堅。 自從《Combat Rock》(戰鬥搖滾)專輯後，Paul Joe和Mick的關係急劇惡化。而樂隊內部的人事變動也十分頻繁：由4人變為5人，吉他手一直進進出出。Bernie也被請回來重任經理人。The Clash的內部愈來愈動盪了。在巡演時，Paul說：「我不和Mick說話，我們的合作毫無樂趣。我和Joe談起過此事，我們是成年人，沒有必要再忍受Mick的獨斷專行、喜怒無常了。在排練時，Joe直截了當地說，『我們想讓你離隊。』Mick簡直不能相信。而我支持Joe的意見。當時，Mick一定十分難過。」 事實上，Mick的離隊是一把雙刃劍。他一走，The Clash也就不復成為一個完整的樂隊了。 Joe和Paul又使The Clash繼續維持了兩年。新召進了吉他手Vince White和Nick Sheppard。在第6張專輯，也就是由Bernie製作的《Cut The Crap》(別胡扯)後，The Clash於1985年宣告解散了，因為Joe和Bernie在音樂上的分歧也大到了無可挽救的地步。
進入90年代，人們對The Clash懷念有增無減。外界盛傳他們將復合，但Paul、Joe和Mick都否認了這種可能。畢竟，現在大家各自都有了自己的一片天地：Paul成了全職的畫家；Mick仍唱歌，並兼製作人；Joe成立了新組合The Mescaleros。唯一的安慰是，The Clash最近又發行了一張現場專輯《From Here To Eternity》(從現在到永遠)，以志紀念。有樂評說，有兩種樂隊：浪漫派和經典派。The Clash屬於浪漫派，他們的著裝、言談都與眾不同，他們的一切都是混亂的、無計劃的。
THE DOORS(門)
性愛、吸毒、搖滾……詩意，門樂隊樣樣具有。
這是一個以洛杉磯樂隊風格為本的樂隊，或更為確切地說是以其的倡導者兼歌手吉姆』莫裡森(JimMorrison)個人風格為本的樂隊，象徵並超越了六十年代搖滾樂魅力以及它所創設的文化氛圍。以莫裡森的藝術抱負為起點，門樂隊把具有沉迷醉幻般熱情的想像、性感的表演和詩歌般的浪漫誇張與鍵盤手戴.曼扎克(Day Manzarek)、吉他手羅比』克裡格(Robbie Krieger)和鼓手約翰.登斯莫爾(John Densmore)精湛別具風格的演奏，以及極富挑逗性刺激的外包裝貫通起來，成為商業上取得成就的法寶。
在二十世紀六十年代末期和七十年代早期，門樂隊從他們的簽名歌曲《燃起我的火》開始頻頻衝擊排行榜。
樂隊的音樂風格是對R&B、爵士樂以及誇張迷幻格滾樂風格稍加改革,同時它的台上台下的每一個方面都流淌著莫裡森個性風采。一頭飄逸的長髮、黝黑的皮褲、富有魅力公認的性感外貌，他創造了一個搖滾偶像，也因此激勵了無數的素昧平生的追隨者模仿者。他的自我造型——具有詩人氣質的格滾樂民謠歌手形象，成為二十世紀七十年代第一位頹廢女詩人帕蒂』史密斯(Patti Smith)風格及其創作的基礎。他性感的舞台形象和充滿激情的歌聲被二十世紀八十年代INXS樂隊的密歇爾』哈車斯(MichselHutchence)和九十年代波爾.詹姆(Pearl Jam)樂隊的艾迪『維德(EddieVed4er)奉為典範。
莫裡森在與他年齡相仿的傑出偶像群中更是個性鮮明的搖滾偶像。他以創新和發展富有自己個性的音樂風格區別同時代的一群搖滾明星如吉米『漢瑞克斯、詹尼斯，喬普林、米克』傑格(MiCk Jagger)以及其他類似的人。當他們的個人形象基本上淹沒於他們創作的歌聲中時——或者脫離於他們是搖滾歌手這一簡單的事實時——莫裡森卻將搖滾作為一個樹立自己形象的手段。
最終的結果是莫裡森創設了一個超絕的凌駕於音樂之上的自身形象。在這種意義上，他為後來通過傳媒而成為明星的麥當娜和普林斯等提供一個範例，他們的業績和形象發展已超越了音樂本身而成為一種個人崇拜。
而莫裡森個人來說這種形象是以性愛、吸毒和酗酒的生活模式浸潤成型的。在舞台，他將自己置於放縱的極端。他不斷地放浪形骸，摹擬各種性行為向一些謙謙官員和他的歌迷高喊一些淫誨挑逗的話。他曾因行為語言過分而被捕了好幾次，但是這些與法律上的小糾紛卻與他不流芳百世便遺臭萬年的思想一致，即助長了他為自己設計的臭名昭著形象，從而提高知名度的行為。
然而，由於以上這些逆反的感覺削弱了他試圖努力贏得的真實形象感，這使他經常看起來像一隔寓意深刻卻通過某種方式掩蓋了本來面目的一個頂尖格滾偶像的漫畫。如在他史詩般的搖滾歌曲《末日》(The End)裡，他神志昏迷地描繪了一個神經錯亂青年的大段心靈獨白，這個人最終不可自拔地殺害了自己的父母。這首歌收錄在門樂隊的首張專輯中，成為他抒情搖滾這一個性表現風格的奠基之作。在現實生活中，當他向新聞界訴說他父母已死所造成的氛圍是似乎他犯下了同齡中青手一樣的罪行時，他的父親活的非常好(是美國海軍官員)的事實，看起來不適合他自己慾望中達到的那種大眾形象。
但是大多數其他方面，莫裡森是好的—或者相當壞——如同他將要成為的一樣。他過度的性渴求、吸毒、酗酒等生活方式成為搖滾傳說中的基本構成要素。
莫裡森試圖蔭蔽門樂隊的其他成員，但作為這種反叛行為的結果，門樂隊這個相當安分的音樂團體風格卻傾向於接受他流行樂風格的影響。
該樂隊由莫裡森(1943年12月8 日生出佛羅里達州的麥爾伯恩)和曼扎克(1935年2月12日生於芝加哥)成立於1965年，[後者曾同他的兄弟裡克(Bick)和吉姆(Jim)一同效力於裡克和拉文斯(Rick and The Ravens)樂隊]又招募了登斯莫爾(1945年12月1日生於洛杉磯)。在克裡格（1946年1月8日生於洛杉磯)加盟樂隊前，這3人已錄製了一盤莫裡森的歌曲示範帶，他曾同登斯莫爾一塊效力於幻覺製造者(The Psychedelic Rangers)樂隊。
1966年伊始，莫裡森為樂隊取了名字，關於樂隊的組織看起來還存在一些問題。一些消息靈通之士說它源於威廉姆」佈雷克斯(WilliamBlakes)的詩：《門：打開，關上》(The Doors：Open and Closed)中的一節「有些事情被人所知，有些事情不被入所知，在於門的開閉之間。」然而另一些人則宣稱，這個樂隊的名字來源於阿爾多斯』赫胥黎(Aldous Huxley)的《門的定義》(The Doors of Perception)詩中的一段，其中寫道：「所有在路上的化學門都貼上了麻醉藥的標籤。」
任何一個例子，無論是對其中的一則或兩則的引證，都是對莫裡森倡導的這個樂隊音樂發展方向的指示。
1966年，門樂隊終於開始了長達6個月的排演寓言《一個威士忌歌舞酒吧》(Whiskey A—Go——Go)的訓練演習，最終卻由於莫裡森的舞台節目《末日》而引起一場爭論，樂隊也被解雇作為收場。但是這支樂隊引起了亞瑟.李(Arthur Lee)的關注，他是一名極具發展潛質的搖滾歌手。他曾效力於愛(Love)樂隊。他將他們引薦給傑克.霍茲曼的伊萊特拉(Jac Holzman of Elektra)唱片公司，並相互簽了契約。
1967年1月，樂隊的首張同名專輯推出，它很快走紅，打入排行榜高居榜眼，並在排行榜上停留的時間長達121周。由莫裡森用歌劇式的演唱歌曲《破碎穿越》(Break On Through)充溢著激昂的熱情。同時樂隊對具有R&B經典作《後門男人》(Back Door Man)的翻唱也是曾錄製過的最好版本之一。但是這張專輯的兩首主打歌曲是兩首被拓展了的歌曲《燃起我的火》和《結束》。前者拓展銅管的即興演奏，是由克裡格輕巧嫻熟極富層層推進力的獨奏構成。後者是莫裡森音樂的精品之作，他以狂熱的激情宣稱一種深厚的冥想的內蘊。
改編到短得的足可以在電台上播出後，1967年7月《點燃我的火》作為單曲被推出，高居排行榜3周，賣出了100多萬張。這首歌將門樂隊推進了搖滾樂壇最高水平演出之列。
這年裡別的時間樂隊做了一些公開演出，為莫裡森的為人知曉奠定了基礎。9月，當樂隊在《艾德.沙利文節目》演出，演唱《燃起我的火》時，莫裡森製造了一場騷動。在節目主持人的命令下遏止了歌曲女孩，我們不能達到更高潮了》(Girl We Couldn』t Get Much Higher)的演唱，莫裡森也同意了，隨後莫裡森卻隨意地唱起了這首歌。12月，當樂隊在辛辛那提州(Connecticnt)新哈文的巡迴演出後，莫裡森因辱罵警方官員而被捕，他被指控犯了擾亂治安和拒捕罪。
所有這一切——成功、被捕和爭吵——是該樂隊職業生涯的主基調。
類似的情況沒有改變。1967年11月，門樂隊推出了第2張專輯《奇異的日子》一種漫不經心粗糙的錄製使得樂隊以前固有的熱情和執著變成反叛、自負，給人產生一種疏遠的感覺。《奇異的日子》的結果令人十分失望。但是它在排行榜卻高居第三位，其中的單曲《愛我兩次》(Love Me Two Times)排名第25。
1968年樂隊艱難地在發展著，帶有更多的挑釁和刺激。5月，門樂隊為電影主題曲《無名戰士》(The Unknown Soldier)配製了音樂，其中，莫裡森「光彩奪目」。同月，他重返舞台，在芝加哥的一次演出中，他煽動人群滋生事端。
但是除了爭論，或是正是由於這些爭論，樂隊的唱片持續不斷地榮登排行榜。1968年9月開始，樂隊的第三張專輯《等待太陽》(Waiting For The Sun)在冠軍位置上度過了4周時間。其中十分乏味的歌曲，具有流行樂韻味的《喂，我愛你》也高居榜首，賣出了100萬張。專輯的封面印有——不是錄製內容——莫裡森格滾詩作《紀念理查德》(Celebration of the Lizard)內容，它成為後來莫裡森頹廢個性表演《理查德國王》(The Lizard King )的一個昭示。
到1969年，成功和超越幾乎司空見慣。2月，單曲《撫摸我》成為另一張銷售量達100萬張排行榜排名第三的歌曲。下半年，第四張專輯《溫柔的展示》排名第6。
但是莫裡森對毒品和酒精已經到了離不開的地步，他的一些過激的反叛行為開始給他帶來了麻煩。3月，在佛羅里達州的一次演出中，他因手淫和言詞挑逗淫穢而被捕，因為要出庭他不得不縮短了好幾個月的演出活動。11月，他在飛機上酗酒，並因酒後毆打乘務員的過激行為再次被控訴。
從那裡我們可以看出，一切都簡單明瞭。樂隊的專輯仍持續不斷地進入排行榜前十名，包括1970年專輯《莫裡森旅店》(Morrison Hotel)、《絕對的生活》(其中包括70年《紀念理查德》的演出實況)、1971年的《女軍人》。但是就音樂的角度而言，門樂隊再也沒有表現出超過或者同首張專輯同樣的水平和成就。
莫裡森的反覆無常有增無減，逮捕和訴訟接連不斷。1971年2月，他離開了樂隊遷居到巴黎投入到詩歌創作中。他的第一本書《勞茲和新創造者》(TheLordsAndTheNewCreatures)取得了不錯的反響。6月3日，他死於公離裡，經警察檢驗後認為死於心臟病。為了維護他所創造的形象，他被葬在巴黎的皮爾拉茲公墓，這裡也安息著奧斯卡、卓別林以及巴爾扎克。在以後的日子裡，他的墓地成為新一代搖滾心中的聖地，他們熱愛他，崇拜他。六十年代的格滾樂壇的許多方面，莫裡森都被界定為一個標準、一個偶像。
失去了莫裡森的門樂隊竭力想維持樂隊的繼續存在，但隨後推出的專輯卻是相當沒有生機的。1972年，樂隊終於解散了。1978年，為了錄製莫裡森在1970年創作的詩歌而做的背景音樂，樂隊成員再聚一堂，製作了專輯《一個美國祈禱者》(An American Prayer)。樂隊的舞台表演也被製成了專輯，即1983年出版的《她活著哭泣》(Alive she cried)和1987年出版的《生活在好萊塢圈》(Live At The Hollywood Bowl)。後來又推出了門樂隊的精選專輯。
1991年，由奧立佛. 斯通(Oliver Stone)執導的電影《門》重新激起了人們對門樂隊曾經有過的魅力以及它卓越的組織者的興趣。其中瓦爾.克爾訥(Val Kilner)扮演了莫裡森，這部電影是對搖滾史上最為誇張的一位藝術表演家一次誇張的描繪。
The YardBirds
只要你已不是用耳朵，而是用心聽了三年以上的搖滾樂，相信，哪怕你仍然對現今如火如荼的現代搖滾（modern rock）善意地採取一種適可的寬容態度，在你一直不懈地尋覓搖滾藝術中最貼切、最完美、最驚心動魄的篇章的前提下，你終將皈依那神話般不可思議的六十年代搖滾盛世。讓我們回到醜陋的唱片工業機器尚未全面轟鳴時的那方淨士，從那些真正令人肅然起敬的搖滾英雄名錄裡，看一支幾乎每篇介紹搖滾史的文章中都被提到——但人們只將更多的目光聚集於它那傳奇般的經歷，卻很少正視其音樂的組合——The Yardbirds。
從這近乎謙恭的隊名——"雛鳥"中，我們似乎已可看到幾張點綴著雀斑，漾溢著進取心的年輕面孔，但這群"雛鳥"從組隊到解散不超過一百首的作品裡你休想找到任何關聯到"稚鳥"這一詞構隱征的因素——無論其音樂還是技巧。反而樂隊成立解散不到五年的時間內令人啼笑皆非的人員變動，唱片銷量、赴美巡演等客觀事件上的戲劇性有些雛鳥學飛般跌跌撞撞的尷尬。
值得深思的是，之所以The YardBirds在搖滾史上有一個還算顯赫的位置，絕大部分原因在於先後有三位極為優秀的吉它大師擔任樂隊主音吉它手，他們是Eric Clapton、Jeff Beck和Jimmy Page。而由此帶來的後果是無法定位，變幻莫測的風格使唱片公司、聽眾，尤其是樂隊成員心神疲憊，最終，在搖滾樂這個巨大的坐標系中無法找到一個確定點的The YardBirds，如始終飛翔不得棲木的雛鳥般殞落了。三十年後當我們遁著The YardBirds的進程細品他們啟示錄般的音樂時，多少感到些無奈與悲壯。
正如人們無法想像The Cream、Jeff Beck's Group與Led Zeppelin這三支樂風迥異的樂隊的靈魂人物竟皆出於同一支樂隊。事實上，這三位天才無論有意還是無意都使The YardBirds絕不遜色於三人後來組建的任何一支樂隊，而且，這塊"路石"上的足跡足可以讓任何搖滾後輩們觸目驚心。
1963年5月，出於對R&B（節奏布魯斯）的共同熱愛，五名從小生活在倫敦以西的兩個村鎮——Richmond和Kingston的小伙子--Keith Relf、Jim McCatry、Chris Draja、Paul Samwell-Smith及Anthony Topham組合成立了The YardBirds。六個月後，由於Topham音樂方面的局限性及一些個人問題離開了樂隊。同時，短髮而嚴肅的Clapton在Draja的介紹下加入了The YardBirds。
早期的The YardBirds是一支典型的現場型樂隊，Clapton一直被人們津津樂道的現場吉他演奏就是在The YardBirds最早進行演出的俱樂部Crawdaddy裡開始成形的。在那裡他們遇到了Rolling Stones的前經紀人Giorgio Gomelsky，並請他掌管樂隊事務。這位交際廣泛、善於理財，並且精通音樂藝術的經紀人給樂隊早期客觀上的發展帶來了許多好處。
這期間樂隊成員們努力使各自的技巧臻於完美，並不斷完善著隊員間的配合與默契以在潛移默化中確立樂隊風格。這裡有必要謄出筆墨來講一下本不該被樂隊三位著名吉它手的光芒遮掩的其他四位成員的音樂造詣。
Jim McCarty是一位傑出的、富於直覺力的鼓手，他應和著音樂需要時而絲絲入扣、時而天馬行空的敲擊使The YardBirds的歌曲擁有了比其它樂隊更富生命力的節奏段落。Paul Samwell-Smith用充滿熱情、活蹦亂跳的貝司領頭羊般帶領著樂隊前進，甚至當音樂進入特意營造的拖沓氛圍時，他仍事不關已地牢牢掌握住整個曲目的骨架（如在"Sweet Music"中的演示），這樣音樂會神奇地展示給聽者不和諧背後，靜與噪、慢與快、亮與陰由於醒耳的矛盾而更有效地凸現出的彼此對立的雙方——這種各自為陣的演奏手法出現在如今眾多地下搖滾樂隊的音樂中，如Ultra Vivid Scene、Eric`s Trip等。Chris Dreja是當時英格蘭許多身手敏捷的節奏吉它手中極富想像力的一位，在高分貝的音樂中他不但勾勒出精緻的節奏並恰如其分地迎合出流暢的旋律感。瘦小羸弱的主唱Keith Relf用他詞曲創作方面的才華多少彌補了樂隊早期缺乏原創力的缺陷，寫出了"I Ain't Done Wrong""Honey InYour Hips"。之類的好歌；他還能吹一口悠揚的口琴。可歎的是Keith Relf患有慢性氣喘病，這致使了他的肺在1964年的完全衰竭，這亦是樂隊日後解散的一個伏筆。因此他的聲音雖能在飄忽不定的狀態中捕捉到任一瞬息即逝的樂感，但明顯缺乏力度，在Jimmy Page時期這一缺陷尤為突出——於是樂隊在音樂中加入大量合聲，這一舉措畫龍點睛般賦予了The YardBirds音樂另一方特色，例如"Still I'm Sad"。
Clapton時期年輕的The YardBirds對歌曲的演驛令人驚訝地乾淨與合乎規則，更類似於原汁原味的美國R&B樂隊而在剛起步時已在英國數以千計的R&B組合中顯得卓然不群。The YardBirds音樂上更為突出的特點是強勁的節奏段落（這在當時布魯斯音樂中是極為少見的，變成為後人尊The YardBirds為重金屬先驅的唯一原因），與Keith Relf的Chicago（19世紀在芝加哥流行的一種爵士樂）式低音部唱腔，當然，Clapton中足令其這吉它手瞠目的華麗、熱力四射的solo亦不能排斥在外。
1964年6月The YardBirds推出的首張單曲唱片"I Wish You Would/A Certain Girl"賣得很差，奇怪的是其極具獨立性的音樂幾乎沒在搖滾圈內激起一絲漣漪。Clapton沮喪地認為單曲的"失敗"應歸罪於樂隊其它成員離開了R&B的根源而任憑音樂陷入進退兩難的窘境。這一矛盾在以後的幾個月中愈發激化：以Paul Samwell-Smith為首的老隊員覺得民謠布魯斯（Folk Blues）能更準確地體現出布魯斯的內涵——恐懼、孤獨、悲哀和幽默，並決意拓展更為寬廣的音樂領域，包括對錄音藝術（Art of Recording）的研究；而Clapton著魔般地對電聲布魯斯（Electric Blues）產生了近於虔誠的態度，並力求在吉它技巧上予以完善。終於，1964年末，在樂隊尚未推出一張正式專輯前，Clapton宣佈離隊。
1965年3月，隨著單曲"For Your Love"登上榜首（這是The YardBirds歷史上唯一登上榜首的歌曲），一名削瘦英俊的年輕吉它手填補了Clapton的位置，他就是Jeff Beck。很快Beck與樂隊在倫敦東面的Croydon進行了他生平第一次演出——新陣容裡的每個人都很滿意。隨後樂隊推出了一張EP"Five Yardbirds",只要是一雙對搖滾樂有起碼鑒賞力的耳朵就會發現The YardBirds在新吉它手的催化下，已開始了音樂上野心勃勃的革新與開拓。同年6月，囊括了這張EP與Clapton時期全部曲目的拼盤《F or Your Love》由Epic唱片公司草草推出，這是The YardBirds的第一張正式專輯，聽起來卻像兩支風格不同的樂隊推出的合輯。
那段時間裡，包括Beatles在內的一部分英國樂隊開始對富有感召力與神秘色彩的印度音樂家產生興趣。The YardBirds創作的以"Still I'm Sad"為代表的一系列單曲自然不甘落伍地沾染了宿命的東方品味。接著於Rolling Stones同年發行的單曲"I Can Get No Satisfaction"之後，The YardBirds又對模糊而緊湊的吉它音效產生興趣，這種技法Beck在"Heart Full of Soul"中的運用顯然比Keith Richard來得更為前衛和成熟。無論如何，儘管那時樂隊的音樂試驗缺乏獨創性——僅局限於跟隨他人的腳步，我們已可看出當時年輕氣盛的Beck是一位十足的音樂冒險家。
同年9月，"Heart Full of Soul"進入英榜前十位，Epic公司驅使The YardBirds盲從了當時但凡有些名氣的英國樂隊都去美利堅淘金的潮流，樂隊不合時宜地開始了第一次美國之行。他們先後去了孟菲斯、田納西和芝加哥三個地方，那時，由於各種原因——宣傳上、資金上、不受美國人青睞的濃郁的英域搖滾風格等等，樂隊遠未受到象Beatles或Rolling Stones那樣的歡迎與注意。事實上The YardBirds只在美國舉行了兩三場演出，這對初出茅廬、躊躇滿志的Beck不能不說是一種打擊。但塞翁失馬、焉知禍福，樂隊在美國廣泛地接觸了許多藝術家與音樂流派，激發了創作欲，在孟菲斯的"太陽"錄音棚開始了真正激動人心的實驗創作。這裡他們錄製了日後現場保留曲目："You're A Better Man Than I"和"Train Kept Rolling All Night Long"，這也是The YardBirds所有作品中最重要的兩首。顯然Jeff Beck更適合於錄音棚，這兩首歌中，他石破天驚地用搓扭吉它弦的技法做出扭曲畸變的聲效，更重要的是，Beck在錄音時大膽地運用了吉它回授。實際上，這種一直影響至今的手法Beck在英國時已在舞台上應用了，遠早於Townshend和Hendrix——雖然吉它回授這一概念是隨這兩位大師的名字而聞名於世的。
回到英國不久後的11月，樂隊推出第二張專輯《Having A Rave Up》，包括EP"Five Yardbirds"之後的所有單曲及四首現場作品。同上張專輯相比，樂隊顯然已完全適應了在錄音棚內做音樂，多元化的風格使樂隊的音樂游刃有餘，自由地展示樂器方面的才能，如"I'm A Man"結尾處Beck即興發揮的那段solo，出人意料地展示給我們一片Sonic Youth風光。《Having A Rave Up》是六十年代最重要的專輯之一，在音樂上甚至超越了同期Beatles的《Second Album》與Rolling Stones的《December's Children》。
Jeff Beck階段是The YardBirds音樂上最為喧鬧和動盪的時期，這對四位老成員在音樂意識上的確是一種挑戰，而力圖徹底擺脫R&B樊籠的Jeff Beck對樂隊根深蒂固的R&B理念亦日漸反感。雖然《Having A Rave Up》專輯封存皮上身著黑西服的五個人面帶笑容，顯得親密無間，但樂隊內部裂隙已難已癒合。專輯推出不久，一直熱愛著民謠布魯斯的Samwell Smith——曾一度為樂隊音樂掌舵的貝司手退出了The YardBirds，他隨即以一名製作人的身份出現。
1966年8月樂隊第二次進軍美國，鑒於上述原因及前次美國之行在Beck心中留下的陰影，他一直患有的神經衰弱症加重了，以致於他的精神狀態使他無法繼續扮演舞台上的角色。這時，Jimmy Page加入了The YardBirds，彈起了主音吉它，貝斯手則由Dreja去擔當，時不時當Beck的病情好轉時與Page形成了雙吉它陣容——雖然這種情況很少發生——他倆不能說是很嫻熟的配合使The YardBirds的音樂進入一種連樂隊本身都沒有料到的奇妙境界。不久，樂隊嘗試著以這種吉它配合錄製了四首歌曲"Happenings Ten Years Time Ago"、"Psycho Daisies"、"Beck's Bolero"與"Strollon"。其中第一首被定義為The YardBirds創作的最具超時代感的作品，你可以從中聽到時而像警笛，像核爆炸，時而又冷靜、乾枯得使人麻木的雙SOLO以及中間音樂斷開時Beck充滿空曠感的喃喃自："People Ground,Are YA?…Got That Long Air…"，那是The YardBirds對迷幻時代的回應與感召。以這首作品名義發表的單曲封皮上五名成員中你可以同時找到Beck和Page，這已是The YardBirds的第四種陣容了。最後一首"Strollon"成為由Michelangelo Antonioni執導的，成功定義了六十年代西方社會的電影"Blow Up"的主題曲，本來導演想請The Who來做著件事，但沒徵得Townshend的同意，以致"Strollon"隨影片成為The YardBirds最廣為人知的一首單曲。
一支R&B組合是沒有必要擁有兩位主音吉它手的，一山難容二虎，況且，當時搖滾圈內更推崇在樂器技藝方面有過人之處的樂手，這樣Beck離開了核心位置並逐漸迷失於Page眩目的光暈之中。於是Beck成為第二名離開The YardBirds的主音吉它手。在以後的歲月中，從1968年發行鋒芒畢露的個人專輯到80年代內斂而平靜的爵士搖滾創作，作為搖滾領域裡真正具有革新精神的Jeff Beck終成一位倍受後人尊敬的吉它英雄。
Jimmy Page，搖滾史上唯一可與Jimmi Hendrix相提並論的吉它大師，在加入The YardBirds之前已在搖滾圈裡羸得普遍的讚譽。深受布魯斯大師Otis Rush影響的Page從不把吉它玩得華而不實，而他亦勇於去打破音樂上所有的陳規陋習，如大量吉它泛音的運用及"拉吉它"——那是1966年時一個小擔手問Page是否嘗試過用一把小提琴的琴弓玩吉它，他說沒有試過，當他這樣做時，吉它發出了極不尋常，無法定義的聲響，這正是力圖避免吉它奏出清晰而薄脆的聲音的Jimmy Page一直尋覓的。60年代中期Page同許多偉大的吉它手一同工作過，這不但使他在表演中不斷改進完善自己的風格，而且掌握了何時何地怎樣去捕捉靈感。至少，Page的入隊，使The YardBirds成為那時公認的技巧型R&B組合的領袖。
1966年12月22日，The YardBirds首次錄製完成沒有Beck參與的兩首單"You Stole My Love"和"L.S.D."。1967年春天，樂隊推出單曲"Little Games"。7月，推出以這首單曲命名的樂隊最後一張專輯《Little Games》。
《Little Games》包括十首曲目，是The YardBirds最為出色的一張專輯，每一支歌曲都可令現今被用氾濫的轟炸機般嘶鳴遮掩底虛的音樂細節的另類搖滾侵淫得麻木不仁的耳朵悚然而驚。在"Glimpses Tinker Tailor Soldier Sailor"兩首作品中，Page都運用了"拉吉它"的手法，特別在"Glimpses"中這種蜂鳴般持續而充滿焦灼感的聲效隱藏在其它樂器的鳴奏之後，加上Keith Relf對一首詩機械冰冷的誦讀，將整部音樂營造為一個輝煌的幻覺景象。熟悉Zeppelin音樂家的人一定可以從由Page獨奏的曲目"White Summer"中找到似曾相識的感覺，的確，Zepplin的兩首經典曲目"Black Mountain Side"與"Over The Hills And Far Away"即分別由"White Summer"中的兩段主玩具旋律改編而成。同Jimi Hendrix一樣，Page的吉它聲裡蕩漾的亦是隸屬靈魂世界的超自然氣息。這張專輯裡，我們還可以聽到同名歌曲中迴腸蕩氣的絃樂；"I Remember The Night"撲面而至壓抑而低緩的爵士風格；"Little Soldier Boy"裡McCatry急促緊張的軍鼓聲明；以及"Drinking Muddy Water"中樂隊對自己根源的R&B風格爐火純青的回歸。
"Little Games"既是The YardBirds的頂點，亦是終點。1968年7月，樂隊舉行了他們的最後一次演出。隨後除Page之外的三名成員先後離隊，形只影單的Page剛組建Led Zeppelin時曾以"The New Yardbirds"為隊名，可見他對The YardBirds的留戀。總之，這只稚鳥終於結束了它傳奇的飛行，在搖滾史上留下了永難磨滅的五彩斑斕的身姿。
"幾乎沒有任何樂隊能夠象The Yardbirds一樣具有如此錯綜複雜且令人難以記懷的經歷"。這是1992年The YardBirds入搖滾名人堂時主持人說的話，也許還該加上幾句：對各種樂器，特別是吉它的技術性重塑，配器上交響樂般的繁鞠與精妙，鼻祖身份的噪音搖滾實踐，等等。The YardBirds開啟了多種搖滾樂風的大門——迷幻搖滾、藝術搖滾及綿延不絕的英倫吉它音樂。The YardBirds最偉大之外在於從未間斷的充滿靈性的自我否認和勇於開拓，及從對音樂不染塵埃的執著與認真態度上體現出對藝術宗教般的忠貞不渝。在這支從未游離現在被視為"過時"的R&B風格的60年代樂隊身上，我們幾乎可以找到90年代英倫搖滾樂中缺少的所有東西。
范.哈倫 （Van Halen）
Van Halen歷年唱片：
1---《Van Halen》 1978
2---《Van Halen II》 1979
3---《Women and Children First》 1980
4---《Fair Warning》 1981
5---《Diver Down》 1982
6---《1984》 1984
7---《5150》 1986
8---《OU812》 1988
9---《For Unlawful Carnal Knowledge》 1991
10---《Van Halen Live:Right Here, Right Now》 1993
11---《Balance》 1995
12---《Best of Van Halen, Vol. I》 1996
13---《Van Halen III》 1998
Yes
作為激進派藝術搖滾的代表樂隊，Yes的風格在70年代早期的藝術搖滾繁榮 時期獨樹一幟。在用古典音樂裝飾搖滾樂方面，只有ELP(Emerson Lake And Palmer)樂隊可以與之相比。Yes樂隊也一直是現場觀眾的寵兒，他們是最受 歡迎的露天現場演出樂隊之一，直到1977年的新浪潮音樂出現。
Yes樂隊於1968年建立，最初的成員是Jon Anderson(1944,主唱)、 Chris Squire (1948,貝司). 他們都來自一個名叫「the Warriors and the Syn」 的樂隊。加上Bill Bruford(1948,鼓手)、Pete Banks(1947,吉它)和Tony Kaye( 1946, 鍵盤)，構成了最初的Yes樂隊。他們的第一次重要演出是應邀參加Cream 樂隊在英國皇家Albert禮堂舉行的著名的告別演唱會。BBC電台的主持人John Peel 把這次演出的實況在他的節目Top Gear播放，使得Yes樂隊得到全國性的知名度。 他們用自己風格翻唱的Buffalo Springfield的「Everydays」和the Beatles的 「Every Little Thing」以及他們自己創作的「Sweetness」都非常受歡迎。
1970年，Banks離開了樂隊，Steve Howe(1947,吉它)代替了他的位置。Howe的 加入使Yes樂隊有了較大的改變，他使樂隊在器樂演奏的時候的和弦變得更加複雜。 他們的前兩張專輯Yes和Time And A Word都給人留下了逐漸成熟的印象。 不久，由於在樂隊的未來發展方向問題和商業利益上與隊友意見不同， Kaye也離開了樂隊，取代他的是一位鍵盤魔術師--Rick Wakeman(1949,鍵盤)。 Wakeman的演奏技巧產生了比Howe更大的影響。不久，Wakeman就成為了樂隊的領 導人物。他們經常在樂曲演奏時自由發揮，使他們的器樂獨奏越來越長。同時人們 發現樂隊的風格也更加貼近古典音樂的領域，
1972年，Yes出版第三張專輯Fragile獲得巨大成功，這張專輯成為藝術搖滾的一個 經典。同時，樂隊受到英國音樂界特別是作曲家的的支持。專輯中的單曲 「Roundabout」令人驚訝地登上了美國排行榜的年度前10名，Yes樂隊在英美兩地 同時獲得成功。不久Bruford離開樂隊加入King Crimson，代替他的鼓手是Alan White. 晚些時候Yes推出Bruford離開前錄製的另一張精美的專輯「Close To The Edge」. 由於Anderson的歌詞大多很簡略，這張專輯中中的器樂演奏顯得 比重較大。Squire在這張專輯中的貝司演奏非常出色,他也在民意測驗中被選為 最受歡迎的音樂家。不久以後，樂隊推出的現場專輯「Yessongs」和錄音室專輯 「Tales From Topographic Oceans」雙雙登上英國排行榜首位，Yes樂隊走上 他們事業的頂峰。
越過巔峰的Yes在藝術上逐漸走了下坡路，樂隊的核心Wakeman離開樂隊去追尋 他個人的音樂事業。代替他的是Patrick Moraz，Moraz使樂隊更加偏重古典方 面。不久樂隊成員開始各自發展，但誰也沒有達到Wakeman的水平。這時的 Wakeman的名聲已經超過了Yes樂隊本身。由於昔日隊員的盛情邀請，Wakeman 重新歸隊代替了Moraz，同時發展Yes樂隊和他個人的兩方面事 業。Yes新專輯「Going For The One」使樂隊重新回到搖滾路線上來，單曲「Wonderous Stories」在Punk音樂興起的時期進入了1977年英國排行榜前十名。
不久，新浪潮音樂席捲全世界，Yes樂隊的成績一落千丈。樂隊內部的爭執再度 爆發，Wakeman第二次離隊，隨之而去的是樂隊的另一重要人物Anderson。 他們的替代者Trevor Horn和Geoff Downes。這兩個人作為Buggles樂隊的成員 在上一年度以單曲「Video Killed The Radio Star」獲得巨大成功. 這一奇 異的合併維持了不到一年。在1981年，Yes樂隊終於宣告解散。
Yes解散以後，所有成員都在自己個人的事業上獲得不同程度的成功，在1983年 Yes樂隊重組，Horn製作的單曲「Owner Of A Lonely Heart」登上英國 排行榜榜首。隨後又推出了「90125」、「Big Generator」等專輯。 但這時的Yes樂隊在Horn的影響下形成了舞曲和流行重金屬結合的 風格以適應80年代的樂壇，與70年代的Yes的古典風格大相逕庭，已經不再是一支 藝術搖滾樂隊了。
草根隱士Toad The Wet Sprocket
矛盾、迷惘、虛無、神秘
愛情、家庭、未來、死亡
這些景觀通過Toad The Wet Sprocket的音樂稜鏡，幻化在你眼前。然而更多的是，透過那稜鏡，我見到自己敏感、粘滯的臉。於是經常，一杯白開水，一盞檯燈下，在他們的歌聲中被催眠。
每一次面對Toad The Wet Sprocket的音樂，便每一次面對自己內心那蝕刻的印跡，又像觸摸未癒的傷口，品味著自我成長的苦楚。但他們恬靜的音樂又不啻為一劑偏方，讓自己在這日漸浮躁、瘋狂的末世日益平靜。不可否認，他們充斥著迷幻頹廢的音樂美感和後現代文人氣質很難讓人產生汗流浹背的快感，但他們樸素、清楚的配器；簡單、重複的旋律；夢中囈語般的演唱深深地感染了我。沒有驚心動魄，沒有光輝燦爛，但絕不是隨波逐流，於內省之中實現精神上的追求，我彷彿看見了四個末世遊魂在荒山野嶺艱苦孤絕的遊蕩。很難將他們的音樂按時下的標準對號入座，Rock的理念，Country 的意境，比Pop還Pop的演唱，但這三堵牆包圍下，溢出的淡淡香氣不失強大的殺傷力。
Toad The Wet Sprocket成軍於美國加州，為CBS的子公司Blake & Bradford旗下樂隊，樂隊四位成員分別是主唱兼吉他Glen Philips；貝司手Dean Dinning ；鼓手為 Randy Gass；吉他手Todd Nichols。樂隊於1989年發行了專輯「Bread And Circus」，總長不過四十分鐘，但頹廢可略見一斑。這張專輯的指導與封面設計為Brad Nack。音樂總體上是行雲流水的吉他，輕鬆、清新的鼓點，適合在藍天、白雲、大海、沙灘的背景。「Way Away」中意氣風發的「啊」聲，更讓人飄飄然欲乘風破浪。但他們絕非只是沙灘男孩，「臉上塗滿了油彩的小丑/每個毛孔都充滿著慾望/在高處保持著平衡/搖晃直至跌落/微笑在四周環繞。 」哀怨的風景加哽咽的嗓音，「Scenes From A Vinyl Reliner」將這般風景如斯道出。這也似是他們的人生宣言，他們把意識潛伏於自我，將思緒浸淫於渾沌，於是在「Always Changing Probably」這首歌中，一會用第二人稱，一會用第三人稱，欲語還休的心境更被末段時隱時現的Sax恰如其分地烘托出來，淡現了迷幻風範。碟中另外一首「Pale Blue」更是淒風苦雨，雷電交加。哪裡有青春，哪裡就有反叛， 我至今仍驚詫於「Know Me」中Phillips少有的吶喊，近似咆哮的「 Far
on my way/I was cold then I exploded/Know Me……」。這也是碟中吉他音色最亮，攻擊力最強的一首曲子。
如果說「Bread And Circus」的作品略嫌稚嫩，那麼他們次年推出的「Pale」則是整體性最強，最成熟，也是筆者最鍾意的一張專輯。在這張沉重、模糊卻又精緻感人的專輯中，Phillips寒蟬似的歌聲將每個夢境引向無垠，將每個聽者的情緒全然拖進他們掙扎的內心深處。末世的淒涼夾雜著調侃，這或多或少減少了絕望所帶來的消極作用。「Jam」讓我想到了羅曼·波蘭斯基的「Bitter Moon」，曲末的癡笑暗示了那一對失和男女也會走上由相愛至相殘的變態之路。愛情的美麗光環已不能為他們所惑，還有什麼是他們所不能唾棄的呢？ 毫無感情色彩的語調和冷脆的鼓聲抨擊著腐朽的現代社會，「Torn」、「High On A Riverbed」、「Chile」無不如此立場鮮明。但Toad 們並非不能煽一回情， 在「She Cried」中以一個老套的失戀故事引出了一個絕不老套的音樂氛圍，愛情這一永恆的話題在四人完美的配合下，充滿了激情。91 年，Toad The Wet Sprocket發行了「Fear」專輯。其中不乏佳作，無論是音樂，還是理念上，都基本延續了上兩張專輯的風格。遺憾的是這次Toad們未能在歌曲深度上挖掘發展，更多的是形式上的花哨，一段喧鬧的Keyboard引出Phillips尖澀的演唱。更有甚者他們竟然流露出近似變態的宗教幻念，如「Pray Your Gods」中的教義甚似太陽神殿教之流。這些在94年的專輯「Dulcinea」中發展到極致，有譁眾取寵之嫌。值得一書的倒是他們的最後一張「Reincarnation Song」，真如他們說的， 「轉世」了。曲如歌名，一掃固有的清新曲調，玩起了柔性吉他噪音（筆者生造）。不管是否跟風，舒暢的旋律，輕鬆拖帶聽者感觸歌者的內心世界，令人回味良久。也許他們下張專輯真要「轉世」投胎於Noise World，讓我們試目吧！
Radiohead是一支來自牛津的樂隊。主唱Thom L .Yorke於1968年10月7號出生於阿伯丁。進入大學後，Thom和Colin產生了建立樂隊的想法。從此以後，他的絕大多數空閒時間都是在隔音的排練室裡度過的。隨後。他倆加入了一個名為TNT的樂隊。樂隊在每個星期五排練，1987年，樂隊不顧外界的阻止，在牛津郊區的一個小酒館裡進行了第一次演出，但演出並不很成功。
1992年，樂隊錄製了第一張小樣，取名為《Manic Hedgehog 》並在牛津地區銷售。同年，樂隊改名為Radiohead，名稱取材於 The Talkingheads 樂隊的一首歌《Radio Head》。1992年3月，經過一個小製作人的製作，樂隊的第一張EP發行，反響強烈。為了樂隊的發展，樂隊和當時的著名工作室 Boston-based 聯繫，製作人對樂隊小樣中的幾首歌非常欣賞，其中包括《Creep》，製作人 Paul Q Kolderie甚至認為，樂隊一定會成為第二個The Beatles 。1992年5月，樂隊的第二張EP《The Drill 》發行。
1993年1月，樂隊的第三張EP《Anyone Can Play Guitar》發行。很快，樂隊的第一張專輯《Pablo Honey 》在1993年由EMI唱片公司發行，並引起轟動。單曲《Creep》在排行榜上排名第78位，專輯《Pablo Honey 》在全英排行榜上名列25名。隨後，英國EMI唱片公司的國際部總裁Cue Carol Baxter經過和樂隊的會面後，決定把樂隊推向海外。單曲唱片在美國取得了好成績，打進了Billboard 100，排名第34位。隨後，樂隊在美國進行了名為「POP IS DEAD」的巡演，此次活動得到了Duran Duran的大力支持。1993年九月，單曲《Creep》再版發行。1993年十月，《Pablo Honey 》在紐約贏得金唱片獎。在同年十一月，樂隊開始了歐洲巡演。
1994年1月，樂隊開始了第二張專輯的排練。樂隊在5-6月，開始了世界巡演，包括：西班牙、德國、意大利、日本、香港、澳大利亞...9月，樂隊推出EP《My Iron Lung 》為新專輯宣傳。
1995年1月，樂隊和Candyskins 及Supergrass兩支樂隊在牛津巡演。隨後，樂隊的第二張專輯《The Bends》發行，樂隊的風格更趨向於成熟。Paul Q Kolderie把這張專輯定位於歐美風格之間，並希望《The Bends》在全球範圍內引起注意。而樂隊成員Colin卻認為這張專輯和第一張專輯風格一樣，不同的只是樂隊的巡演的經歷。同時對這種生活，Colin又流露出厭煩的情緒。主唱Thom對外界對樂隊的頻頻爆光也十分不滿，並公開對表示對自己的歌曲被大多數人認同而感到不可理解。3月，EP《High and Dry》發行，並排名排行榜17位，同時，專輯《The Bends》排名第5名。直到這時，全部英國人的目光才注視到這支樂隊身上。9月，樂隊和美國樂隊R.E.M開始邁阿密巡演。同月，樂隊的單曲《Lucky》被收錄到慈善專輯《Help》中，這是一張由非主流樂隊和藝人組成的合輯，包括：The Stone Rose、Suede、Paul Weller、Orbital、Manic Street Preachers.... 所有收入捐贈給在波斯尼亞受戰爭殘害的兒童。
1996年，樂隊在巡演並美國發行了單曲唱片《High & Dry》、《Fake Plastic Trees》和一些「B-Side」歌曲，銷量一般。
厭煩和悲觀的情緒被帶到了樂隊的第三張專輯中。1997年5月，《Ok Computer》發行，出人意料的是這張專輯竟然在日本首發，第二天，專輯在西班牙發行。一直到6月，專輯才在全球上市。這張專輯並未引起很大反響，但在搖滾界內受到了好評。隨後，樂隊和Nigel Godrich 成立了自己的工作室，Nigel Godrich 是為樂隊製作《Lucky》和《Black Star》兩首歌的製作人。同年，在《Ok Computer》發行前，樂隊又一次前往美國進行巡演，和以往不同的是：樂隊這次巡演是和當時正紅的美國女藝人Alanis Morissette同時演出。愛爾蘭樂隊U2的成員Edge對樂隊極為看好，但他認為，樂隊想得到美國樂隊的認同是不可能的。英國樂隊和美國樂隊完全是兩碼事，英國樂隊The Stone Roses和Happy Mondays 都曾嘗到了失敗的滋味。
1997年，樂隊成員遭到了世界各國媒體潮水般的採訪。在這期間，樂隊的排練幾乎少了又少。主唱Thom表示，非常欣賞歌手Elvis Costello, Scott Walker. P.J. Harvey。並認為樂隊要出一張能和The Beatles的《 Day In The Life》媲美的經典專輯。
很多人認為，《Ok Computer》是一張Modern Rock 專輯，大製作人Nic Harcourt也持同樣觀點。（Nic Harcourt曾經為U2、R.E.M、Pearl Jam和Aerosmith製作過專輯）美國媒體認為，《Ok Computer》完全是一張奉承美國人的專輯，只有主唱Thom的神經質的演唱保持了英倫風格。
1998年，樂隊發行了新EP《No Surprises》，4月，EP《Airbag/How am I Driving》 發行。同年11月，樂隊得到了巴黎市政府的同意，在巴黎舉辦了演唱會。
The Offspring
80年代初的南加州，還在學校唸書的 Bryan Holland 和 Greg Kriesel 經常去 Orange 郡的環球俱樂部觀看搖滾表演，終於有一天他們決定成立一支名為 Manic Subsidal 的樂隊，當時樂隊另外兩名成員是主音吉它手 Doug Thompson 和鼓手 Jalme Lilja 。十分滑稽的是，樂隊成立之初，樂隊成員居然對演奏一竅不通。於是，樂隊的早期活動自然就是成員們無休止的練習和排練。不得不承認，他們的進步神速，1984年起他們就是南加州朋克音樂一支不可忽視的力量。1985年，在改名為 The Offspring 後，他們發表了首支單曲「I'll be waiting」。
在經過成員幾經更換之後，學校的門衛 Kevin Wasserman 以吉它手的身份加入。而年僅16歲的 Ron Welty 終於有機會成為樂隊的鼓手。至此，The Offsping 的陣容才算基本確定：主唱兼節奏吉它手 Bryan Holland 、貝司手 Greg Kriesel 、主音吉它手 Kevin Wasserman 和鼓手 Ron Welty 。
1989年，他們開始著手準備首張大碟《The Offspring》的製作。Bryan Holland 終於圓了自己長久以來的一個夢。並請來樂隊成員最喜愛的 TSOL 樂隊的製作人 Thom Wilson 來為樂隊製作專輯。經過一番精心準備，同名專輯《The Offspring》在 Nemesis 唱片公司旗下推出，使世人第一次領略到樂隊交相輝映的吉它演奏和 Bryan Holland 硬朗狂放的演唱。
1992年，在轉投 Epitaph 公司之後，The Offsping 發表了第二張專輯《Ignition》。這一次，樂隊更加宏大的氣勢和 Bryan Holland 細緻入微的歌詞更加引起了歌迷的注意。但在商業上，他們和其他朋克樂隊一樣，始終處在當時最走紅的 Green Day 的陰影下。1994年他們請回了 Thom Wilson 製作專輯《Smash》，力爭更大的突破，他們大膽地將朋克與重搖滾相融合，使音樂更加根源化。《Smash》取得了巨大的成功，1995年在美國就已經有了4白金的銷量，單曲「Smash It Up」被收入電影《蝙蝠俠》的原聲專輯，這為他們在樂壇贏得了進一步的聲望。當然，這一年也有令樂隊頗為煩心的事，他們與 Epitaph 公司的官司打的不可開交。
1997年，The Offspring 再次改換門庭，與哥倫比亞唱片公司簽約，並於2月發行了他們的第四張專輯《Ixnay On The Hombre》，唱片很快就達到了白金銷量。緊接著，The Offspring 在1998年10月推出了單曲「Pretty Fly」為新專輯製造生勢，並立即成為各大電台的熱門曲目。11月17日，樂迷期待已久的專輯《Americana》終於面市並風靡全球，它總算為自90年代以來一直低迷的朋克音樂帶來了令人鼓舞的成績。毫無疑問，The Offspring 正用他們的成績告訴人們：只要我們在，朋克就不會死。
Metallic
Metallic，隊如其名，是世界首屈一指的重金屬樂隊， Metallica在不斷的創造著新的音樂元素：Thrash Metal、Death Metal、Speed Metal、Black Metal，他們不甘心看著重金屬搖滾走向墳墓，但是一切努力都將化作通往墓場的鬼哭狼嚎。我們應該拿出勇氣，像辭別戴妃靈樞一般在墓遭旁鼓掌相送。生於丹麥長在洛杉礬的Ulrich旱就傾心音樂，還在英國旅遊度假期間，他就倡導了如今被稱作"英國重金屬折浪潮"的運動（NWOBHM）。當70年代的重金屬元者們，諸如Deep Purple、Jo Jo Gune、Blue、UFO、Sweet、Alice Cooper等日漸衰落之際，Iron Maiden、Angelwitch、Samson、Venom正初露鋒芒，其中對Metallica產生較大影響的當屬Diamond Head。
從英國度完3個月的假期後，Ulrich回到了美國，然後他在當地的"Recyder"上發了一則小廣告，招募樂隊合作夥伴。就這樣，當時還未"發育成熟"的吉他手兒James Hetfield（日後他又成了Metallica的主唱）和鼓手Ulrich組成了最初的Metallica。1982年，他們發行了專輯"Metal Massacre"，受到了地下搖滾樂刊的好評，當時的貝司於是Ron McGovney，隨後在七月份又推出了一張七首歌的Demo帶"No Life'Til Leather"。除了包括上張專輯中的"Hit The Lights"、"Mechanix"、"Jump In The Fire"和"Motorbreath"之外，還收錄了"Seek And Discovery"、"Metal Militia"和"Phantom Load"三支新曲。只可惜Demo帶並沒有正式發行，而只被人們拷貝傳聽。1982年11月日，他們在舊金山的O1d Waldorf開了一場演唱會，這時他們己有了主音吉他手Dave Mustaine。然而他們也就在是在這場演唱會上發現了日後取代Dave的現任主音吉他手Kirk Hammett。在Brain Slagel的建議下，Metallica又從Trauma樂隊中挖來了極有天賦的貝司手Cliff Burton。
83年臨近，Metallica信心也倍增，他們把"No Life'Til Leather"小樣寄給了紐約的一家唱片店主John Zazula,別名Johnny Zee，Zee向各大唱片公司極力推薦他們，卻被嗤之為毫無商業價值的垃圾。Zee被Metallica一路風塵僕僕地從西海岸驅車來到東海岸見他的熱忱而感動，他打出了自己的獨立旗幟Megaforce Records，力推Metallica。然而他們不得不以＄4．99的低價售出Demo以資助樹旗。5月份，他們正式灌制了第一張唱片，隨即在東海岸的俱樂部中作熱身演出，Dave Mustaine由於酗酒而被樂隊開除。Kirk Hammett在4月1日接到電話邀請他到紐約試聽Metallica，而他卻認為這是某人開的愚人節玩笑。直到他收到機票才意識到他們是認真的。二周後，他們錄製了首張專輯，原名為"Metal Up Your Ass"，封套是一隻從馬桶裡伸出的舞劍的手臂，遇發行商Pelativity拒絕後，Metallica將專輯更名為"Ki11 'Em A11"以報復。其中包括除"No Life"中的七首之外，還有"Whiplash"、"No Remorse"、"Metal Mi1iti"和器樂曲"Anaesthesia-Pulling teeth"。
在六月比利時的'84 Heavy Sound節之後，Metallica於七月不失時機地推出"Ride The Lighting"----被判處死刑的囚犯坐電椅時的感覺。專輯在英國排上第87位，成績不俗，其中一曲"For Whom The Bell Tolls"的重新混音版本與Reload中的主打歌"The Memory Remains"被作為單曲於今年11月與新專輯"Reload"同期發行。
1986年3月"Master Of Peppets"在洛杉磯錄製完成並於全球發售。它標誌著一個時代的結束----不僅是因為它打進了US TOP30，還因為這是第一張使圈內人汗顏的專輯。不同於"Ride The Lighting"，這張專輯挑不出最佳單曲另盤發售----因為專輯首首都是最佳主曲。
1986年9月，Metallica開始了在歐洲的巡迴演出。在倫敦的Hammersmith Oden作短停留後，他們飛往了斯堪的那維亞。然而悲劇此時發生了：那年9月27日黃昏，Meta11ica的旅行巴士在通往Copenhagen的公路上發生了車禍，Cliff Burton喪生。它似乎也宣告了Metallica滅亡之日的到來。作為樂隊的核心人物，Burton的言行影響了樂隊的每一個人。他是不可替代的。然而他們相信Burton的在天之靈也不願看到Metallica就此銷聲匿跡。10月28日，他們開試聽會招募新貝司手。Jason Newsted在48小時內學會了所有Metallica的歌曲，然後去應徵。當他被問及想演奏哪首時，他說"隨你們的便。"組員告訴他"歡迎加入Metallica，隊形也就一直保持至今。
1988年9月，第四張專輯"...And Justice For All"一經發售，便同時打進UK和US T0P 10，名字取自於美國獨立宣言的最後一行，是對充斥於鱉個專輯的Justice的絕妙反諷。此後的事不必我多費唇舌，自1991年使他們獲利頗豐的同名專輯後，"Load"與"Reload"分別於1997年和1998年相繼推出，在Trip-Hop、Hip-Hop、Trance、Techno、Grunge各種音樂元素大行其道的今天，Heavy Metal命運何去何從？U2以"Pop"給流行重下定義，並向世人證明他們也能將Hip-Hop、Trance玩得轉；Metallica也和Obital一道將"Satan"改編為帶有Techno風格的電彤"Spawn"主題曲，"Load"與"Reload"還是給我們帶來了不小的失望,但是不可否認Metallica是最棒的樂隊,畢竟它給我們帶來過最精彩的音樂.
Silverchair
來自澳大利亞的 grunge 樂隊 Silverchair 在95年出版首張專輯《Frogstomp》後，迅速竄升為國際名星。當時使他們如此迅速成名的原因，並非是他們酷似 Nirvana 和 Pearl Jam 的音樂，而是他們的年齡，當年他們才年僅15歲。
1992年來自澳大利亞紐卡斯爾的三名中學同學組建了「無辜罪犯」（Innocent Criminals）樂隊，他們分別是主唱兼吉它：Daniel Johns；貝斯：Chris Joannou；鼓手：Ben Gillies。兩年樂隊的小樣在澳大利亞音樂電視台 Nomad 和 2JJJ-FM 電台舉辦的優秀歌曲出賽中獲獎，在樂隊還沒與任何一家唱片公司簽約時，單曲「Tomorrow」已經常在電視和電台播出。這不僅提高了樂隊的知名度而且引起了許多唱片公司的注意。1994年底樂隊與 Sony 下屬一家公司 Murmur 正式簽約。此時樂隊更名為「Silverchair」，名字取自 Nirvana 的歌曲「Sliver」(卻被誤拼為 Silver)和 You Am I 樂隊的歌曲「Berlin Chair」。此時單曲「Tomorrow」已成為澳大利亞的主要的熱門金曲。1995年1月樂隊僅花一周時間便錄製完首張專輯《Frogstomp》，專輯正式發表後，專輯迅速升至澳大利亞排行榜榜首並在一周銷量達到白金。
Silverchair 在美國的成功也相當迅速，專輯在1995年夏天在美發行後，單曲「Tomorrow」在 MTV 和許多現代搖滾電台多次播放，不久專輯便美國排行榜迅速爬升，同樣專輯在美國很快也取得了白金銷量。1996上半年，樂隊進行了多場巡迴演出，下半年錄製了第二張專輯。1997年初 Silverchair 帶來了他們的第二張專輯《Freak Show》，樂評們對此張專輯做出比首張專輯還高的評價，但在銷量方面，這張專輯卻沒能再火一把。1999年，樂隊推出第三張專輯《Neon Ballroom》。
Suede
由 Brett Anderson 、Bernard Butler 、Mat Osman 和 Simon Gilbert 組成的 Suede 樂隊開創了90年代的 Brit-pop 革命。他們的英式 indie-rock 音樂在 Brett Anderson 陰陽怪氣的唱腔下顯得那樣的淒美，他們的身上也流露著一種 Self-Style 病態的美。
Brett Anderson 一個出租車司機的兒子，和他的同班同學 Mat Osman 、Danny Wilder 在1985年組建了 Geoff 樂隊。Anderson 擔任吉它手，Osman 擔任貝司手，Wilder 擔任鼓手，不久 Gareth Perry 成為樂隊主唱。1986年由於 Anderson 和 Osman 要到 London 上大學，Geoff 只好解散，樂隊在此時已錄製了兩首小樣。幾年後兩人又組建了 Suave & Elegant 樂隊，但樂隊只維持了幾個月。1989年底，兩人在新音樂觀點雜誌上刊登了一條招募吉它手的廣告。Bernard Butler 應徵加入，三人在用一個鼓機充當鼓手的情況下開始錄製自己的音樂，詞曲主要由 Anderson 和 Butler 創作。
1990年在聽了 Morrissey 的單曲「Suedehead」後三人將樂隊命名為 Suede，並將一盤樣帶寄給了 GLR 電台的 DJ Gary Crowley，參加在那舉行的一個單曲大賽。單曲「Wonderful Sometimes」在榜首停留了五周，為 Suede 贏得了 RML 獨立唱片公司的一紙合同。當樂隊與RML簽約時，Anderson 的女友 Justine Frischmann 以第二吉它手的身份加入 Suede。同年秋天樂隊為了發行單曲「Be My God」和「Art」，借來了 Smiths 樂隊的鼓手 Mike Joyce，但由於樂隊與 RML 發生了巨大的矛盾，Suede 離開了 RML 並放棄了發行單曲。
1991年 Suede 開始排練和錄製小樣，終於找到了鼓手 Simon Gilbert。1992年初 Frischmann 離開 Suede 組建了 Elastica 樂隊，至今無人填補她留下的空缺。幾個月後，Suede 與 Nude 獨立唱片公司簽約。就在樂隊的單曲還未發行時，Suede 已被英國音樂新聞週刊評為「The Best New Band in Britain」。在媒體的大肆炒作之下，Suede 沒有迷失自己的方向，Brett Anderson 和 Bernard Butler 起到了領袖的作用，使樂隊得以「健康」的發展下去。同時 Suede 在音樂上也受到 David Bowie 的 glam crunch 音樂和 The Smiths 、Anderson 、Butler 的 romantic bed-sit pop 音樂的影響，在他們淒美的英式吉它襯托下的音樂中充滿了醉生夢死的城市生活、雙性戀言論、曖昧主義者行徑與永不衰減的雄心壯志。同年，樂隊的第一首單曲「The Drowners」發行了，在英國排行榜上名列49位。「Metal Mickey」在秋天發行，並一舉衝上排行榜第17位。
經過一次短暫的巡演後，1993年春 Suede 的同名處女大碟成功發行，專輯剛剛發行就成為英國歷史上銷售速度最快的專輯，在媒體和公眾中引起了巨大轟動。「Animal Nitrate」也登上排行榜第7位。七月 Suede 已成為英國最受歡迎的樂隊，秋天樂隊又獲得 Mercury 音樂獎——最佳專輯。一切看上去都在很好的發展，但還有一些問題在困繞著樂隊。首先，專輯在登陸美國後同其他想打進美國的英國樂隊境況一樣兒——倍受冷落；其次，Butler 的父親在十月去世，使 Butler 情緒低落，樂隊也被迫取消了第二次的巡演。
在錄製第二張專輯《Dog Man Star》期間，Butler 和樂隊在音樂上的矛盾也越來越激化，這非常糟糕……1994年2月 Butler為紀念他的父親發行了單曲"Stay Together"，樂曲初次打榜就位於第3位。在《Dog Man Star》發行前，Butler 和樂隊的矛盾再次激化，終於吉它手 Bernard Butler 離開了樂隊，也象徵了一個朝代的完結。就在 Bernard Butler 離開後不久，年僅17歲的 Richard Oakes 替代了 Bernard Butler 的空缺，一起為《Dog Man Star》進行宣傳活動。
兩年後（1996年9月）樂隊鼓手 Simon Gilbert 的表弟 Neil Codling 以鍵盤手的身份加入 Suede，至此樂隊擴展成為五人陣容。Suede 已決定擺脫舊日的枷鎖。正是在這時樂隊發行了第四張專輯《Coming Up》，這是一張質感較輕盈的唱片，不像以前那樣氣氛沉重幽暗。此時你從他們身上已看不到昔日帶有的 Self-Style 病態的美。「Trash」、「Beautiful Ones」、「Saturday Night」、「Lazy」和「Filmstar」五首歌曲成功打入英國排行榜前10位。
在1998年 Suede 推出了紀念大碟《Sci-Fi Lullabies》，專輯一共收集了20多首作品，大部分是早期未發表的作品，非常值得收藏。專輯《Coming Up》中已有電子合成的成分，1999年 Suede 放棄了一直合作無間的 Ed Buller 而改由 Steve Osborne 接手唱片監製一職，同年新大碟《Head Music》面市，專輯中夾雜著大量電子合成也不足為奇了。
樂曲名稱列表：
electricity
savoir faire
can't get enough
everthing will flow
down
she's in fashion
asbestos
head music
elephant man
hi-fi
indian strings
he's gone
crack in the union jack
神童（THE PRODIGY）
[神童]備忘錄
● 熊力 編譯
「大家都喜歡OASIS，我父親也喜歡OASIS，可我不想讓『神童』（THE PRODIGY）也走他們那樣的路。對大家來說重要的是別去喜歡『神童』。」「神童」樂隊的鍵盤手LIAM HOWLETT（萊厄姆·豪雷特）似乎對大家都喜歡「神童」感到厭煩了，他不想看到自己的樂隊成為又一支OASIS。很顯然，這位「神童」樂隊的靈魂人物對 OASIS樂隊那位與他同名的主唱LIAM GALLAGHER並無好感。這是一種反偶像主義還是一種故作姿態？不管怎麼，THE PRODIGY在使自己成為主角。在引人注目地拒絕了為 MADONNA、DAVID BOWIE和U2製作唱片以及同FILTER、METTATLCA、SIL VERCHAIR以及SLAYER一同出現在電影《SPAWN》（魚卵）的原聲唱片裡之後，THE PRODIGY所取得的成就已不僅僅是使自己的新專輯《THE FAT OF THE LAND》（大地脂肪）登上BILLBOARD的冠軍位置了。 HOWLETT正帶領這支英國前衛舞曲樂隊成為90年代流行的一個重要的名字。
THE PRODIGY樂隊成員包括一頭金髮的鍵盤兼詞曲作者LIAM HOWLETT、留著彩色朋克髮型的舞者KEITH FLINT（基恩·弗林特）、常常戴貓眼式隱形眼鏡和金屬手套的黑人說唱手MC MAXIM REALITY（MC·格言·現實），以及戴頸釘的高個黑人舞者LEEROY THORNHILL（李洛伊·索恩希爾）。儘管HOWLETT謙虛地表示THE PRODIGY如果沒有其他成員將會一事無成，人們還是習慣地認為「他就是THE PRODIGY」。畢竟，HOWLETT寫了樂隊幾乎所有的歌曲，並領導著樂隊的音樂方向。
HOWLETT 在還是個孩子時就開始聽牙買加音樂，然後便瘋狂地迷上了舞曲並加入倫敦當地一支名為CUT 2 KILL（割殺）的樂隊，但不久就被踢了出來，之後他便在一家名為THE BARN IN THE BRAINTREE（布潤吹的穀倉）的迪廳作起了舞會的DJ。正是在這裡他遇上了FLINT和THORNHILL。當時 FLINT還是個留著長髮、找不著工作的小嬉皮士，苦惱之中的他在肚皮上紋了「INFLICTED」（受苦）的字樣並始在倫敦的迪廳裡狂舞以發洩苦悶。在那裡他認識了前模特THORNHILL，並同他組成了風格獨特的雙舞組合。一次舞會上這兩名舞蹈家特別欣賞一位DJ給他們放的音樂，這名DJ便是HOWLETT。這3個年輕人交談了10分鐘，便決定組成THE PRODIGY。
在第一次對外演出後，HOWLETT覺得樂隊還缺點什麼，便找來了當時還在一支RAGGAE樂隊唱歌的KEITH PALMER（基思·帕默）來負責RAP部分，他就成了後來的MC MAXIM REALITY （MC·格言·現實）。THE PRODIGY樂隊開始出發了。1991年，THE PRODIGY發行了第一張EP唱片《WHAT EUIL LURKS》（蟄伏的邪惡），這是張低成本唱片，音效也很簡陋，只發行了7000張便告收場。在這次失敗之後，同年及1992年THE PRODIGY先後出版了讓他們廣為人知的兩張單曲：「CHARLY」（迷人）和「EVERYBODY IN THE PLACE」（人人就位）。這兩張唱片分別登上了英國流行榜的第三位和第二位，在推出一系列單曲之後，THE PRODIGY在1994年推出首張專輯《MUSIC FOR THE JILTED GENERATION》（為被遺棄的一代的音樂），並登上英國專輯榜的榜首。這期間，THE PRODIGY憑借THE CHEMICAL BROTHERS（化學兄弟）在混音上的幫助而聲名鵲起。樂隊參加了LOLLAPALOOZA巡演和鳳凰城音樂節，受邀請為FRONT 242和JESUS JONES製作唱片。樂隊的風格和外形也更為前衛，並在美國、澳洲和日本打開了知名度。1996的兩首單曲「FIRESTARTER？」（縱火者）和「BREATHE」（呼吸）令THE PRODIGY 真正大紅大紫。今年6月30日推出新專輯《THE FAT OF THE LAND 》（大地脂肪）則使THE PRODIGY登峰造極地同時登上英美排行榜冠軍。這張專輯中充滿了各種有趣的採樣，你能聽到L7的旋律，THE BREEDER『S SOS樂隊的吉他音色、BEASTIE BOYS樂隊的RAP、WU-TAMG CLAN的金屬音色以及KULA SHAKER樂隊的伴唱等等。
嚴格地說，THE PROKIGY不是一支樂隊，他們的音樂也很難分類。你可以稱其為「硬式舞曲」（HARD DANCE MUSIC），他是一種將TECHNO的音色及旋律加上HIP-HOP的鼓點的音樂。同時THE PRODIGY又吸收了各種新潮玩意兒：AMBIENT、HARD-HOUSE、INDUSTRIAL、PUND、REG GAE、ACID-JAZZ、JUNGLE、RAP……。THE PRODIGY的創意使他們成為了一隊受尊敬的非主流/獨立團體（ALTERNATIVE/INDIE）。正如HOWLETT在1996年所說，「如果滯步不前，『神童』就會完蛋」
盛名之下的HOWLETT是一個冷靜自製的人。他並不想趕快再出張專輯，而是計劃與RAGE AGAINST THE MACHINE（對機器的憤怒）、BIOHAZARD（生態危險）、KORN等樂隊合作，或是再發一兩首單曲。談到這點，HOWLETT有些煩燥。「目前我不想再做一張專輯，對此我還末做好準備。這並不意味著『神童』會解散，只是就現在來講這張專輯的確是我們的最後一張了。」他又坦言了這種厭煩心理產生的原因。「我這麼說只是想使自己覺得舒服些，減輕一點壓力。如果公司來找我要我著手考慮錄製一張新專輯，我會告訴他們我根本就沒有什麼新專輯。我從來不想一年後的事情。一個月內我們可以有會發一兩首單曲，做點混音採點動機什麼的，但不會去做專輯。如果一切沒有安排妥當，我是不會考慮做專輯的。因為這可是件大事。」THE PRODIGY對音樂還是很嚴肅的。這群「神童」看來絕不只是想讓全球的青年跟著自己的音樂跳舞而已，他們還有超越搖滾樂的野心。好好幹吧，「神童」們。
附：
1991 WHAT EUIL LURDS（EP）CHARLY
1992 EVERYBODY IN THE PLACE
FIVE/JERICHO（LP）OUT OF SPACE
1993 WIND IT UP ONE LOVE
1994 NO GOOD（START THE DANCE）
MUSIC FOR THE JIL TED GENERA TION（LP）UOODOO PEOPLE
1995 POISON
1996 FIRESTARTER BREATHE
1997 THE FAT OF THE LAND（LP）
這是Gene的自我定位，主唱手馬丁看來已不屑就樂評界的非難進行辯駁了。1993年，樂隊的首張專輯《 Olympian》（奧林匹亞）繼承了The Smiths樂隊的遺風，那種附庸風雅卻又堅韌不拔的音樂色彩直至歌的名字都與The Smiths如出一轍。而Gene 的第二張專輯《Drawn To The Deep End》（拉到盡頭了）讓許多人誤以為是The Smiths早期作品的重版。不過，馬丁對於眾多的"為什麼"還是作了回答，這就是"俺樂意"。
作為樂隊主唱手的馬丁在整個樂隊中有著舉足輕重的影響，而對馬丁有著舉足輕重影響的倒不是The Smiths這支老牌搖滾樂隊，而是一支不出名的流行樂隊-- Redskins（紅皮）。"我是聽了'紅皮'的音樂才發覺流行樂的驚人影響力的。"在買了"紅皮"的11盒專輯後，他便開始向隊友灌輸"紅皮"知識。馬丁第一次音樂方面嘗試就是組建了一支模仿'紅皮'樂隊的流行樂樂隊 Drop（水滴），並但任鍵盤手。那時他的作品類似於Boy George和"寵物店男孩"。一次偶然的機會，馬丁在一家迪斯科舞廳裡碰上了地下樂隊Spin（暈眩）的史蒂夫和另一樂手邁特·詹姆斯（ Matt James）。當時小有名氣的"暈眩"樂隊在英國的巡演中遭遇了車禍，史蒂夫那個擔當貝司手的弟弟嚴重腦震盪，樂隊產生人員危機而面臨解散，史蒂夫不得不面對樂隊的去留和 個人發展的問題。此時，兩個如天兵似的人物出現了，一個是前The Smiths 的製作人史蒂夫（ Stephen Street，日後他為 Gene的唱片製作出了大力），另一個是史蒂夫的鄰居，日後成為樂隊低音貝司手的凱文·邁爾斯（ Kevin Miles）。萬事齊備只缺主歌手時，有個小伙子在他們出沒的搖滾酒吧裡遞上這麼張名片："馬丁·魯思特--專為追求名利進行鼓吹"。儘管直至今日史蒂夫、邁特和凱文還在爭論在那天是誰先接到的名片，但是當初這個惹人注目的小傢伙今天已牢牢佔據了 Gene及至另類搖滾的一把座椅。
雖然樂評對Gene樂隊或馬丁的"半瓶醋"論調顯得不屑一顧，但是Gene仍然頂著那塊惡名遠揚的"模仿小丑"招牌招搖過市，那張《拉到盡頭了》在廣受非議之時亦在榜單上取得了佳績。也許正是這種無所顧忌的搖滾風格使 Gene顯得與眾不同。其實，Gene在樂風上模仿 The Smiths也正好避開了其它樂隊，尤其是流行樂隊的競爭。但Gene的存在確實對流行樂和搖滾樂市場都形成了衝擊，96年10月樂隊的熱門作品 "Fighting Fit"（好鬥爭強）已是明證。馬丁自稱"對過去我已厭煩，我要做更前衛的東西。"
果然，樂隊的新專輯裡多"更前衛的東西"，而謝天謝地少了 The Smiths的影子。樂隊把更多的音樂因素、風格吸納了進來，像Queen（皇后 ）的華麗搖滾，" New Amusement"（新娛樂）的喧鬧都出現了。新專輯裡馬丁個人尤其欣賞" Speak To Me Softly"（溫柔地對我說）這首頗有流行潛質的歌。這各風格上的多樣化是不是已在不經意間流露出Gene的野心呢--"我們不拒絕為人們寵愛，也喜歡在大庭廣眾為千萬人擁戴，然而我們最希望聽到終有一天人們眾口一調在唱 Gene的歌。"
在1976-1977年間，一場朋克搖滾的變革極大地改變了英國的音樂狀況，這是由諸多原因造成的。一方面，聲望不斷壯大的紐約地下音樂歌手伊基.波普(Iggy Pop)為對其有深刻影響的表演家，為朋克提供了許多風格獨特的服裝樣式；撕裂的衣服，用別針別上再加上一個合適的反傳統意象。而與此同時，英國酒吧成為成長中的年輕朋克搖滾音樂家汲取營養的地方。「性手槍」(the Sex Pistols)樂隊的約翰尼.羅頓(Johnny Rotten)就經常光顧在基爾本和大路酒吧舉行的小型音樂會。「碰撞」(the Clash)樂隊的喬.斯特拉莫(Joe Strummer)最初就學藝於演奏強勁搖滾風格的節奏與布魯斯樂隊「101人」(101ers)。
大多數年輕人已對70年代佔據排行榜的搖滾樂隊感到厭煩，因此到70年代中期，他們日益希望出現變化。儘管此時這種情緒還不明確，但等到一些主要促進者——其中最突出的要數馬爾科姆.麥克拉倫(Malcolm McLaren)，使起初的抗議演變成一場音樂革命時，這種要求變化的情緒就相當鮮明瞭。
到1976年底，麥克拉倫因其對「性手槍」的出色管理而開始為人所知。該樂隊是英國朋克革命的急先鋒。在1976年前半年中，「性手槍」樂隊定期在倫敦演出，開始引起觀眾濃厚的興趣，這不僅由於他們演奏的音樂沙啞喧鬧，而且還因為其音樂的確令人興奮，富有激情，原始的快節奏搖滾和咆哮著唱出充滿諷刺意味和抗議的歌詞互相融會，渾然一體。
「碰撞」的歌詞也主要表現同樣強烈的幽默感，同時還體現出將虛偽揭穿的堅定決心。這支樂隊自1976年春天起開始在倫敦演出。朋克現象在1976年前半年蓬勃發展，於同年9月達到早期高潮，即時在地處倫敦牛津街的「100俱樂部」舉行了朋克音樂節，著重介紹了「性手槍」和「碰撞」以及其他樂隊。
1976年11月，「碰撞」與CBS唱片公司簽約，11月底「性手槍」的第1張單曲唱片「聯合王國的無政府主義」(Anarchy in the UK)由EMI唱片公司發行。緊接著唱片發行人比爾.格倫迪(Bill Grundy)接受了電視採訪，這次眾所周知的採訪以滔滔不絕的驚歎語告終，使「性手槍」成為英國最為人津津樂道的樂隊。
1977年具有分水嶺意義：一夜之間到處充斥著新的朋克樂隊，其中許多是第一次拿起樂器，並且在3個月內就使樂隊名字出現在「洛克西」(Roxy)的節目單上，「洛克西」是倫敦最主要的朋克聚會地，在這裡，「詛咒」(the Damned)樂隊形象酷似恐怖電影中的人物，音樂既快又猛，曼徹斯特的「嗡嗡公雞」(Buzzcocks)樂隊創造出高能量的「流行朋克」風格。「果醬」(Jam)樂隊問心無愧地接受了現代派的影響，蘇克西與「女妖」(Siouxsie and the Banshees)樂隊突出用吉他彈奏哀訴的聖歌。除了這些名稱迥異卻極其出名的樂隊之外，還有無數曇花一現的樂隊，例如，「透視器」(X-Ray Spex)樂隊以迷人的波利.斯蒂林(Poly Styrene)為首，他使一些拙劣的作品變得流行。這個樂隊所堅持的左翼立場和勞拉.洛吉克(Lora Logic)極富特色的哀怨的薩克斯演奏，為失意沮喪的年輕人創作出一些更加著名的朋克歌曲，如「哦，奴隸，起來」(Oh Bondage, Up Yours)、「身份」(Identity)以及「伍爾沃思勇士」(Warrior is Woolworths)。
吉米.珀西(Jimmy Pursey)的激烈搖滾樂隊「沙姆69」(Sham 69)也因其政治立場引起人們的注意，該樂隊還對70年代「油」(Oil)音樂風格的發展負有間接責任，而以比利.艾多(Billy Idol)為首的「被遺忘的一代」(Generation X)樂隊則以首張單曲唱片「你的年代」(Your Generation)與「誰人」(The Who)樂隊的「我的年代」(My Generation)相互應 。
「廣告」(The Adverts)樂隊的「一個和弦的奇跡」(One Chord Wonders)為其深受好評的歌曲之一；在1977年8月以另一首索然無味的以時事為題材的歌曲「透過加裡.吉爾摩的眼睛看」(Looking Through Gary Gilmore's Eyes)進入排行榜前20名，其他在洛克西演出的樂隊包括有「切爾西」(Chelsea)、「999」、「食客」(Eater)(因其14歲的鼓手迪伊.傑納雷特(Dee Generate)而出名)、「潛伏者」(the Lurkers)、「振動器」(the Vibrators)以及澳大利亞的「聖徒」(the Saints)、「屠夫與狗」(Slaughter and the Dogs)、名字古怪的埃德.班格(Ed Banger)以及在曼徹斯特崛起的「鼻出血」(Nosebleeds)樂隊，還有來自杜漢郡的「穿透」(Penetration)樂隊，該樂隊擁有一位才智過人的傑出的主唱波林紡.默裡(Pauline Murray)。
朋克現象的影響範圍超越了倫敦，而且即使當時人們已經清楚地認識到「朋克」已經包含了各種發展中的音樂風格，每個涉及者都普遍「對任何一種確定的價值感到不屑一顧，在對抗和無秩序中感到欣喜若狂，在純粹的業餘性質的活動中培養低級個人主義精神和好奇的崇高信念」。一位朋克現象評論家如此說。
1977年的頭一件大事是「碰撞」為促銷第1張用自己名字命名的專輯特意作了一次名為「白色暴亂」的巡迴演出。同時演出的還有「果醬」、「裂縫」(the Slits)和「地鐵」(Subway Sect)樂隊。「果醬」中途離開去推銷自己的首張唱片，另兩支樂隊的風格與朋克極為合拍，都由一些泰然自若的初學者組成：「裂縫」清一色女性成員，她們在一次帕蒂.史密斯(Patti Smith)的音樂會上相識並決定組織一支樂隊，主唱歌手阿莉.厄普(Arri Up)故意在看上去濕漉漉的褲子上再套上朱比莉牌半短燈籠褲——通常標準的女人氣質使她們反感。「地鐵」樂隊演唱一些怪誕、有關異化的先鋒派歌曲，但後來由於歌手維克.戈達德(Vic Godard)的心思集中於BBC二台，樂隊開始演奏雞尾酒會爵士樂，最後樂隊與戈達德分道揚鑣，組成了「拳擊手」(Jo Boxer)樂隊。
樂隊之間的競爭非常激烈，諸如「性手槍」和「碰撞」等出自馬爾科姆.麥克拉倫的樂隊宣揚自己的意識形態原則，對其他英國朋克樂隊缺乏政治敏感性深表不滿，尤其是「詛咒」，然而當「鮮玫瑰」(New Rose)專輯在Stiff公司發行時，「詛咒」成為英國第一支在全國發行唱片的樂隊。於是1977年的大部分時間裡，「詛咒」帶著無政府主義的音樂，以飛快的速度在英國各地進行巡迴演出。
雖然一開始許多朋克樂隊都不願在BBC電視節目「最佳流行歌曲」中演出，嫌其商業味太濃，但在唱片入榜之後，他們中即有不少樂隊樂於應邀在電視上露臉，「碰撞」是個例外。這一節目使朋克樂隊得以在全國亮相，在一定程度上很快為「廣告」、「透視器」和「果醬」帶來了最初的成功。
然而在英國社會主流中，朋克搖滾的地位只不過是人們酒足飯飽之後的一個嗝，英國1977年的重大事件是女王伊麗莎白二世登基25週年紀念，正是這個時候，「性手槍」又一次成為爭議的中心，在6月份慶祝活動進行之際，他們出了一張名為「神祐我王」(God Save the Queen)的大不敬單曲唱片，並在排行榜上名列第2。Virgin唱片公司認為該唱片的實際銷量超過了第1名歌曲羅德.斯圖爾特(Rod Stewart)演唱的「我不想談論它」(I Don't Want to Talk About It)，可是為了不使女王陛下難堪，只好不讓它得第1了。
馬爾科姆不讓「性手槍」在任何俱樂部演出的要求使樂隊變得更加偏執，儘管——或者說由於「性手槍」惹了許多麻煩，朋克取得了重大的進展。個體樂隊和獨立唱片公司開始盛行並贏得歡迎，許多著名的樂隊顯示了自己不凡的實力，給人留下了深刻的印象。
但是到1978年底，朋克革命已走完了它的發展歷程，「性手槍」在1978年1月解散，在其後一年之內，其他朋克革命的元老樂隊不是像「性手槍」一樣解散，就是開始發展超越真正朋克狹隘界限的音樂式樣 。一些頑固的樂隊仍然固執己見。但因為不再屬於音樂主流，他們和支持他們的一些頑固迷一起被攆至邊緣，當然，朋克不甘心束手就擒，依然苦苦掙扎，但已無回天之力，到80年代中期，它只不過是一種奇特的音樂形式而已了。
儘管長期以來，朋克幾乎不能從本質上影響屈從於商業而非創造才能的唱片工業，但它給這個工業及時地注入了急需的興奮劑。當時許多樂隊，嚴格地來說，即使不能直接算是朋克，卻也從朋克巔峰時期引發的熱情中受益匪淺。
倘若朋克有什麼值得紀念的，那必然是指它粉碎了那個時代成名搖滾音樂家被人奉若神明的地位，並且向年輕人表明，每個人都能拾起樂器，走上舞台，發出有價值的聲音。
僅僅這一因素，就打破了一大堆音樂障礙，為實驗主義和折衷主義的興起鋪平了道路，使之日後成為80年代音樂風景的重要特徵。
有史以來20張最佳另類音樂專輯
該評選出自美國《Guitar School》雜誌，雖說另類音樂的傑作絕不止20張，但雜誌的編輯們還是挑出了個整數，遺珠之憾也就成為必然，好在入選的這20張專輯絕無充數之嫌，風格迥異且張張精彩，對於那些不想在雷同陳舊的老套子來打轉的樂人來講，這些專輯起到了一種指引和激勵的作用，而且這種作用將沿續下去，影響一代又一代的人。
1、R.E.M./Murmur(I RS 1983)
如果沒有R. E. M .的《Murmur》，另類音樂可能不會取得今天的地位與商業上的成就。《Murmur》最初為校園電台接受並最終迫使流行音樂節目策劃者與唱片公司的頭頭兒們承認了非商業電波的威力。這張專輯不僅啟發了校園聽眾，更在無意中成為地下團體打入主流階層的先聲。作為R. E. M .的第一張專輯，《Murmur》包含了那種獨一無二的，迄今仍能一聽即可分辨出的氣質，這種氣質便是Michael Stipe含混不清而又低沉單調的唱腔，Peter Buck「Byrds」式的刺耳吉他音樂與樂隊詞作風格與意象的結合。
正如R. E. M .早期的一支單曲「Radio Free Europe」，《Murmur》完美融合了搖滾樂的南部根源，流行色彩與旋律與紛亂的吉他手法。這張專輯錄製於樂隊尚未被商業成功侵擾與制服之時，是R. E. M .最具創意，最有影響也是最富爭議的一張專輯。
2、Sex Pistols/Never Mind The Bollocks
(Warner Brothers 1977)
描寫Sex Pistols在英國曇花一現生涯的書已經很多了，關於他們令人生厭的宣傳噱頭，他們過激的行為和濫用藥物以及貝司手Sid Vicious被控謀殺女友並隨後自殺的醜聞。在這支樂隊對不列顛樂壇形成短暫衝擊的那些年裡，他們的音樂也贏得了關注。
實際上，《Never Mind The Bollocks 》是有史以來最出色，也是最具熱情和最富衝擊力的一張專輯，顯示了Pistols是一支令人難以置信的精練有力的團體；粗糙的吉他，鮮明的搖滾節拍與Johnny Rotten獨一無二的高亢嗓音。這張專輯面世於搖滾樂即將被本身的氾濫淹沒之際，Pistols將脫胎於New York Dolls和Stooges的音樂提升到更加無序，更具催化作用的地步，刺激了數以千計的英國及其他地區的樂隊(在見識了Pistols以後，Joe Srummer立刻脫離了他節奏布魯斯樂隊組建了The Clash)。時至今日，《Never Mind The Bollocks》有是一則非凡的音樂和社會宣言，需要另類音樂的學子們虛心聆聽。
3、Ramones/Ramones(Sires 1976)
這張The Ramones 1976年的作品是美國朋克運動史上極具爭議，也是最重要的一張專輯，雖然沒有一位成員算得上偉大的音樂家，但這個團體賦予了年輕的音樂人們獨立自主的精神和反傳統的志願
The Ramones只需要四個和弦和三分鐘長度便可創造出富有感染力的旋律——一種充斥著搖滾節拍的骯髒的強勢流行曲，在Ramones的歌曲「Sheena Is A Punk Rockers」、「I Wanna Be Sedated」和「Rock 'N' Roll High School」風靡的一兩年前，他們專輯的問世便標誌著傳統搖滾法則的崩潰，並為數以百計的後世團體打下了根基。The Ramones的精神至今仍瀰漫在地下音樂界。
4、Beastie Boys/Licensed To I11(Def Jam 1986)
說唱樂現在終於已贏得了主流世界的認同。很難把《Licensed To I11》看作是一張衝破地下狀態的專輯，儘管這三位中產階級的紐約白人(其中一位是傑出的劇作家Israel Horowitz的兒子)尚未能與Public Enemy或N.W.A.相提並論,後兩者已達到深入瞭解都市人感受的境地,而Beastie Boys則缺乏強度,但他們用更多的厚顏無恥的輕率的幽默和創意來彌補。《Licensed To I11》具有極高的可聽性和娛樂性，而且作為說唱樂第一枚商業上的巨型炸彈，這張專輯也為那些Beastie Boys所模仿和欣賞的非洲及美國說唱藝人們鋪平了成功之路。
5、The Replacements/Hootenanny(Twin/Tone 1983)
The Replacements徹底證明了你無需知道如何玩一種樂器就可以加入一支搖滾樂隊，Nirvana、Dinosaur Jr.、Soul Asylum等很多團體都從這支明尼阿波利斯的四人團體身上獲益匪淺。
《Hootenanny》通過詠唱日常事物而捕捉到了Paul Westerberg和那些嗜酒的夥伴們年輕的單純和閃爍著創造性光芒的音樂。Hootenanny是指50年代帶有即興創造表演的民間歌舞聚會。而專輯《Hootenanny》就是：不顧一切的恣肆，高能量，精彩的即興反覆，實驗性的技法和靈感洋溢的詞作。每一位成員通過演奏別人的樂器來錄一首歌是需要勇氣的，可這些傢伙們都不在乎，他們非常樂於湊在地下室中「扭曲」音樂。「唱片公司想要一首熱門歌曲/但我們連屁都不給」，在「Treatment Round」這首歌中他們這樣唱到，或許這正是搖滾樂的真諦。
6、Black Flag/Damaged(SST 1980/1981)
《London Calling》以魄力和智慧樹立了The Clash在朋克搖滾團體中的經典地位。在首張專輯《The Clash》中，他們便嘗試各種不同的風格，《London Calling》則這些風格融合而形成一種銳利火爆的吉他攻擊力，The Clash用「I Wasn't Born so Much As I Fell Out」觸及了一代人的痛處。緊隨著Sex Pistols自毀的步伐，The Clash更為低調地展示了朋克運動的那種隆隆爆炸聲，在團員Joe Strummer，Mick Jones，Paul Simonon和Nickey Headon分道揚鑣之前，這個團體共出版了七張專輯。
8、Talking Heads/Speaking In Tongues(Sire 1983)
這是Talking Heads 最具凝聚力的一張專輯，標誌著他們終於由一個70年代晚期鄉巴佬式的白人樂隊成長為具有國際影響的搖滾混血兒.
從CBGB的舞台到今日，他逐漸將純藝術的，學院派的朋克樂演變成為一種帶有商業訴求和可能的並且提升了的音樂形式，他們的每一張專輯都要表達了不同的思想與理念。《Speaking In Tongues》是其中最具獨立性的作品，這個團體在80年代早期結束了與先鋒音樂家Brian Eno的長期合作，開始了幾次獨立出擊，1993年的雙CD精選集還收錄了新歌「Sax And Violins」，這給了Talking Heads 最後的潤色，《Speaking In Tongues》打破了許多流行音樂的固有樊籬，將Funk和非洲音樂語言轉化成一種人人皆可欣賞的方言，「Bum Down The House」瀑布流瀉般的劃奏與喧囂緊張的演唱便是一個例子。
9、Sonic Youth/Daydream Nation(Blast First 1988)
聆聽這張專輯令你回憶起Sonic Youth曾經讓世界大吃一驚的那些日子，專輯中充斥著純粹尖利刺耳的嗓音和一些Sonic Youth最棒的歌。
當時沒有人認為他們會上MTV或是參加主流巡演，但Sonic Youth的確現出了自Stooges以來最為瘋狂的音樂，他們試圖提醒人們純粹的回授效果也不失為一種美妙的聲音。Sonic Youth的音樂適合夜深時分在黑暗的房間內欣賞，但《Daydream Nation》同時也展現了他們搖滾的一面，共時從U2到R.E.M到Neil Young(當然還有所有的Sub—Pop樂隊)中的每一個人都想進入Sonic Youth已在開拓的領域，但只有《Daydream Nation》貨真價實。
10、The Smiths/Hatful of Hollow (Rough Trade 1984)
這16首歌曲包含了「另類 / 獨立」音樂的所有美學要素：低技術的製作(很少甚至不用疊錄)以及貫穿著年輕人的恐懼，希望與夢想的誠摯急切的作品.
在英國The Smiths 熱潮的主峰時期推出的這張《Hatful of Hollow》實際是BBC電台節目的選粹，包括在這之前The Smiths 的推出的單曲以至附帶歌曲，這些新鮮簡潔的早期錄音呈現了The Smiths 寬廣的視角與豐富的想像力。 雖然Morrissey哀怨的歌聲吸引了大多數的注意力，但吉他手John Marr富有新意的歌曲結構與絕妙的降半高匹克吉他技巧也是這鄉長專輯的精華歌在；雖然每一首歌都堪稱佳作，但「Please，Please，Please Let Me Get What I Want」和「How Soon Is Now」更是佳作中的佳作。
11、The Cure/Staring At The Sea/The Singles
(Elektra/Asylum，1986)
回溯橫跨1979年到1986的那些年頭，《Staring At The Sea / The Singles》讓聽眾領略到了The Cure的演變，從漫不經心的朋克流行樂到哥特式的舞曲搖滾--一種由他們創始的樂風，在吉他手兼歌手Robert Smith的領導下，The Cure以另類搖滾王尊團體的身份出現，影響著從U2到Nine Inch Nails等諸多樂隊，在很長的一段時間裡，他們一直是唯一的單槍匹馬在主流樂壇衝殺的另類團體。
Smith偶爾流露出的流漫感，憂鬱的世界觀，充滿焦慮不安情緒的歌聲和纏結變幻的吉他演奏創造了The Cure的招牌聲音，這張唱片中的音樂讓價錢領略到力量、熱情和挑戰性，呈現出孤寂、社會疏離與絕望的色彩，並配之以令人聞之起舞的節拍。就在你感到被他們的音樂帶入地獄的時候，像「Lovecats」和「Close To Me」這樣的歌曲卻閃現了他們頑皮的一面。
12、Husker Du / Zen Arcade(STT，1984)
Husker Du 的《Zen Arcade》蕩滌了80年代中葉阻窒朋克搖滾發展的那種製作過份精緻的塵垢(但具有諷刺意味的是，這個團體最後也毀在這種塵垢之下)，這支來自明尼阿波利斯的三人樂隊創造了狂暴如火上澆油般的噪音，雖然容易使人對樂隊的真實風格產生誤解，但依然掩蓋不住他們令人過耳難忘的旋律性。《Zen Arcade》是前Grunge時期的Grunge作品--一種真實的，胡言亂語式的原創，向一代人傳遞著喪失理智的瘋語。
這一套兩張的專輯是一次錄音合成的，包括諸多經典，如鼓手Grant Hart的「Pink Turn To Blue」和樂隊領袖(現在是Sugar創始人)Bob Mould的「Pride」以及「The Biggest Lie」，還有「Reoccurring Dreams」和臭名昭著的「Long Song」(長達13分50秒)。純真苦澀的誠意，美妙響亮的聲音，《Zen Arcade》就像一枚來自天堂的炸彈在分崩離析的舞台上炸響。
13、The Minutemen /Double Nickels On The Dime
(SST，1984)
這張唱片集完美呈現了80年代中期SST公司所能提供的最好的搖滾樂，Funk、朋克、爵士、鄉村與垮掉的一代派的風格復合形成超過40首能改變世界的歌曲，專輯中的每一首歌和你以前聽過的東西都截然不同。僅僅是三個要好的朋友在車庫內即興唱奏就已經寫出「Political Song For Michael Jackson To Sing」或「This Ain't No Picnic」這樣的作品並取代了Steely Dan的地位。 Mike Waitt的貝司彈法可能會令Red Hot Chili Peppers感到興奮不已，而每一位吉他手都會去聽。D.Boon的「簡約」風格，這張專輯證明了搖滾樂令人驚異的個性。
14、Fugazi / Repeater(Dischord，1990)
引人注目的朋克搖滾新的中心是華盛頓特區，而Fugazi則是Dischord Records / Positive Force運動的領袖。他們的音樂時而律動，時而響亮，時而舒張，時而喧鬧，但一直不失政治性和攻擊力，Ian Mckaye可能不常搞沉重快速的作品，但是Fugazi的音樂絕對不容忽視。 你可能並不完全贊同他們的觀點和態度，但你不能否認他們做出了正直而不妥協的音樂。與眾不同--這正是另類音樂的全部意義所在。另外，Fugazi的唱片價格便宜--那你還顧慮什麼呢？
15、Jane's Addiction / Ritual De Lo Habitual
(Warner Bros，1990)
作為這個團體解散前最後一部長篇大作，Jane's Addiction的《Ritual De Lo Habitual》既是音樂上的突破點，又是搖滾樂影響流行文化的重要紀念品。
這張專輯包括這個團體的第一首成功的音樂錄像和電台熱門歌曲「Be Caught Stealing」，並且推動了這個另類搖滾運動領軍樂隊從地下狀態變成主流MTV的寵兒。就在這張專輯推出後不久，樂隊倍受爭議的領導者Perry Farrell宣佈了Lollaplooza的計劃，這是一場史無前例的新音樂、視覺藝術和自由思潮的交叉藝術展示。這張專輯與這場巡演引發了MTV領域無以倫比的大爆炸。如果說Jane's Addiction的首張同名專輯與在華納兄弟公司出版的《Nothing Shocking》被認為是傑出的音樂碩果的話，《Ritual De Lo Habitual》則在另類音樂國度留下了不可磨滅的印跡，其衝擊力對塑造思考的一代影響至深，堪稱里程碑式的作品。
16、U2 / War(Island，1983)
The Edge的招牌吉他音響與Bono情感熾熱的演唱已使U2成為最流行的搖滾樂隊之一。U2已經創作並錄製了一些真正偉大而動人的歌曲。但每聽到滿滿一個體育場的人一齊和唱「Sunday Bloody Sunday」總感到不舒服，因為很多時候人們只是跟著唱歌，其真正的寓意正在喪失。
17、Red Hot Chili Peppers / Blood Sugar Sex Magik
(Warner Bros，1992)
這張專輯是新生的Red Hot Chili Peppers最成功的商業突破點--與整個美國終於趕上這支樂隊加州衝浪式的Funk潮流之時
Def Jam的創始人和Beastie Boys的製作人Rick Rubin幫助Peppers發揮了優勢--主唱Anthony Keidis的靈歌式唱腔，新銳吉他手John Frusciante的搖擺風格以及貝司手Funk難以抑制的活力。The Peppers一直能夠擺脫Funk常規的束縛，並且在這張專輯中做得更自然更具活力。「Under The Bridge」、「Give It Away」和「Breaking The Girl」憑借十足的信心和強烈的慾望成為大熱之作，MTV這個「百萬流行」的晴雨表也給予了樂隊真正的支持，幫助他們把鍍了銀一般稀奇古怪的錄像放送到這個國度內的幾乎每一家。一個更有說服力的事實是，樂隊以前的公司在「Under The Bridge」風行之後僅僅幾個月便發行了他們的精選專輯--與R.E.M幾年後的回歸交相輝映。
18、Violent Femmes / Violent Femmes
(Slash / Warner Bros，1982)
表面上，轟鳴扭曲的吉他聲與憤怒的吉他聲與憤怒而具侵略性的擊鼓已成為成長中的Grunge一族的必修課，實際上，《Nevermind》是一張偉大的流行樂專輯，像「Smell Like Teen Spirits」就抓住了MTV時代人們的距離感和不滿情緒，但卻不失精彩的噱頭和出色的旋律--並且編曲上的精緻巧妙絕不輸於任何一張Beatles的專輯。同時Kurt Cobain的演唱與歌曲創作洋溢著天才與靈感，就長那些與他齊名的人也很少有如此泉湧才思，有不少人認為Nirvana不過是「一招鮮，吃遍天」，但只此一招便已為他們在另類搖滾史上贏得無可置疑的一席之地。
20、Devo /Q：Are We Not Men？A：We Are Devo
(Warner Bros，1978)
朋克和新浪潮宣稱否定搖滾樂的過去，Devo則將這宗旨發揮到了極致，這個自稱「自我演變」的團體用滑稽、理性的態度替代了搖滾樂的聲色犬馬和感情用事，他們更多借鑒了蹩腳的科幻小說的靈感而非搖滾學識。
事實上這張荒誕離奇的經典專輯的亮點是Devo對Rolling Stones的名曲「Satisfaction」故作生硬的重新詮釋，把一首對性渴望的讚美詩變成了乾巴巴的機械呆板的陳詞濫調。 正是這種冷嘲熱諷和幽默感構成了《Are We Not Men》的主要框架--而且在每一首歌中，Devo的機智與創意都被製作人Brian Eno打磨得光彩奪目，當時Devo是那麼嶄新和陌生，前途似乎不可限量，但也許是因為他們漢有像成功地再造他人音樂那樣再塑自我，這張稀奇古怪的專輯保存了Devo最出色的一小時。
6.每個專輯都像流水一樣，沒有任何停頓喘氣的機會，鼓手自始至終快速擊打，貝司和吉他發出巨大刺耳的爆炸聲，主唱的高低獸吼都讓人感到無法忍受，這是對人類聽覺系統的巨大考驗（摧殘），當你摘下耳機時，會有一種如釋重負的輕鬆感。
7.沒有性和毒品的成分。 「死亡金屬」是一代人憂慮怒吼，表明了青少年們有些不對勁。不管你父母怎麼討厭它，這是進入金屬暴力世界的最後一班火車。METALLICA樂隊同死亡金屬樂隊相比，他們只是大型現場演出的上帝和流行歌星；SLAYER遇上比他更具虐待狂性質的同名樂隊更算不上什麼...當你聽過死亡金屬之後，你回感到世界上所有其他的音樂都是輕音樂。
六、七年前，重金屬的商業化似乎注定要成為一種無思想、無方向的音樂，但是最近這幾年，一些受朋克影響、突破速度極限的樂隊（如METALLICA），成功地將說唱、瘋克的重金屬熔於一爐的 Faith No More 以及善於製造混亂的一群無賴 GUNS &ROSES 的出現成了搖滾舞台上的一種新實驗。但是，Grindcore的出現改變了過去「死亡金屬」的界限。 朋克音樂、核心音樂和「激流金屬」是通向「死亡金屬」天國的路標。「死亡金屬」是一種極端得無法讓人嚴肅對待的音樂。
這是一種賤民演奏給賤民聽的賤民音樂。它不僅用噪音、先鋒古典音樂、爵士樂和噪音拚命地刮你已起繭的鼓膜，還用放大器把它們放大，用一種絞肉機般的力量怒吼出來。極端的時代導致極端的力量，它把侵略和精神錯亂的概念用陰森的曲調吼出來，這是裡根/布什時代「無望政策」的音軌和基督徒前千福年的幻覺。 這是一種在音樂途徑上對敵意和覺悟充滿陰影的追尋軌跡。「憂鬱心境」（BLUE CHEER）、「黑色安息日」、「雷蒙斯」、「性手槍」、「摩托迷」（MOTORHEAD）和「黑旗」（BLACK FLAG）均為其嚮導。
這場革命最早是由一些先鋒而又有暴力傾向的樂隊開始的。「毒汁」樂隊---英國「新浪潮重金屬」的旁系私生子。在1981年的「歡迎下地獄」（WELCOME TO HELL）和1982年的《黑色金屬》（BLACK Metal）專輯中，建立起這種極端不協調的噪音、齷齪、陳腐的金屬和聲和充滿火藥味的陳詞濫調。就如「黑色金屬」（BLACK Metal）唱的那樣：「我們暢飲聖徒的嘔吐物，與垂死的娼妓尋歡，我們吸吮野獸的血，擁有地獄之門的鑰匙。」「沒有任何原因，這就是為什麼『毒汁』要組建。」康拉德.蘭特（CONRAD LANT）這位曾經是「毒汁」的貝司手兼主唱現已組建自己的「克洛諾斯神」（CRONOS）的樂手如是說：「我年輕時是個朋克，專聽『性手槍』、GBH和沙姆69（SHAME 69），那是我生命中最暴力的時期，剃光頭，吸毒什麼都干。當英國重金屬的新浪潮開始時，我開始蓄髮，但一段時期後，我發現這完全是一堆垃圾，我指的是『鐵女』（IRON MAIDEN）、『撒克遜人』（SAXON）、『薩普森』（SAMPSON）等樂隊。我覺得該剃掉頭髮，重新變成朋克。
『毒汁』想做的就是讓朋克重新回到樂壇，所以我們把極端的音樂、所有的陳詞濫調、大型演唱會、皮夾克等等仍進了一個大熔爐，滴出來的就是『毒汁』」。 這種強烈的嗜血欲啟發了瑞士噪音噩夢者「地獄之錘」（HELLHEMMER）樂隊的領隊湯姆.G.沃裡奧爾（TOM G.WARRIOR）（當時被人稱為惡魔屠夫）組建了「冷酷的凱爾特人」（CELTIC FROST），該樂隊1985年的《TO MEGA-THERION》可能是最早的先鋒金屬專輯，其中運用了大量急速刺耳的伸縮喇叭奏出的邪惡的金屬和聲。讓我們看看「毒汁」都浸透到了什麼地方：在德國，有「摧毀」（DESTRUCTION）、「鐵天使」（IRON ANGEL）、「所多瑪城」（SODOM：因邪惡而被上帝毀去的城市）和「創造者」（KREATOR）；在洛杉磯有早期的「金屬」、Megadeath、「黑暗天使」（DARK ANGEL）和「殺手」；在巴西有以速度著稱的「埋葬」（Sepultura)；在芝加哥有「主人」（MASTER）；在魁北克的Voivod樂隊創造出一種近似荒蕪星球的聲響；在舊金山海灣地區有「出走」（EXODUS）和「著魔」（POSSESSED）。每一種新嗓音，就音樂而言，都比他的前任更顯極端---從POWER METAL到THRASH METAL到BLACK METAL到DEATH METAL。
離伯明翰兩個小時路程的諾丁漢，是GRINDCORE的搖籃，「耳痛」唱片公司---懦霾?勞黿鶚艫某???揪蛻柙謖飫鎩８霉?居滌寫蟛糠鍾杏跋斕募?酥饕逭擼?綬鷴蘩開鑭摹八勞銎?偷?保∟APALM DEATH）、「恐怖天使」（MORBID ANGEL）、利物浦的「屍體」（CARCASS）、瑞典的「埋葬」（ENTOMBER）、考文垂的「黑色安息日」的效仿者「大教堂」（CATHEDRAL）、工業噪音式的死亡金屬「上帝之軀」（GODFLESH）和無數冠以GRINDCORE名稱的樂隊。「耳痛」唱片公司的老闆迪各比.皮爾森及其屬下樂隊成功地製作和發行了給主流搖滾「極大震驚」的過於野蠻的音樂。如「恐怖天使」1989年的《瘋狂祭壇》（ALTARS OF MADNESS）、「屍體」樂隊1991年的《NECROTISM??DESCANTING THE INSALUBRIOUS》、「埋葬」的《暗中的恐懼》（CLANDESTINE）、「大教堂」的《GOD OF GRIND EP》、「上帝之軀」的《街頭清除不良分子》（STREET--CLEANER）等等，無疑是該公司極端經典之作，「死亡歌迷」必寵之物。其公司的名字用意很明顯，GRINDCORE十足的耳痛音樂，如果你覺得這種音樂吵的話，那只能說明你太老了。當這種讓人感覺自己年輕的音樂引起越來越多的人狂熱喜歡時，這表明許多樂迷對一天24小時，一周7天不停播放的標準搖滾樂，如AC/DC、「槍炮與玫瑰」最新的作品已感到厭倦，他們希望聽到更符合他們想法和感覺的音樂，GRINDCORE無疑是最好的選擇。
對GRINDCORE這一名稱的命名並加以系統闡述的是「死亡汽油彈」的最初成員沙恩.安伯裡（SHANE EMBURY）。「GRINDCORE現在已被承認是『急流金屬』的延伸，與此同時，我也一直認為這種音樂會變得流行起來，會影響到許多人，而且他對我來說是種離奇的美。就在這種聲響開始起，我們就完全進入了來自波士頓的「冷酷的凱爾特人」、「圍攻」（SIEGE）等核心樂隊、一些核心和『死亡金屬』樂隊和一些像早期『天鵝』（SWAN）這樣的工業噪音樂隊，所以，我們可以給這些事編一個大網，至少每小時可以編100英里。」GRINDCORE綜合了THRASH METAL、核心音樂和工業噪音的基本成分，GRIND一詞來源於看樂隊演出時常用的一句話：「THAT GRINDS！」（真折磨人）。除了速度因素，GRINDCORE與美國的核心樂隊，如「圍攻」「衝擊單元」（IMPACT UNIT）或「深創」（DEEP WOUND）的音樂並無多大區別。「死亡汽油彈」從早期「死亡金屬」中受到一定影響，並運用了早期紐約噪音樂隊「天鵝」的一些觀點，兩者結合起來就是GRINDCORE，但這個詞究竟如何解釋，誰也說不清楚。
「死亡汽油彈」樂隊1982年成立,是當時許多「極度」（CRASS）樂隊的模仿者之一。它是反對撒切爾政府的朋克雄辯家。1986年，「死亡汽油彈」推出第一張專輯《人渣》（SCUM），是一部暴烈的二十幾首由30秒一首歌組成的超音速衝擊波，最典型的例子是3秒鐘長的「你受罪」（YOU SUFFER！），大音量噪音??然後主唱李.多利安（LEE DORRIAN）大吼一聲「YOU SUFFER！」結束。強烈的加速度金屬和聲，使這張專輯獲得了一致的好評，並取得了十分有影響力的銷量，迅速獲得了「世界上演奏速度最快的樂隊」的名聲。「耳痛」（EARACHE）唱片公司（一個專門出版「死亡金屬」唱片的公司）的領頭人迪格比.皮爾森說：「這張專輯出來的絕對是時候，核心音樂依舊強大，但在這類樂隊的音樂中加入了真正的開了刃的重金屬樂還是第一次。其速度已完全超過了人們多能接受的程度---這就是『死亡金屬』的特質所在。他們僅僅把核心音樂和金屬樂放進了一個加速器，沒有人能相信它的結果會是這個樣子。最基本的，一些唱片公司在「汽油彈」的最初籠罩下誕生，『汽油彈』的成員出出進進，『上帝之軀』、『屍體』等都有『汽油彈』的成員 ，『汽油彈』是整個這類唱片公司的中心。」
對於那首3秒鐘的「你受罪」，貝司手沙恩.安伯裡說：「這是幫助我們面對生活方面問題的一種奇特事物。」他是在該樂隊呆得時間最長的成員（1987年入隊），「我不想成為早上9點上班，晚5點下班，一周工作6天的普通人，我需要發洩自己的能量，音樂能幫助我。」「死亡汽油彈」的成員不固定，現在的陣容是美國吉他手傑西.平塔多（JESSE PINTADO）、米奇.哈里斯（MITCH HARRIS）、鼓手丹尼.赫雷拉（DANNY HERRERA）、貝司手沙恩.安伯裡和主唱巴內.格裡格維（BARNEY GREENAWAY）。但這個陣容明天可能又是另一個樣子。他們的歌比以前稍長了點（也就3、4分鐘），但簡潔的風格依然貫穿於各張專輯，直至其專輯《流放烏托邦》（UTOPIA BANISHED）。「死亡汽油彈」的大部分成員來自英國工業重鎮伯明翰，它是英國噪音的搖籃，「黑色安息日」就是在這裡的酒吧崛起。
與此同時，80年代初的佛羅里達那塊長滿棕櫚樹的荒涼之地。突然成為汽車代理商、快餐店、超級市場和一些有錢的白癡趨之若騖的地方。塵世與音樂密不可分，佛羅里達在這幾年裡爆發出比正常比例多得多的恐怖噪音,原因是佛羅里達是眾所周知的老人州，是度假和有錢闊佬養老的去處，所以他們想唱唱這些行將就木的活死屍，而且炙熱的天氣也使音樂裡充滿熱量。這是一種新型的中產階級朋克搖滾，一種在核心音樂之後產生的新挑戰！「朋克搖滾仍有市場。」紐約的 BRUTAL TRUTH 主唱 KEVIN SHARP 說。他是《金屬狂》和《陳述》雜誌的記者。「死亡金屬與朋克之間有許多共同基礎，許多相同的憤怒情緒。」「恐怖天使」的大衛.文森特贊同這種說法：「這是同樣的挑戰，只是死亡金屬在音樂上更勝一籌---就像當年『黑色安息日』一樣。」
。」 你無法指摘當時只有15歲，現在24歲的 CHUCK SCHULDINER ，這位無可爭辯的「死亡金屬」之父需要製造一點噪音，或者說原始叫喊療法。在佛羅里達的金屬樂隊SAVATAGE、NASTY SAVAGEA 的影響下，舒爾迪那綜合了前「死亡金屬」樂隊「地獄之錘」和加拿大瘋狂速度金屬樂隊「鐵砧」（ANVIL）和「興奮者」（EXCITER）各自的特點，並滲透了一點丹麥神秘主義者「恩賜命運」（MERCYFUL FATE）樂隊的反宗教意識，組建了自己的「死亡」樂隊，其宗旨非常簡單：「成為世界上最重最快的樂隊」。早期「死亡」的示範作品「因金屬而死」（DEATH FOR METAL）、「地獄死亡」（INFERNAL DEATH）和「損壞」（MUTILATION）為樂隊（主要是舒爾迪那）贏得了一系列合作者。隨著地下音樂唱片商和樂迷的增加，「死亡金屬」漸漸成為時尚。該樂隊早期專輯1986年的《血淋淋的尖刺》（SCREAM BLOODY CORE）和1987年的《麻風病》（LEPROSY）的影響是不容忽視的，它建立起黑暗吉他音調的標準。但樂隊組建不久，舒爾迪那就蒙上了「簡直難以共事」的惡名，這使得他失去了「死亡」樂隊應得的成功。該樂隊出版了一系列技術精湛的專輯，如1991年的《人類》（HUMAN）。舒爾迪那本人否認難以共事的惡名，「人們會驚奇並取笑，因為他們發現我是多麼地難以置信的平常。我非常喜歡普通生活，像遛狗、做飯、看電視、郊遊、划船，都是些美好的事情。從不做傷害人的事情，我喜歡動物，甚至想成為獸醫，也許會弄塊地，種點蔬菜什麼的。」
死亡金屬作為一種「亡命徒」式的音樂，也許很吸引人，甚至出乎意料地吸引大批聽眾。這樣，反過來會左右唱片公司，左右死亡金屬音樂的發展方向。雖說死亡金屬是「亡命徒音樂」，但在90年代，一切都變得不可思議，洛杉磯90%的樂迷似乎都開始聽死亡金屬或其他重一點的音樂了。在這種環境下誕生了越來越多的死亡樂隊。
從BLACK SABBATH開始死亡金屬的核心內容就被定義為世界末日和魔王的降臨，其最忠實的支持者及其中心人物是魔鬼撒旦，越來越多的樂隊以次為題材，走上死亡的道路。佛羅里達樂隊「殺神者」（DEICIDE）1992年專輯《軍團》（LEGION）中的一首「超越先知」（BEHEAD OF PROPHET）用瘋狂的速度表達了反宗教的憤怒，就像羅馬教皇的一顆毒瘤。這是一種「惡魔主義」，也是更加邪惡的預兆。「殘酷的真理」（BRUTAL TRUTH）的凱文.夏普（KEVIN SHARP）對此有理性地分析：「當然，這是一種安全的反叛方式，沒有什麼可怕的，撒旦不會真正實現。」總之，這確實表明一種「自我確認」合法化的意識，並非去做《魔鬼聖經》中要求做的事。而是做一些把你的靈魂從宗教權利、衰微的中產階級陰影中拯救出來的事，「無望文化」的唯一出路就是死亡。就像一些人真的相信2000年世界毀滅的預言一樣。
1984年由吉他手特雷.阿澤格索恩（TREY AZAGTHOTH）和理查德.布魯內爾（RICHARD BRUNELLE）組建的「恐怖天使」不折不扣地表現出一種凶狠、殘暴、野蠻的風格。「阿澤格索恩」，名字取自蘇美爾人的戰爭之神，他以在舞台上自殘出名。他經常在舞台上折磨自己並喝自己的血，他宣稱自己是300年前的吸血鬼，但他又說：「當我在舞台上做一些我想做的事，並不是出於炫耀和招搖，這只是我的個性表現，如果想喝我的血，那麼我就會去做，我不會覺得有什麼奇怪，我不過做些很平常的事而已。」「恐怖天使」現在對樂迷來說已不陌生，《瘋狂的祭壇》中的單曲「小禮拜堂裡的食屍鬼」（CHAPEL OF CHURCH）中主唱戴維.文森特（DAVID VINCENT）以十足的惡魔形象吼出一句「笨蛋，上帝已經死了！」但與他談話時，他更像是談論一場革命而非尋找撒旦，他對記者說：「我以為人們對流行的東西已感到厭倦，就像我們看到的，在政治和教育體系中趕潮流並非最佳途徑一樣，唯一的出路，就是違反一點本性，有時這會討人煩，音樂就反映了這一點。
阿澤格索恩和「恐怖天使」走向一個極端，但比他們更極端的是「屍體」。這支樂隊由原「死亡汽油彈」吉他手比爾.斯蒂爾（BILL STEER）挑頭，他們晦澀的GRINDCORE的音樂碎片與帶有爭議性的歌詞恰當地融合在一起，「屍體」的有些作品的名稱可能是搖滾史上最難以理解和讓人感到不安的，如「內寄生蟲的屍體孵化器」（CADAVERIC INCUBATOR OF ENDOPARASITES）、「惡性傳染在下賤的大眾中散佈」（SWARMING VULGAR MASS OF INFECTED VIRULENCY）和「表皮脫落的腹腔發射」（EXCORIATING ABDOMINAL EMANATION ）等等，舉不勝舉。斯蒂爾回憶說：「當我們在1987年組建樂隊時，當時的樂隊都在寫些爭議歌詞，但那僅僅是些類似恐怖電影的歌詞，對我們來說，這毫無意義，它無法對觀眾產生衝擊力。我們要向人們介紹一些現實主義的東西。很顯然，也存在一些幻想因素，因為有些想法過於誇張。但同時，它的根植於現實，這就是我們為什麼要使用一些醫學術語。而且我們認為這是幽默的因素所在，我們不擔心當時為達到某種喜劇效果而模仿我們自己。」
最具創新精神的是「上帝之軀」，這支樂隊的頭面人物是吉他手賈斯廷.布羅德裡克（JUSTIN BROADRICK）（他也曾是「死亡汽油彈」和「HEAD OF DAVID」的成員「，這支樂隊把令人生厭的吉他段落和奇怪的唱法以及毫無感情的機械節奏編排在一起，但卻具挑戰性，它的聲音是GRINDCORE美學的典範。儘管這支樂隊與其他樂隊有著同樣的背景和經常在一起巡迴演出，但著並不意味著這支樂隊和其他樂隊一樣。事實上，「上帝之軀」在「耳痛」公司常常以一種咄咄逼人的姿態與其他樂隊相對立。布羅德裡克說：「公司的許多樂隊很極端，但很糟糕。這只是一種感覺，我們感覺我們不是那種金屬樂隊。『屍體』的音樂是強大的，但缺乏真正的方向，他們唱的東西毫無實際意義，我以為我們的音樂看得很遠，其他那些樂隊已發展到了邊緣，風格已成了局限。死亡金屬代表一個時代，而且我更喜歡它的原動力，但現在卻成了笑料。我不想說『上帝之軀』實際上只做了一些極端的事情，我認為我實際上應該在GRINDCORE的聲音上做出點實踐。這就是為什麼我認為那些樂隊不能持久下去的原因。」
另有一些樂隊比較特殊：英國的「失落的天堂「（PARADISE LOST）樂隊的專輯《哥特式》（GOTHIC）已帶有「仁慈姐妹」（SISTER OF MERCY）樂隊的風格；新澤西的OLD[原名叫「老婦人司機（OLD LADY DRIVERS）]樂隊開始接受日本「無浪潮」（NO WAVE）樂隊「廢墟」（RUINS）和「沉悶」（BOREDOMS）的影響。
無數其他樂隊偏向工業噪音樂隊「上帝之軀」和「內閣」（MINISTRY），甚至連一向以死亡節奏著稱的「生死簿」（OBITUARY）樂隊都感到有發展的必要。特雷弗.佩爾斯（TREVOR PERES），這位世界上唯一穿「檸檬頭」（LEMONHEAD，一支新出名的POST-MORDERN）T恤的死亡金屬吉他手認為：「我們需要一些新的想法，像『我血淋淋的情人節』（MY BLOOD VALENTINE）樂隊所做的，很重，很野蠻。」巴西的超級死亡金屬樂隊「埋葬」（SEPULTURA）已與EPIC唱片公司簽約，似乎準備打入主流市場。 薩克斯手約翰.佐恩（JOHN ZORN）是一位很可靠的指示者，他與赤裸城市（NAKED CITY）、「止痛片」（PAINKILLER）等樂隊合作的作品被「材料」（MATERIAL）、「上帝之軀」和「死亡汽油彈」的成員所稱讚。佐恩已承認日本核心樂隊S.O.B對他有一定影響。他還特地去日本待了一段時間，與UFO（UNITED FUTURE ORGNIZATION）樂隊，「死」（DIE）樂隊的歌手YAMASUKA EYE、「廢墟」樂隊的成員、噪音吉他手KEIJI HEINO切磋音樂。每一個與佐恩合作的人，在他看來都是一件樂器，從「超速度青年」（SONIC YOUNG）的吉他手瑟斯頓.穆爾，到「信仰破滅」的邁克.帕頓，到「殘酷的真理」的凱文.夏普。夏普這樣評論佐恩：「他是個瘋子，他最奇妙的一點是把先鋒派音樂完美地融進核心音樂和死亡金屬音樂中。」
以後怎麼樣？誰也不知道。誰會在埃爾維斯搖屁股的時候想到以後會有「黑色安息日」這樣的樂隊出來，摧毀了整個關於節奏與布魯斯的概念；誰又會想起「性手槍」、「黑旗」和約翰.佐恩？也許人的創造力和接受能力是無限的。讓我們想想，「涅磐」已到達了4白金，「金屬」樂隊的唱片已超過了5白金，若在幾年前，誰又會信呢？
搖滾分類
Black Metal 黑色金屬
以邪惡、異教崇拜以及撒旦思想為其主要訴求，通常在歌詞含有反基督、反宗教的傾向即被歸為黑金屬，除了傳統重金屬固定樂器之外，經常會使用其他樂器如鋼琴、小提琴，或歌劇的女高音，在歌曲中營造出一股詭異又嚇人的恐怖氣氛。「黑金屬」以來自北歐的重金屬團體最具代表性。 代表性樂隊：Emperor, Mayhem, Enslaved, Dark Funeral
Death 死亡金屬
樂風以「鞭擊金屬」或「碾核」為其背景演化而成。電吉他快速的反覆，幾無旋律的和弦，速擊狂踩的雙大鼓，主唱咬牙不清的低吟狂吼，歌詞以死亡仇恨為主題，充滿了屍體、內臟、肢解、分屍、奸屍、戀屍癖、食屍、虐待等變態字眼。「死亡金屬」以來自佛羅里達州的重金屬樂隊最具代表性。
代表性樂隊：Death, Carcass, Cannibal Corpse, Suffocation
無 題
--評兩首有代表性的迷幻樂
作者：朱巍
搖滾樂（廣義）是一種很特殊的表達形式，它並沒什麼神秘，它也並不能怎麼樣，它不會使你更聰明，更富有，更有毅力，它只是為你提供一種看待事物哲學。如果你覺得你能用搖滾樂的表達方式找到精神上的勝利，那麼你就會喜歡搖滾樂。如果你現在或者曾經喜歡 PUNK（朋克）或ACID（迷幻），並以之為精神支柱，你一定會產生許多的感受，這些感受也許會和作者或運動倡導者不謀而合，但更大的可能性是他們可以理解但從未產生過你的感覺，這就是搖滾樂所要達到的效果，它是一個由有限個創作動機組成的混合體。它可以激發你的靈感，你的潛在的感覺 。ACID中最具代表性的是「THE DOORS」的「LIGHT MY FIRE」和「THE GRATEFUL DEAD」的「THE OTHER ONE」。如果你對ACID沒有認識，沒有興趣，那麼你所聽到的是兩首冗長的，思路混亂的，每一種樂器都很糟，很幼稚的曲子，無論是鍵盤和吉它SOLO都沒理由存活那麼長時間，因而它不能使你產生激情，只能使你厭倦。
而事實上，一個ACID愛好者所感受到的卻截然不同。就好比一個德國人和一個中國人同時聽中文，雖然他們所接收的客觀聽覺信息是一樣的，但感受都完全不同。聽前一首歌曲，ACID FUNS會感覺到其中有很多缺漏的地方，很多地方明顯單調與不平衡，他們所作的是情不自禁地填補這些空白，缺陷，而不是去把錄音機關掉。每一次「填補」都不會一樣，因為那是你即興發揮的，而這也正是作者的目的－他們只是提供了創作的動機，而剩下的東西就需要聽眾利用自己的想像去完成，不同的聽眾會根據自身情況任意地表達，發洩，可以把它想像成不同的東西。一個ACID吉它手絕不會去扒「LIGHT MY FIRE」，而只會利用「LIGHT MY FIRE」動機激發他自己的靈感去創作和「LIGHT MY FIRE」不同的，新的東西。
而那首「THE OTHER ONE」則是一首更優秀的作品。全曲長達18分鐘，基本上是一些雜亂的音符，彼此聯繫很不緊密，甚至有前後脫節現象。事實上，它的每一個處理都那麼驚人的巧妙，機智，就像一部優秀的偵探小說，其中提供的信息有些是真正的線索，而也有很多是混淆視線的，它們同樣不可缺少。 「66-3566-3566-i5」是全曲的主題，也是作者的創作動機。如果作者就只一味地演奏它，那麼它就會變得沒有一點魅力，同時也難以滿足作者的創作慾望，所以作者用17分半鍾作為陪襯，使主題出現達到一種噴發的效果。主題在中前段出現，然後便是各種變奏曲，有的隱藏了後兩小節，有的只表現後兩小節，還有的是很游離主題的變奏，整個變奏部分即興發揮的地方斑斑可見，作者根據主題即興地發展了各種變奏，而最終回到了主題。作者一遍又一遍，不厭其煩地使主題忽隱忽現，你可以體會到一種壓抑，一種壓抑下產生的反思維的，自嘲的快感。直致最後，作者才徹底地，毫無保留地再現了主題。這首作品最動人的地方並不是主題，而是那些變奏，是作者為最大程度表現主題所作努力和作者的才華。
重溫Punk時代的經典嚎叫
評唱片合集《1-2-3-4：Punk & New Ware 1976—1979》
「1977年，沒有貓王，沒有披頭士,沒有滾石」。朋克們曾經這樣叫囂過.20年過去了，這些明日張膽的反叛者們已如劃過天際的隕星般消失了。現在由朋克樂上聲名卓著的無政府主義者、反基督徒、三和弦論的偏執狂們所組成的經典級的朋克和新浪漫樂隊被濃縮成一套5張CD的合集和一本48頁的小冊子——(1—2—3—4：Punk＆ New Wavel976一1979)(以下簡稱《1—2—3—4》)，由環球剛剛推出。 憑借其選曲及文字資料編撰所倍守的朋克信條和專輯質量，《1—2—3—4》可稱得上一座神珍型的朋克樂的盧浮官，儘管它的製作者也坦言由於版權上的一些障礙，少數重要曲目未能收錄，但這本附5CD的有聲書籍仍為我們奉上了100首曲風、情緒各異的朋克藝術品：從編曲結構精巧嚴謹的 Television的《Marquee Moon》(月亮帳篷)到怪誕而充滿黑色幽默意味的 The Not Sensibles的 I'm In Love With Margaret Thatcher」(我與瑪格麗特·撤切爾相愛)幾乎囊括了朋克樂的每一種曲風，也許某些那個時代遺留至今，仍活於世的老傢伙們會羅列出另外100個樂隊的名字來代表那個時代，但這對於那個搖滾樂繁榮多產的時代來說，並不能構成某種指責。況且，難道歷史還能再重現一個那樣的三年來湧現出如此之多驚世駭俗、才華橫溢的怪才，充滿靈感的機會主義者，光榮慘烈的失敗者和討人歡心的天才騙子嗎?雖然朋克和新浪潮音樂也會週期性地再次浮出地面，但再也不會如朋克革命時代反叛得那樣粘稠徹底了。那一時代有一些輝煌的名字(The Sex Pistols、Blondie、Stranglers等等)在音樂史上刻下了永恆而隨意的一筆。幾乎每一張朋克搖滾合輯總會近乎無恥的憑借打出這些響亮的招牌來聲稱「這是一張朋克搖滾的精選輯」，而《1—2—3—4》中不僅收入了這些人盡皆知的人物，更將那些被人們所遺忘了的傑出藝術家們的作品第一次收錄到 CD中來。
又一個值得叫好之處是製作者在包裝上突髮式的靈感和創意可圈可點。我們原以為又將看到一件拙劣的偽Jamie Reid式的粉黃色的玩意兒，也許還會有勒索性的文字和矯揉造作的裝飾性別針。但意外地，我們看到一隻很酷的，瀰漫著邪惡氣息的黑盒子，帶有銀色的金屬鈕扣徽章，它提醒我們這是一個社會制度日趨規範、完善的時代，根源純粹的朋克理念比多愁善感的懷舊倩結更值得人們去注意、去沉思。追溯音樂史上的每一種風格盛行之後，最終都只遺留下一些陳腐糜爛的感官娛樂的殘渣，朋克樂也不例外，我們應感謝這套精緻的合輯，它把人們的眼光開闊到了更源遠的搖滾年代，加深了人們對朋克樂的理解。
對那段音樂史的時間劃分是令合輯製作者頭痛的問題，合輯中按從1976年最早發行 The Damned的 New Rose和 The Sex Pistols的「Anarchy In Uk」單曲所引發的朋克風暴做為開始,由此可見，製作者有著明顯的偏英傾向，其時美國的朋克樂早已起步並發展起來。雖然它和英國朋克有著某些風格前衛性等細微差異，但搖滾史上仍將美國的 The New York Dolls、The Mc5等定義為朋克，然而正如製作者自辯所說，他們總得從什麼地方開始，從英國的標準來看，毫無疑問朋克起始於「New Rose和「Anarchy」，若有人要尋根問底的遷就大眾口味，也許還要算 Canvey lsland的「Dr Feelgood」，總之從Crass和他們的無政府主義追隨者們到 Cockney Rejects和 Oi!樂隊，截止於1979年此音樂合輯僅拴釋了與當時其它一切音樂所格格不久的朋克樂，然而又一次如同搖滾樂工業炮製的一架機器，在縣花一現之後，朋克樂從那時起在本意上已經滅亡了。原因是朋克的實質在於它的革命性而非藝術性，時過境遷，一切都會改變，即使是旋律性強，節奏更加輕快得意的朋克版本——新浪潮音樂，到了1980年也如朋克一般被冷落遺忘了。
合輯的製作沒有生硬地依照年代的順序而是將各種歌曲依其風格、情緒、思想的類同自然地結合成五部分，這樣製作使每一部分都保持獨立性和完整性，給聽者留下了極大的感知和思考的空間，不管是質樸簡單的早期朋克樂還是多元化的先鋒實驗派朋克樂都是如此，我們不可能無視朋克樂在美國的發展，因此合輯雖沒收錄New Wave的領袖Talking Heads卻也囊括了重要的朋克「基督」Ramones(B1itzkring Bop)。瀰漫著浮華商業氣息的 Blondie(Rip Her To Shreds)、迷失雕像一般冰冷的 Johnny Thunders(You Can't Put Your Arm Around The Memory)，硬核朋克的先鋒「Dead Kennedys」(Califonia Uber Alles)。但不可否認這個「朋克盛會」中有兩個遺憾得有些悲壯的缺席：Patti Smith是其中之一，其二是The Fall樂隊，用The Fall的靈魂人物 Mark E·Smith的話來說「那是一種羞辱，因為Punk神話中的重要章節被打劫了。」(John Lydon的倫敦哀嚎深深地雕鑿在他們的腦海中，英國的街頭朋克們從倫敦佬的諷刺畫中掠奪般的尋求靈感)，另一個疏漏之處是The Police：儘管在嬉皮藝術家的圈子中他們被公開嘲諷為朋克庸品，但「High Street Brltain」仍是很有影響的作品，那是能使他們進人這個整體的唯一的東西。然而更令人惋惜的是CD中甚至連Joe Jackson和Squeeze都收錄了，但始終沒有出現Elvis Castello。沒有人能像他那樣用 New Wave特有的豐富情感和對朋克敏銳的洞察力將朋克由沉默含混的不滿導向清晰亮麗的表達。
然而我們還是可以看得到製作者們取得了多大的成功：這是一次十足的朋克樂盛宴，早期的經典歌曲中「Energy」隨處可見。所以「Energy」一詞就被那些昔日的流行明星們在接受來訪時頻繁地從他們的如簧之舌中噴洩而出。他們其實痛恨朋克，又怕自己落伍，於是以此粉飾他們虛偽的本質，這是朋克們送給衛道者的一個露骨的玩笑，於瘋狂的喧囂之後隱藏著一絲淡漠的冷笑，這正是朋克們的幽默之處，其中理所當然的蘊含著對這些衛道者們的怒火，這些淵源於70年代後期以英國為典型的西方主流社會全體性的對無產階級朋克及其文化的極端壓制，大部分抗議可表現在來自上層的流行樂手的肉麻可怕的表演：Noel Edmonds和Dave Lee Travis向男人們宣揚波浪式卷髮和大鬍子的高雅姿態。朋克運動作為西方文化的一次時代性的痙攣，直接顛覆了六十年代的經典搖滾樂。從倫敦走出了The Clash和Pistols，振臂高呼之下，街頭巷尾都張揚著對暴動的祟尚，警察遍佈英國的每一個角落，死氣沉沉的電台中充斥著 Queen、Rod Stewart、Elton John、ELO和The Bee Gees的麻木聲音(他們中的所有人在今天都得到比昔日更高的評價，這無異於送給那些認為他們是文化「皮諾曹」的人一顆苦果，但無法阻止)。曼徹斯特誕生了 The Buzzcooks、Northern Ireland、The Undertones和Stiff Little Fingers，英國西南地區出現了Penetration和The Angelie Upstars等樂隊，朋克革命之火烽煙四起，騷亂天天都在升級。
終於沒有太多的新意可尋了，儘管年輕的音樂家們仍宣揚獨立鮮明的個性，但事實上他們的音樂已干篇一律，如同機械地走過的閱兵隊伍中的一個兵團， The Pistols、Clash和Ramones這樣唱,於是從Truro到Berwick—on—Tweed的每一支樂隊也都這樣唱，幾乎沒有人能嘗試著做出與眾不同、令人興奮的東西來了。琴技高超的少年都裝作是把和弦統統忘光了的吉它手，否則這場革命中的每個人都會把他當做「激進搖滾」貴族來當眾批鬥訴罵，朋克之聲變得極度的蒼白、快速、僵硬，朋克們將眼睜睜地看到從reggae樂開始的一條鴻溝把他們與時代徹底的隔離了——儘管他們特別欣賞正直的激情——卻絕不可能去效仿那種風流和沉緬肉慾的音樂。具有諷刺意味的是，大多數朋克樂手對「機器人般」的電子樂懷有強烈的反感，主要因為他們是偏執、狂想情緒的代表，而在這些朋克樂隊中獨樹一幟的Joy Division推翻了這一套，通過對深層潛在意識的發掘，引導他們自己成為了電子舞曲的一代宗師——New Order.
當涉及有關男女情愛的話題時，朋克不再偉大了，朋克男孩兒們對愛情的感覺是那麼的遲鈍笨拙以至於他們僅為了單純的迴避這一話題而輕狂的排斥100年來的流行音樂的傳統主題，其後朋克樂生長出了才智的羽翼，女權主義者來了。她們是 Raincoat、The Slits和 Au Pairs這些個飽經創傷的朋克女孩兒，但她們也沒有涉及到「性」的主題，這類歌曲中有一首名為「Sexual Politics」的並非十分出色的作品，卻打動了朋克權威雜誌《NME》，頗受好評。另一方面，朋克樂為那些富於機智而才華橫溢的歌手提供了大量機會：Tom Robinson、Ian Dury、Jonathan Richman、John Cooper Clark由此成名，在《1—2—3—4》中，我們處處可聞那些傑出歌手在第一次嘗試中出色的表現：「Riff Raff」中的 BillBragg、「The Nips」中的Shone MacGowan、「The Killjoys」中的Kevin Ronland等等。這一套合輯中的第5張CD給人感覺似乎在尋找著朋克樂的出路——是低調的心情浮躁(The Monochrome Set)?是吸食藥物後的冥想(The Only Ones)?還是啞劇般的愚不可及(Adams＆The Ants)?這個群體中有一部分人找到了，絕大多數卻陷入迷惘、因為他們從沒有想過：朋克絕不是一種職業，在這100位藝術家之中，也許只有 The Cure樂隊的 Robert Smith和TheJam樂隊的Paul Weller在漫不經心的漠視著這個巨大而機械的音樂工業，同時玩著他們自己的晦澀暗淡而淒美的音樂，無論贏家還是輸家，都被時光的流逝所沖淡，再也不重要了，而要緊的是他們曾做的那些事構築了那個時代，而那個時代也給他們留下了一些珍貴的東西，使他們可以講述自己的故事，樂此不疲，這就夠了，這就是一種快樂。
向大師致敬
- -曉 峰
唱片業賴以正常運轉的基礎是它作為一種工業能更大程度地給本身帶來更多的利潤，而這利潤的獲得是它能製造出更多的在市場上換來金錢的唱片。如何讓唱片在市場上更快地換回金錢，這是商人們每時每刻思考的問題。作為主要面對青少年市場的唱片業，它能堅持的原則就是這些唱片必須符合他們的口味、心態，而且還要不停地為換花樣地堅持這一原則。
這是一個相當艱難的課題，它必須是具有目的而不是想當然地炮製，它必須經過嚴格地預測和科學的可行性研究，分析一種計劃在市場上的可行性，在萬無一失的情況下如法炮製，稍有一念之差，就可能前功盡棄。
但人的能力畢竟有限，即使是科學的預見和分析也達不到絕對的程度。因此在唱片界經常出現這麼一種情況：有些為市場拋售的唱片往往沒有市場，而某一種風格的歌曲莫名其妙地流行起來，某一種形象的歌手突然受歡迎起來，某一種形象的歌手及其一種風格的歌曲成了熱門，進而成了一種時尚、潮流。
分析家、評論家來說，他們完全可以憑借自己的判斷、分析力去解釋，總結出一種現象出現的背景(社會的、經濟的、人文和乃至人為的)及前因後果，他們會講出許多各執己見的道理，他們很容易解釋、分析「英國入侵現象」、「朋克運動」、「非主流現象」、「不插電風格」……等等。而對於另一方面——在不知不覺中製造出這種現象那種運動的唱片業來說，儘管他們在事先分析、預見工作是很完善的，但結果總要超出他們的想像。在科學的預測之後總是沒有把握地冒險行動。實際上唱片界從未有過在這一種潮流出現之前預示到它要發生。他們總是在圍繞著「利潤」的前提去制定自己的計劃，在某一種現象由於唱片界與社會發生的多種行為造成之後而利用這種現象大撈一筆而已。
當唱片商發現某一種唱片在市場上非常走俏時，出於利潤指標的壓力，他們首先考慮研究的不是為什麼它會走俏，而是如何炮製出第二張類似這樣但又不完全是這樣的唱片。如果他們做了，並確實達到了預想的經濟效果，那麼肯定就會有第二家、第三家……步其後塵。這樣，一種所謂的風格、現象、潮流或是運動就出現了，而這時傳媒肯定會加入進來推波助瀾。當這種風格、現象被炮製得市場趨於飽和狀態時，它不再成為流行音樂所特有的時尚、潮流、新奇或時髦的標誌時，那麼它就會被另一種現象所替代。於是一種有規律性的商業行為在循環往復。聰明的唱片商十分清楚為某一種風格、現象炮製出的唱片會在何時達到最受歡迎的程度，何時受到冷落，並把一張張如法炮製的唱片向股票一樣不失時機地拋售出去，從中漁利。
唱片工業的這種做法，最終給我們帶來了應接不暇的潮流，給我們帶來豐富多彩或是千篇一律的流行音樂，這也是唱片維繫自我生存的一個很重要的一個手段。
但本文所要談的並不是前面的這個話題，之所以費了這麼多筆墨，只是借此想說明下面的這一個話題：在過去的一段時間歐美樂壇出現的一種向大師致敬的現象。
向某一人物致敬，這個人必須是在某一領域有著特殊的成就和貢獻並有著重要的影響和地位，這些人往往是大師級人物，值得人們去致敬。
唱片界在90年代曾出現過翻唱之風，隨後又出現「Unplugged」(不插電)之風，這兩年最熱鬧的除了另類音樂胡作非為外，比較引人注目的就是向大師致敬了。唱片界向大師致敬，就是開一場音樂會或出一張唱片向前輩人物表示懷念和敬仰，而最終總是要通過演唱一些被致敬了前輩的歌曲，製成唱片。
從表面上看，這是一種極簡單的紀念行動，並帶有很濃重的人情味，或表現出一種人性的美德。但這美德的背後，卻是極直截了當的商業行為。
我們分析一下這兩年出現的「向大師致敬現象」。
首先，今天確實該向大師致敬了。流行音樂發展了四五十年，有多少歌星沉浮起落，但總有些讓人難以忘懷的人物。特別是那些幾十年前的音樂，即使用最先時的錄音技術和技巧也無法再現它最初的神韻了，這使人們難免不對那些過去的音樂，過去的時代，過去曾獨領風騷的人物產生懷念之情，向大師、向前輩致敬很符合人們的懷舊心理。
其次，向大師致敬是90年代初翻唱之風的另一種翻版。在唱片業進入90年代後，翻唱之風日盛。其實翻唱一直是歐美唱片界商業行為中很重要的一項舉措，歐美唱片公司有一個A&R部門(一個負責藝人和曲目的部門)是專門負責讓歌手翻唱再版唱片的機構。但進入90年代，翻唱比以往任何時期都密集，導致這一現象的主要原因是創作上的匱乏，唱片公司在市場上找不到方向的結果。因此，更多的時候，用翻唱來搪塞消費者。但這種現象不能永無休止地下去，時間一長人們就會生厭，因此，要變著花樣地翻唱。無疑，向大師致敬成了一種很符合潮流又能掩飾創作匱乏的商業手段。
再次，向大師致敬在市場上的可行性。老歌新唱，總會搞出點新意思來，更何況還打著致敬的招牌。往往向大師致敬的唱片都雲集各路精英，各顯其能，這本身就很有紀念意義和收藏價值，在市場上也必是能刺激消費者，雖然它不像一張熱門唱片那樣走俏，但也絕對能保證其賺到足夠的利潤。
向大師致敬是從哪一年開始的，第一個推出來被致敬了大師是何許人，由於資料所限，筆者無從查考，但根據筆者所掌握的資料，倒可介紹一些有特色的向大師致敬的唱片。
「A Tribute to Woody Guthrie」。這是筆者聽到的最早的一張向大師致敬的唱片。Woody Guthrie，美國民歌運動之父，他出生於1912年，他是一位詩人，歌手，一生中給人留下了上千首詩，上百篇文章以及一種生活方式。他被稱為「美國傑出的民謠作曲家」、「一位不出聲的荷馬」、「和沃爾特.惠特曼一樣偉大的人物」。在他的影響之下，才出現了Pete Seeger、Bob Dylan這樣偉大的民歌手。1967年10月，這位偉大的人物與世長辭，1968年1月2日，為紀念這位「民歌之父」，當時最著名的民歌手走到一起，在紐約的卡內基演出大廳，舉行了一場音樂會，當時參加演出的有：Judy Collins、Bob Dylan、Jack Elliott、Arlo Guthrie、Tom Paxton、Pete Seeger等。在兩年後，1970年9月，包括第一次紀念Woody中的Jack Elliott、Arlo Guthrie、Pete Seeger以及Joan Baez、Country Joe McDonald、Earl Robinson等民歌手在好萊塢又舉行了一場紀念Woody的音樂會。兩次音樂會都以演唱Woody的名曲為主，最後，這兩次錄音合併列一起，製成唱片，於1972年出版發行。這是一張名副其實向大師致敬的唱片，那些受過Woody熏染的新一代民歌手，帶著崇敬之情參與了這兩次活動，這張唱片十分值得收藏，一方面它彙集了當時最著名的民歌手，另一方面，他們唱的都是Woody的名作，如「Hobo's Lullaby」、「Jesus Christ」、「1913 Massacre」、「This Land Is Your Land」等。
「Roots of Rhythm and Blues：A Tribute to the Robert Johnson」。這又是一張值得收藏的Tribute唱片。這張唱片之所以值得收藏，一方面它是向20、30年代布魯斯大師R.Johnson致敬，另一方面它彙集了各路布魯斯高手。最值得一提的是，儘管這張唱片錄製於1991年美國Smithsonian民歌音樂節的現場錄音，但它完全再現了20、30年代布魯斯音樂的效果和氛，沒有什麼電聲樂器，代之是簡樸的口琴、吉他、鋼琴伴奏，用吟唱的方式原汁原味把演繹了25首布魯斯、民歌名曲。同時，這張唱片也獻給當時77歲高齡的布魯斯歌手Johnny Shines，他在這張唱片中演唱了8首歌。
「If I Were Carpenters」。這是一張饒有趣味的致敬唱片，是為紀念Carpenters兄妹出道25週年而錄製的一張唱片。以往，向大師致敬總是要畢恭畢敬、嚴肅認真，而這張唱片卻反其道行之。Carpenters的悅耳、輕鬆、優美的歌聲被一幫另類們「遭塌」得面目全非。像Sonic Youth、Redd Cross、4 Non Blondes這樣無法讓Carpenters歌迷無法接受的樂隊，用他們的風格能致敬出什麼效果呢？這種強烈的對比自然提起了人們的興趣來。這張唱片值得收藏的一個重要原因是在90年代，另類音樂的崛起標誌著過去的主流音樂時代的結束，而在這個新舊交替的過程中，另類向主流大師致敬，不單是一種尊敬，更重要的是一種Farewell。
「Ruby Trax」。這是一張更有趣的致敬唱片，致敬的動機是為了紀念英國著名流行音樂刊物NME(新音樂快訊)雜誌創刊40週年，出版了三張一套的唱片。其中由40個英國朋克非主流樂手翻唱了40首英國BBC排行榜冠軍歌曲 。一群另類玩一堆流行金曲，效果可想而知，絕不次於向Carpenters致敬。
關於向大師致敬的唱片近來出版了不少，比如向80歲高齡的口琴大師Larry Adler致敬的「The Story of Gershwin」；向Elton John和Bernie Taupin這對黃金搭擋合作20週年致敬的「Two Rooms」；向Elvis Presley致敬的「It's Now or Never」；向Van Morrison致敬的「No Prima Donna」；向Kiss樂隊致敬的「Kiss My Ass」；向Jimi Hendrix致敬的「Stone Free」；向Led Zeppelin致敬的「Tribute」。此外，Leonard Cohen、Eagles、The Byrds、Curtis Mayfields、Black Sabbath、Marvin Gaye、Pink Floyd等一些大師們不同程度地遭到致敬。這裡，這些唱片就不一一介紹了，有興趣的朋友不妨找來聽聽。
回到本文的開頭，「向大師致敬」是唱片業煽動起的一股潮流，而且，唱片界在致敬的過程中，不斷完善致敬的手段，使其趨於商業化、娛樂化，而這正是唱片業宗旨所在。我們看到，由充滿敬意嚴肅認真地向大師致敬到後來隨隨便便並充滿商業氣息地向大師致敬，這其中的變化就是商業的遊戲規則，一旦這種遊戲規則達到盡善盡美的程度，它最初的意義也便不復存在了。
這種致敬的方式說到底還是唱片公司為尋求商業市場所做出的舉措，致於被致敬的人應如何被致敬，應致敬到什麼程度，這都是次要的。
好啦，搖滾歌星向大師致敬，唱片商向金錢致敬，兩全其美，玩吧！
洛杉磯金屬重鎮Metal Blade
一個名叫Brian Slagel的音樂狂熱分子整日游弋於洛杉磯的郊區，並幾乎以病態的方式完全沉 溺於觀看當地的一些被主流音樂廠牌所不屑的金屬樂隊的演出。Slagel白天在傳奇性的金屬商業中心Oz Records工作，夜裡則在第一家美國金屬樂迷雜誌《The New Heavy Metal Revue》中供職。Slagel詢問一些出版商朋友，自己打算出一張地下金屬樂隊的作品合輯，並將其予以廣泛的傳播，他們說，這沒問題。於是，Metal Blade唱片公司就誕生了。
當然，事情並非是如此簡單。Slagel每天要在Oz Records和Metal Blade唱片公司中呆上17個小時，他將已物色好的地下金屬樂隊的作品收集起來，這些樂隊包括Metallica、Ratt和Black 'N Blue等，當然這只是這一批樂隊中的一小部分，最後作品被輯錄於一張合輯之中，以《The New Heavy Metal Revue》的名義予以出版發行，合輯就是日後成為經典性作品的《Metal Massacre》。
其實在《Metal Massacre》發行之前，Metallica樂隊是不存在的。據Slagel回憶說，在1981 年初的時候，當時已日益繁盛的New Wave Of British Heavy Metal (NWOBHM)運動在洛杉磯地區 卻只有三個這樣的狂熱分子：Slagel、一個丹麥小子Lars Ulrich和另一個朋友。他們三個常常聚 在一起，跑遍了整個洛杉磯地區的每一家唱片店去搜尋NWOBHM浪潮中不斷湧現出的最新的唱片。
一年之後，Slagel向Lars提起打算要做一張金屬合輯，不久Lars就給Slagel打電話說，他已經和James Hetfield一起演奏了一些翻唱歌曲，如果現在自己創作一首曲子，是否能收錄於這張合輯中。Slagel當時就許諾說，當然可以。於是Lars就創作並錄製了一首「Hit The Lights」交給Slagel， 這時Lars給自己的樂隊命名為Metallica。
Pink Floyd 的墮落
作者：沈顥
因為Pink Floyd早已是個「遲暮的美人」，所以當我拿到美國Billboard榜連續上榜4周的新大碟《The Devision Bell》時，本沒有幻想著能夠重現其絕世魔力，所以我並沒有失望。 雖然已經習慣了面對殘局，但還是專心致志地想從《The Devision Bell》中尋找出一些樂隊與生俱來的創造力，然而令人遺憾，整張大碟中充斥的是對以往作品的模仿，尤其是《Dark Side Of The Moon》中大量的音樂元素又被重新組合，但那已是20年前的時髦了。
Pink Floyd習慣於在大碟中注入一些純音樂作品，這張大碟也不能倖免。第1首「Cluster One」便是純音樂作品，可惜的是它似乎是70年代樂隊自己的作品「Wish You Were Here」的剽竊之做，雖然它試圖用電子噪音營造一種出人意表的宇宙感受，Pink Floyd似乎沒有意識到近10年來電子音樂的庸俗化程度。這種情況在第4首「Marooned」中同樣出現，它以持久的鋼琴協奏為細細的主線，再加上刺耳單調的合成器、騙人的音響效果，差點使人誤入陷阱。合成器破壞樂感已成為這一代新音樂的弱點，而Pink Floyd卻偏偏如獲至寶。 值得一提的是70年代Pink Floyd對環境音樂的創造性運用，比如說「Time」前奏效果中床邊鬧鐘聲、教堂鐘聲的乾脆利落的使用，與後面的回音吉他、手鼓呵成一氣，反射出時光的寧靜。新大碟中再無這種天才式的創意。只是在最後一首「High Hope」中，自始至終我們都可以聽到一種輕微的鐘聲，那就是這張大碟的主題：The Devisio Bell( 戴維遜鐘聲)。它指的是議會在要求議員表決前的提示鐘聲，鐘聲後議員已成為兩個陣營，你要麼反對，要麼贊成。這似乎正是在影射Waters與Gilmour的分歧。
不過，儘管如此，我們還是奇怪地從這張大碟中發現Gilmour的演唱其實是對Waters噪音的一種離奇般準確的模仿。這種現象在「Come Back To Life」一曲表現得尤其突出，Gilmour的每一個樂句、每一個和聲、每一個呼吸聲都幾乎帶有Waters的特點。這首作品應說是此碟中比較優秀的作品，編曲極為豐富，你可以欣賞到Gilmour隱藏在Mason的鼓聲中出色的吉他演奏。
此外，在「Lost For Words」中Gilmour隨心所欲的演示同樣使人迷醉。他的吉他演奏特點是似乎從來都不會驚慌失措。每當Gilmour進入他的音樂境界後，他似乎總想用吉他給你講述一個有頭有尾的故事。Gilmour的吉他便是此張大碟中值得我們欣賞的部分。
整張大碟中缺少如「Time」那樣的另類風格的優秀作品，如果有，大概也就是那首「What Do You Want From Me」，但也只是簡單的相似而已。不過碟中有兩首歌值得注意，一首是「A Great Day For Freedom」，一脈相承了1980年《The Wall》的風格，幽雅的音樂，尖酸的嘲諷，一直便是Pink Floydd美德。在這首歌中，他又唱：「當國界線移動如同沙丘/而國家卻躲在憂鬱的陰影中/清洗著沾滿鮮血的雙手/那雙手曾緊握光榮與歷史。」另一首「Wearing The Inside Out」是此碟中最流暢的一首，也試圖營造一種潮濕而詭異的音樂效果。「High Hope」是最後一首，也是這中大碟的主題，在貫穿整首作品的鐘聲隱顯下，Gilmour的那種受傷感又浮現於整首歌曲中，是他演繹得最為成功的一首，可能是因為有感而發吧。音樂上的孤獨，對忠誠友情的懷疑與珍惜，似乎就是這首作品傳達的信息，也是整張大碟想表現的意義：歲月飛逝，Pink Floyd這個名字還能存在多久？
史上最重要的12張朋克唱片
作者：簡巍
他們---無論是誰， 總是聲稱朋克改變了音樂世界。假如我們一旦聽過一張Eater的專輯， 排行榜上恐怕就不 會David Bowie、 The Bee Gees、Elton John和那些彈吉他的長頭髮美國人的位置了。 當然，它從未發生。The Clash變成了The Rolling Stones （事情本身倒不是絕對的壞事，但是……），其它來自英國地下樂壇的朋克樂隊也都分崩離析了。
但是， 有一條線貫穿始終，從The Stooges開始，經過英國的流氓們、The Pogues、Nirvana直到現在的Green Day， 他們在1977年時都只有五歲。它表明無所觸及的朋克音樂實際上觸動了方方面面。朋克包含偉大的精神，並且是許多美妙事物的催化劑，同時它因為創作出了一些光彩奪目的音樂而盡到了責任。以下是其中的12最佳：
The Adverts 《Crossing The Red Sea With The Adverts》，Bright公司，1978年出品 儘管在今天的朋克名人祠中The Adverts不是一個值 得吹噓的名字，但是作為倫敦Roxy俱樂部的固定表演者， 它是確立這一音樂圈子的樂隊之一。 歌手Tim Smith和貝 司手Gaye Advert結成的這一組合最初被The Damned樂隊 的Dave Vanian發現， 組隊一年後他們製作了首張朋克專 輯，其中包含大膽的旋律和深思熟慮的、充滿反語的歌詞。 開場曲One Chord Wonders標誌出他們的音樂風格， 一首 講述一名殺人犯被處決後將眼睛捐獻出來的故事的歌曲博 得了各地假做多情的朋克們的喝彩。 最佳歌曲： Gary Gilmore's Eyes、 No Time To Be 21 精彩瞬間： 關於殘疾人的歌曲 「Realising On Wheels」
Nirvana《In Utero》，Geffen公司，1993出品 這是Nirvana樂隊最朋克的專輯。 經過專輯 《Nevermind》 的商業輝煌及其成功帶來的瘋狂之後， Kurt Cobain僱用了反商業製作人Steve Albini試圖錄製 一張盡可能原汁原味的專輯。它運用了比前作更豐富的音 樂素材，並且在其核心蘊含著袒露Cobain最深層的恐懼和 脆弱的用心。 像「Rape Me」這樣個人化的歌曲的直面痛 苦的展現在現在做一回顧，也許可看作是一種警告，它在 當初被與這個煩惱歌手最親密的人們所忽視。但是作為藝 術，這正是它的朋克所在。 最佳歌曲：Rape Me、Scentless Apprentice 精彩瞬間： 歌曲「Radio Friendly Unit Shifter」 中的自厭情緒
Buzzcocks《Love Bites》 ，United Artists公司， 1978年出品 曼徹斯特的Camp Punk奠立於Pete Shelley與眾不同 的嗓音和一些粗聲粗氣的狂呼亂叫的流行歌曲之上。歌曲 「Ever Fallen In Love （With Someone You Shouldn't've）」達到第12名，並將全國朋克的目光引向 即將面世的專輯《Love Bites》 。該名稱暗指Shelley在 Howard Devoto於1977年3月離隊後開始控制的對少年性焦 慮的迷戀。《Love Bites》是快速、狂暴和自戀的專輯， 對於那些想再次回味自己的第一次性行為的人來說是絕好 的專輯。 最佳歌曲：Ever Fallen In Love…、E.S.P. 精彩瞬間： 歌曲「Ever Fallen In Love」的最後10 秒。
Ramones《Rocket To Russia》 ，Sire公司，1977年 出品 這個紐約Cbgb俱樂部裡產生的最快、最傻的樂隊用他 們笨拙的歌曲迅速地贏得了英國朋克們心中的位置。歌手 Joey的歌聲聽上去就像他的半個大腦被摘除了一樣，而吉 他手Johnny的彈奏就像他的手指被切掉了一半。 The Ramones的最佳半小時來自專輯《Rocket To Russia》 ， 快速飛行的歌曲像一杯刺激的雞尾酒，高情緒，低智商。 The Ramones是如此偉大以至於朋克們甚至不介意他們留 的長髮。 最佳歌曲：Cretin Hop，Teenage Lobotomy 精彩瞬間： 歌曲 「Teenage Lobotomy」 中「Guess I'm Gonna Have To Tell'em /That I've Got No Cerebellum」一句。
The Clash《The Clash》，Cbs公司，1977年出品 對許多人來說，它是五張必備朋克專輯之一。其封面 是身著典型朋克服裝的樂隊成員，背景描繪了警察在試圖 鎮壓一場暴亂。 儘管吉他手/歌手Joe Strummer和mick Jones分別從r&B和glam Rock的背景下成長到朋克中來， 但The Clash之聲被許多人認為是朋克的精髓。 它的吉他 彈奏堅硬而迅速，生硬粗暴的演唱準確地觸及到真正的城 市問題。這張處女作中的作品使樂隊獨樹一幟，他們完美 地捕獲到煩惱少年們的情緒---需要一個團結一心的理由。 在許多方面，這個理由就是The Clash。 最佳歌曲：Garageland、Career Opportunities 精彩瞬間：歌曲「White Riot」中的警笛聲。
The Damned《Damned, Damned, Damned》 ，Stiff公 司， 1977年出品 朋克系列裡玩笑般的小人物， 倫敦的四人樂隊The Damned不帶任何政治綱領和傳統才藝闖上這一舞台，但是 他們為之注入活力，結果在一個短時期內成為主要的朋克 樂隊。 這張第一個進入排行榜的朋克專輯由Nick Lowe制 作，封面是四名成員滿臉塗著膠水的醜態，其中有12首極 其精彩的缺乏理智的瘋狂歌曲。 歌手Dave Vanian的能量 準確地、沒頭沒腦地發洩出來，使它成為真正的傑作。 最佳歌曲：New Rose、Neat Neat Neat 精彩瞬間： Brian James在歌曲「New Roes」中的前 奏
Dead Kennedys 《Fresh Fruit For Rotting Vegetables》，Cherryred公司，1980年出品 由Jello Biafra領導的這支舊金山四人樂隊是少數幾 支在英國沒有遭到廣泛猜疑的美國朋克樂隊之一。毫無疑 問， Dead Kennedys是完美的。一個注定要激怒美國人的 名字，一些與美國商業社會格格不入的歌曲，這張處女作 展示了樂隊的力量，Biafra伴有高聲譏笑的演唱同牆一樣 的噪音一起呼嘯而出。如此出色的樂隊是無法被忽視的。 最佳歌曲：Holiday In Cambodia、California Uber Alles 精彩瞬間： 歌詞 「Slave For Soldiers Until You're Starved / And Then Your Head Is Skewered On A Stake."
Green Day《Dookie》，Reprise公司，1994年出品 該專輯是美國80年代初朋克樂風復興時的王者之作。 加利福尼亞的孩子們沒有主宰世界的打算，但當《Dookie》 （對英國人來說是狗屎）被校園電台接受並成為超新星之 時， Green Day以其孩子氣演繹的這一幕生活荒誕劇突然 使他們獲得了巨大的聲譽。這些對最初的朋克時代幾無印 象的白人爛仔表演著生澀、快速的流行歌曲，像是給災難 開的一張處方。但是歌手Billie Joe Armstrong驚人的熟 練表演和覺醒於grunge虛無主義的日漸增長的意識使 green Day成為90年代有趣的另類。 最佳歌曲：Basket Case、When I Come Around 精彩瞬間：歌曲「When I Come Around」中絕妙的和 聲
Sex Pistols 《Never Mind The Bollocks Here's The Sex Pistols》，Virgin公司， 1977年出品 空前絕後的朋克經典，唱片上的最純粹的反叛音樂。 儘管沒人會在當時感謝你所作的評價， 但Sex Pistols之 聲很多要歸功於吉他手steve Jones在傳統搖滾音樂來復 曲基礎上做的改造。他們的音樂駕馭著一大堆奇談怪論， 其演唱最終定義了朋克唱法，最後帶給人的是氣勢洶洶、 令人生厭和狂妄自大，並且永遠也無法挽回。事實上，當 人們第一次聽到這張唱片時，他們認為它會搞垮文明社會。 這是多麼了不起的讚揚啊！ 最佳歌曲：Anarchy In The Uk、Pretty Vacant 精彩瞬間：「Bodies」裡的叫喊
The Stooges《Fun House》 ，Elektra公司，1970年 出品 與同年發行的Mc5的 《Back In The Usa》 一起， 《Fun House》 為現在大多數朋克樂手所承認是他們最初 獲得激勵的專輯。該專輯以其糟糕的音響和演奏描繪出一 幅垃圾般的生活場景，被那些除了吸毒和看電視便無所事 事的人們所推崇備至。 Iggy Pop神經質的演唱和ron Asheton的吉他將朋克音樂在其名稱被創造出來之前帶到 人間。 最佳歌曲：Loose、Tv Eye 精彩瞬間： 歌曲「Loose」，歷史上最濃郁的毒品之 聲。
The Stranglers《Iv Rattus Norvegicus》，United Artists公司，1977年出品 The Stranglers比他們同時代的朋克樂手都要老道和 聰明些，因此他們的這張處女作也與眾不同。他們的短促、 迅速的能量爆發使其音樂在競爭對手之間標新立異。這是 一張陰鬱的唱片，瀰漫著迴旋的風琴聲，像是魔鬼在撫弄 著鍵盤。 The Stranglers公然掠奪了the Doors的音樂， 但其中慢慢滲透出的卑劣的情感使他們不僅僅是個複製者。 最佳歌曲：Hanging Around、Down In The Sewer 精彩瞬間：歌曲「Peaches」中，Hugh Cornwell對那 個女人的問話。
The Undertones《The Undertones》 ， Sire公司， 1979年出品 來自北愛爾蘭倫敦德裡港的朋克，洋溢著青少年無憂 無慮的生活觀。 歌手Feargal Sharkey舉止滑稽，因此樂 隊只得採取玩世不恭的態度。此後，樂隊製作了一張朋克 專輯， 反映出遠勝於他人的年輕無慮的感情。 The Undertones不會在意政治，他們更關心搞一次旅行，就像 他們自己聲稱的那樣。但是在如此謙遜的態度下，產生了 最棒的朋克單曲之一「Teenage Kicks」。 最佳歌曲：Teenage Kicks、Jump Boys 精彩瞬間：歌曲「Jimmy Jimmy」中Sharkey羊叫一樣 的和聲。
電視傳媒與搖滾樂
婁& Sun L.
電視無疑給我們的歌手樂隊帶來了巨大的名聲和利益：觀看者的數目不再是幾千、 幾萬，而是遍及全球的上百萬、上千萬；「好風憑借力，送我上青天」，此言不虛，憑 借上視亮相這股東風，唱片銷量可以向上一連翻上幾個觔斗，要多風光有多風光。這真 是件「何樂而不為」的事情。
但是...且慢！
歌手樂隊與電視傳媒從來就不是一對步調一致的夥伴。 從Sullivan Show同意播放 貓王的上半身演出， 到Top Of The Pops因Robert Smith拒絕擦去唇膏而將The Cure踢 出局為止，電視與搖滾這幾十年來的合作可以形容為「磕磕跌跌，別彆扭扭」。一方謹 慎威嚴、冷靜矜持，一方則年輕氣盛、冒失激進----此間摩擦怎可避免！有些專業人士 對於這個矛盾倒另有一番有趣的見解：「對於樂隊的『胡鬧』，電視台實則暗中歡喜， 因為觀眾樂於觀看這些非正規的、並常為他們提供飯後聊資的樂隊軼事。」「電視是片 受制約的空間，一旦打亂了它的秩序，倒反而投合了觀眾的胃口。」 尷尬的意外層出不窮，請看諸位歌手「自編自導」的滑稽錄像----
※ 87年Jesus & Mary Chain樂隊在Top Of The Pops節目中首演時，Jim Reid不知 出於何動機，一改排練時立地不動的姿式，代之以大搖特搖立式麥克風，活像一個幹活 賣力的越南伐木工。 電視台的老爺們對此暴跳如雷。作為懲罰，他們再也沒有向Jesus & Mary Chain伸出過邀請之手。 94年在Later中表演時，Jim Reid故態復萌，儘管其間 列席的不乏其他樂隊的革命同志，他仍在演唱時添加了許多愚蠢的顫音，刺耳又難聽， 唉，貽笑大方。不過從Jim Reid向老記們傾吐的苦水中，我們會不會感歎一句「家家有 本難念的經」 呢？---「我其實是被電視攝像機給嚇住了，一上鏡就緊張，唯一的對策 就是先把自己灌個爛醉。 」他曾砸爛了一台不斷向他靠近的價值4萬英鎊的攝像機，後 來又花費幾天時間苦勸電視台不要播放這段「意外插曲」，後者不為所動，照播不誤。 上帝保佑Jim，但願大家都比較健忘。 ※ 89年The Cure在上Hollan's Countdown節目前， 和「香蕉女郎」Bananarama碰 了幾杯禮節性的雞尾酒。孰料立竿見影，一上節目就大出洋相，Lol Tolhurst甚至掀翻 了他的鍵盤。這則軼事告訴我們，酒是不可隨便喝的，特別是自己還沒有鍛煉出一定酒 量的情況下。
姑娘們在這方面也頗有建樹。Bananarama的Keven Woodward在Tube節目已開始直播 後仍大聲嚷嚷：「輪到我們了嗎？輪到我們了嗎？」嘿，頗有男兒不苟小節的性格。 ※ 85年在英國BBC二台的特別節目Rock Around The Clock作表演時，New Order的 一位老兄Bernard Summer大失水準。先是向香港的黎「天王」看齊，唱歌跑調；繼而在 唱「In A Longly Place」這樣的慢歌時不斷催促鼓手Steve加快節奏，可惜在下無法親 耳恭聽這慢歌快唱的效果究竟如何。 事不過三， 他甚至還把一首歌的歌詞即興改成： 「我希望有人告訴我What the fuck we should do」！ 絕對New Order一派，絕對娛樂大眾。
※ Pink Floyd 67年第一趟美國之行時，頻頻在電視裡露臉。在做Pat Boone Show 時， 酸勁十足的Syd Barret全然不理會東道主Boone的熱情提問，甚為無禮。後來，為 American Bandstand做See Emily Show時，攝影機一轉開，Barret馬上就收斂起笑容， 愉悅的表情一掃而光，目光呆滯，漠視前方，其變臉速度之快可用十分之一秒來計算。
※ 吸毒事件很少曝光， 但若是當事人自己露餡，終究怨不得別人。1977年，「變 色龍」David Bowie和Marc Bolan Show的主持人Bolan一身可卡因味地跑上台。Bolan剛 走近麥克風，就一個踉蹌跌到台下，這對道友雙雙失去了控制。他們的節目開始不到30 秒就被換成了廣告。
※ Ann Peebles和Lenny Kravitz可謂同病相憐，兩人分別在Later和Friday Night Live At The Dome中表演時，嗓子實然失聲，上不去又下不來，別提有多尷尬了。
※ 如果說嗓子卡殼尚屬少見的話， 設備失靈倒常叫人暗捏一把汗。 Beatles的 「Hey Jude」剛唱到一半，Paul McCartney的麥克風突然失靈，台下頓時噓聲一片，怪 叫，扔東西，吹口哨，極是熱鬧。只有我們這位Beatles老兄，一個人傻傻地站在台上， 滿臉迷惑。
Redskin在Tube的演出更是叫絕，大提琴Martin Hense的麥克風根本就沒有打開過， 奇怪的是當時楞是沒人聽出來。
。 ※ 樂隊自己要糟踏形象卻是旁人幫也幫不了的事情。 Stones Roses一直保持著低 出鏡率。89年12月，他們的一首「Fool's Gold」榮登排行榜。Latr Show於是邀請這些 Roses作現場表演。結果出人意表，一曲「Made Of Stone」才唱了45秒鐘，聲音就沒了。 導演Macleod趕忙四處道歉， 並叫Roses立即準備下個節目。Roses一干人呆坐在攝像機 前，麥克風裡傳出的不是歌聲而是Ian Brown不耐煩的抱怨：「我看我們是在浪費時間， 夥伴！ 」 然後他們齊聲大叫： 「Amateurs! Amateurs! （菜鳥！ 菜鳥！）」宣傳商 Davies覺得自己這時候應該做一下緩解工作，便問Iran Brown可否準備下一首歌。「你 以為我們是什麼， 米老鼠嗎？」Brown言罷，拂袖而去，把一大屋子人全晾在那兒了。 自那以後，Stone Roses「傲慢自大」的惡名不徑而走，樂隊再也沒作過實況演播。
※ Human League 95年在Elevazen低聲吟唱「Tell Me When」時，歌聲被伴奏的鼓 聲全然覆蓋，以致演播室的觀眾聽得一頭霧水，面面相覷，交頭接耳。我們的樂手卻對 此毫無所知，依然有板有眼、情深款款地唱了下去。 ※ 歌手與現場工作人員也會產生衝突。 Corrosion Of Conformity的貝司Mike Dean就在1994年的World節目上演了「90秒的正劇和90秒的鬧劇」 。他因不滿一名攝影 師兩次弄掉了電線插頭，抓起貝司就向後者扔去。一回不中，又扔一回，那個可憐的攝 影師狼狽地掉進了觀眾席裡。儘管樂隊其他成員仍在若無其事地繼續表演，電視台還是 把畫面切換成了廣告。
※ 94年世界盃足球賽的開幕式上， Jon Secada真正是唱出了風采。他在演唱時一 不留神掉進了舞台上的一個洞裡----可以肯定，他不是故意掉進去的----Secada不屈不 撓，繼續在洞裡縱聲高唱，留給全球億萬電視觀眾還是被他動人的歌聲和一個在洞裡前 後晃動不已的大額頭----真是神龍見首不見尾啊。
※ 有些時候， 歌星們也幹些自打耳光的傻事。Iggy Pop在95年做White Room節目 時熱情過盛，以致於縱身向台下已經開始散場的人群一躍----觀眾們顯然還沒有感染上 他的這種巨大的熱忱， 「砰---」 他們聽任這位感覺良好的大腕重重地摔在地板上。
1977年，John Cale在接受Granada的So It Goes節目採訪時，堅持要把一條長長的 灰色披肩包在頭上，不知他究竟是作何打算。
※ Dean Martin 64年說到Rolling Stones時語無倫次： 「他們的頭髮還不夠長， 額頭還不夠長，眉毛還不夠短。」完全是一副醉貓的樣子。後來，提及另一位擅長在蹦 床上跳上蹦下的的雜技大師時，他又醺醺然地說，Rolling Stones就是受他的啟發才為 自己命名的----他是他們的爸爸。 就為這番胡話， 他一直恨不得殺了自己來著呢。 Rolling Stones對此有何感想呢？
※ 再往回說到八年前， Elvis Presley受過Steve Allen Show的一次傲慢禮遇， Allen與Dean Martin、 Ed Sullivan一樣都是舊派人物，根本不明白搖滾的精義所在。 他只是鑒於貓王巨大的聲名不得不請他來做節目，但仍挖空心思地要弱化其性感形象。 Allen建議Elvis穿上小禮服， 牽上一頭貨真價實的獵犬， 演唱 「Hound Dog To」 。 Elvis竭力顯得鎮定從容，但後來也承認這種表演實在是有失身份。
Live And Kiching的製作人Kathy Gilby的話可以說是給本文作了個總結： 「現在的藝術家們已經越來越職業化，並被更職業化的人所照看著，所以事情比以 前要像樣多了。不然的話，還要啟用他們幹什麼！----放放錄相帶算了，夠你發的！」
重金屬分類
ququ
Boogie Metal(流行金屬): def leppard, Bon Jovi, Ratt, Mr. Big, Y&T ...
Folk Metal(傳統金屬): Scorpions, Ozzy Osnourne, AC/DC, Aerosmith ...
Glam Metal(華麗金屬): Poison, Kiss, Motley Crue, Twisted Sister ...
Art Rock/Metal(藝術搖滾): Deep Purple, King Crimson, King's X ...
Alter. Metal(非主流金屬): Kyuss, Ugly Kid Joe, Helmet, Young Gods ...
Thrash Metal(激流金屬): Metallica, Megadeth, Slayer, Anthrax ...
Speed Metal(速度金屬): Halloween, Gamma Ray, Excel, Nuclear Assault .
Power Metal(強力金屬): Pantera, Sepultura, Machine Head, Lost Souls .
Hardcore Metal(硬核金屬): Judas Preist, Fight, Prong ...
Grindcore(??????): Napalm Death, Siege, Terrorizer, Bolt Thrower ...
Death Metal(死亡金屬): Death, Therion, Carcass, Entombed ...
Doom Metal(厄運金屬): Cathedral, My Dying Bride, Amorphis, Pyogenesis
Black Metal(黑色金屬): Venom, Possessed, Darkthrone, Samael ...
Industy Metal(工業金屬): Godflesh, Ministry, Scorn, OLD ...
Progressive Metal(前衛金屬): Savatage, Queensryche, Dream Theatre, Fat es Warning ...
Gothic Metal(哥特金屬): Paradise Lost, Nifilim, Tiamat, Kong ...
Punk Metal(朋克金屬): Guns'n'Roses, Fudge Tunnel, Floodgate, Therapy .
The End
This is the end Beautiful friend
This is the end
My only friend, the end
Of our elaborate plans, the end
Of everything that stands, the end
No safety or surprise, the end
I'll never look into your eyes...again
Can you picture what will be
So limitless and free
Desperately in need...of some...stranger's hand
In a...desperate land
Lost in a Roman...wilderness of pain And all the children are insane
All the children are insane
Waiting for the summer rain, yeah
There's danger on the edge of town Ride the King's highway, baby
Weird scenes inside the gold mine
Ride the highway west, baby
Ride the snake, ride the snake
To the lake, the ancient lake, baby The snake is long, seven miles
Ride the snake...he's old, and his skin is cold
The west is the best
The west is the best
Get here, and we'll do the rest
The blue bus is callin' us
The blue bus is callin' us
Driver, where you taken' us
The killer awoke before dawn, he put his boots on He took a face from the ancient gallery
And he walked on down the hall
He went into the room where his sister lived, and...then he Paid a visit to his brother, and then he He walked on down the hall, and And he came to a door...and he looked inside
Father, yes son,
I want to kill you
Mother...I want to...fuck you
C'mon baby, take a chance with us C'mon baby, take a chance with us C'mon baby, take a chance with us And meet me at the back of the blue bus Doin' a blue rock On a blue bus Doin' a blue rock C'mon, yeah Kill, kill,
kill, kill, kill, kill
This is the end
Beautiful friend This is the end
My only friend, the end
It hurts to set you free
But you'll never follow me The end of laughter and soft lies
The end of nights we tried to die
This is the end 結 束
這是結束 美麗的朋友
這是結束 我唯一的朋友
結束了
我們煞費苦心的計劃
結束了
那堅持著的每件事
結束了
沒有安全或驚奇
結束了
我再也不能與你的雙眼對視
你能不能想像今後的事？
如此無邊 如此自由
渴望
某個陌生人的手
在一片絕望的土地上
迷失在羅馬人疼痛的荒野
所有的兒童已精神錯亂
所有的兒童已精神錯亂
等待夏雨的降臨
在國王大道上行駛
城市的邊緣充滿危險
金礦裡有奇異的景象
孩子，沿著車道向西行
騎上那條蛇
騎上那條蛇
到那面湖去
那片古代的湖
孩子
那條蛇長長
蜿蜒7里
騎上那條蛇
他老了
而他的皮膚冰冷
西方是最好的
西方是最好的
來這裡吧 剩下的交給我們
藍色汽車向我們召喚
藍色汽車向我們召喚
司機，你要把我們帶向那裡
殺人者在拂曉前醒來
他穿上靴子
從古代畫廊取過一張臉
然後在走道上走
他進了房間
他姐姐住的房間
然後
他造訪了他的兄長
然後 在走道上走
他走向門
向裡面望
「爸爸？」
「噢，兒子嗎？」
「我要殺了你。 媽媽，我要……」
來吧，孩子，來和我們一起冒險 來吧，孩子，來和我們一起冒險 來吧，孩子，來和我們一起冒險 然後，我們在藍色汽車的背後相見
這是結束 美麗的朋友
這是結束 我唯一的朋友
結束了
這傷害讓你自由
但你永遠不要跟隨著我
結束了
笑聲和溫柔的謊言
結束了
我們試圖死去的夜晚
結束
這是結束
the doors 詩作(歌詞)(2)
Roadhouse Blues
...Alright! Alright! Alright!
Hey, listen! Listen! Listen, man! listen, man!
I don't know how many you people believe in astrology...
Yeah, that's right...that's right, baby, I...I am a
Sagittarius
The most philosophical of all the signs
But anyway, I don't believe in it
I think it's a bunch of bullshit, myself
But I tell you this, man, I tell you this
I don't know what's gonna happen, man, but I wanna have
my kicks before the whole shithouse goes up in flames
Alright!
THE MOVIE
The movie will begin in five moments
The mindless voice announced
All those unseated will await the next show.
We filed slowly, languidly into the hall The auditorium was vast and silent
As we seated and were darkened, the voice continued.
The program for this evening is not new
You've seen this entertainment through and through
You've seen your birth your life and death you might recall all of the rest
Did you have a good world when you died?
Enough to base a movie on?.
I'm getting out of here
Where are you going?
To the other side of morning
Please don't chase the clouds, pagodas Her cunt gripped him like a warm, friendly hand.
It's alright, all your friends are here
When can I meet them?
After you've eaten I'm not hungry
Uh, we meant beaten Silver stream, silvery scream
Oooooh, impossible concentration. 汽車旅館布魯斯